JUEVES 12 DE OCTUBRE
DEL 2017.-
Catorce estrenos son un
verdadero exceso. Sin embargo, los distribuidores piensan que el fin de semana
largo ayudará a que sus productos marchen en alguna medida. Entre los films
están:
EL MUÑECO DE NIEVE, del
sueco Tomas Alfredson
Es el mismo realizador
de “Criaturas de la noche”, con menor perfección, más clishés y buena
fotografía, hilvanando datos similares de asesinatos para dar con un asesino
serial.
CINCUENTA PRIMAVERAS,
de Blandine Lenoir.
“Parte de un material susceptible de caer en el cliché, pero
tono, reparto e ingenio a la hora de definir algunas situaciones cómicas logran
convertir el resultado final en una singularidad delicada, aguda y
contagiosamente vitalista”, de Jordi Costa, Diario El País.
CONDORITO, LA PELÍCULA,
de Alex Orrelle y Eduardo Schuldt
Basada en el cómic
chileno.
“(…)“Condorito, la película”(…) intenta balancearse en el
fino equilibrio entre rendir tributo al elenco y el humor de la historieta
original, y aggiornar el material con elementos de cintas infantiles modernas
como “Mi villano favorito” cuyo éxito de taquilla pretende emular. El resultado
es mixto, poniendo en pantalla una película que no termina de funcionar como
humor de adultos o aventura infantil, pero que se torna interesante en su misma
crisis de identidad.”, de Diego Labra, Geeky.com
LA SEÑORA HAIDI, de
Daniel Alvaredo y Rafael Menéndez
Thriller psicológico
encabezado por María Leal. “Bien vale
como intento de seguir apostando al terror”, de Matías Orta,
Asalallena.com.ar
Agregamos el estreno de
MATER de Pablo D’Alo Abba basada en la obra de teatro “Un viento para un
violín” del consagrado Claudio Tolcachir, y también “El mensajero”, de Jayson
McNamara, documental sobre el director del Buenos Aires Herald, Robert Cox,
quien se enfrentó a la dictadura militar. Se estrenó en el BAFICI de este año
pasando ahora al circuito comercial.
DELICIA
De Marcelo Mangone.
Guion de María Laura Gargarella. Con Hugo Arana, Beatriz Spelzini, Marina
Glezer, Juan Ignacio Martínez, entre otros. Música de Darío Ramos Maldonado.
Duración: 100 minutos.
XXXXX- AGRADABLE HISTORIA DE AMOR
El desesperado fervor
de dos almas solitarias que se encuentran en un pueblo surge cuando Felisa
(Beatriz Spelzini) llega, con su leve renguera, a ocupar una vacante de enfermera.
El director del hospital le conseguirá un lugar donde vivir, en una de las dos
casas lindantes que Amado (Hugo Arana) le ofrecerá a cambio de colaborar en las
tareas de la casa.
Felisa descubrirá que
su propietario es ciego, muy hosco y huraño, tajante en su trato. La ceguera no
es congénita, alguna vez vio la vida en plenitud. Sabe movilizarse cada noche
con su bastón blanco para trabajar en la administración de un hotel
alojamiento.
Con el paso de los
días, Felisa cautivará a Amado, y una noche los descubrirá juntos, buscando
redimirse de la soledad. En ese juego alucinado, Amado le confesará que la
necesitaba antes. Deletreando su rostro con las manos le pregunta cómo se llama
y la enfermera le dice que es “Delicia”.
Esta historia es muy
pequeña por lo que con los dos personajes solos se hacía insostenible el guion.
Forzadamente se inserta a la hija de Amado, que viene a pedir dinero al padre. La
historia busca una salida: el nieto de Amado está gravemente enfermo y va al
hospital donde está Felisa. Estos cabos que se logran unir permiten que el film
tenga un curso aceptable al darle cierta acción movilizadora.
Son los protagonistas
los que llevan el peso de la historia: Hugo Arana quien compone un trabajo
actoral difícil porque, según sus propias palabras, debió estudiar en un centro
de ciegos el accionar de un no vidente. Y Beatriz Spelzini quien tiene
excelencia histriónica dándole sentido a ese amor de la postrimería de la vida.
Hay aciertos y
altibajos, pero la solvencia actoral de la pareja protagónica así como la
fotografía acompasada y perfeccionista de Martín Nico colaboran para que la
sucesión de secuencias a veces reiterativas no hagan sucumbir una muy buena
idea. Es una buena realización un tanto apagada.
Carlos Pierre
UN MINUTO DE GLORIA
De Kristina Grozeva y
Petar Valchanov. Con Stefan Denolyubov, Margita Gosheva, Milko Lazarov, Kitodar
Todorov, entre otros. Música de Hristo Namilev. Duración: 101 minutos.
XXXXX- SÁTIRA SOBRE EL PODER QUE DEGRADA
Los realizadores
búlgaros Kristina Grozeva y Petar Valchanov habían sorprendido gratamente con
La lección en 2014, una historia sobre bienes robados, denuncia sobre las
relaciones de poder y la ética de la Comunidad Europea. En “Un minuto de
gloria” siguen en esa misma línea reflexiva sobre la corrupción del poder, las
diferencias de clases, a través de un análisis sociopolítico que tiene mucho en
común con el cine rumano que conocemos. Específicamente, nos muestran el poder
corrupto y las lamentables argucias burocráticas que surgen en una dependencia
de los ferrocarriles búlgaros.
El guion está centrado en
un reloj de pulsera : desde el comienzo se muestra que es el quid de la
historia. Marca la hora temprana de un guardavía, Tsanko Petrov (Stefan
Denolyubov), quien recorre diariamente las vías en un verano agobiante.
Un hecho inusual ocurre
un día: encuentra cientos de billetes desparramados por las vías. Es una
fortuna de dinero contante y sonante. Tsanko decide devolver la totalidad del
importe a la policía. Lejos de reportarle algún reconocimiento, es el comienzo
de su vulnerabilidad ante la jefa de relaciones públicas del Ministerio de
Transporte, quien lo subestima, encarnece, y martiriza con sus artimañas. El
rol está a cargo de la actriz Kristina Grozeva, de soberbia actuación.
Con un guion sin
fisuras ni cabos sueltos, con una filmación nerviosa, casi salvaje, cámara en
mano en muchas escenas, con postproducción que delata un montaje perfecto, los
realizadores se valen de un minúsculo objeto para retratar la violencia
socioeconómica que aún se vive en Bulgaria. El escarnio al que es sometido el
guardavías es una sátira perversa de la humillación hacia el pobre: tartamudo,
Tsanko debe dar, como signo de que dice la verdad, su reloj y, en cambio, se le
entrega otro nuevo que pronto deja de funcionar. En el reclamo de su pequeño
tesoro (su reloj tiene grabado un recordatorio de su padre) se concentra la
burla estatal de los poderosos de turno hacia las sociedades sojuzgadas.
El film va más allá de
la anécdota y nos muestra la vida del guardavías y de la jefa: él cría conejos
en una muy modesta vivienda y ella se inyecta hormonas para ser madre en su
oficina, ocultándose de la mirada de curiosos tras la bandera de la Comunidad
Europea. Disímiles mundos que se enfrentan por nada, o por la soberbia del
poder.
La película es una
denuncia rotunda contra la Comunidad Europea y el sistema de gobierno de
Bulgaria, teñida por una sátira impiadosa con fuertes trazos de humor negro: el
Estado que degrada al individuo. Fue elegida para representar a Bulgaria en los
próximos Oscar, buscando integrar la categoría Mejor Película en Lengua no
Inglesa. Viene cargada de éxitos en el Festival de Locarno, de Gijón, San
Sebastián y Edimburgo. Es una película que conmueve y alecciona.
Carlos Pierre
EL CASTILLO DE CRISTAL
De Destin Cretton. Con Brie Larson, Naomi Watts, Woody
Harrelson, Max Greenfield, Sarah Snook, entre otros. Música de Joel P. West. Duración: 127 minutos.
XXXXX-
MARGINALIDAD REDIMIDA
Drama biográfico basado
en las memorias de Jeannette Walls, periodista contemporánea, la mayor de los
cuatro hijos de una familia que padeció a un padre alcohólico y una madre pintora que se desentiende de la
crianza. Ya adolescentes, los hermanos logran salir de esta familia trashumante
y vagabunda. Una enorme telaraña de marginalidad los envolvió y sojuzgó durante
años.
En su adultez,
Jeannette llega a ser quien es, una afamada escritora que logra popularidad con
la novela autobiográfica “El castillo de cristal”, donde narra las desventuras
que vivieron ella y sus hermanos con absoluta crudeza. En esta disfuncionalidad
social Jeannette tiene, sin embargo, un ejemplo: el sentido de la supervivencia
de su padre, hombre brillante para las matemáticas devenido en pordiosero. El
“castillo de cristal” es justamente la casa que el padre imaginó para su
familia, y que no logró. Solo después del fallecimiento de su padre, Jeannette
pudo volcar sus vivencias en un libro, que tuvo un éxito rotundo en los Estados
Unidos, siendo editado en más de 20 países.
El clima generado por
Destin Creston es sobrecogedor: los cuatro hermanos aprenden a vivir solos
dentro de la miserabilidad, solo la unión entre ellos les permite subsistir a
las vicisitudes generadas por un padre díscolo y magnético a la vez y una madre
que no es tal. La zozobra y la precariedad en la que deben criarse está
expuesta con rigor y violencia por Cretton, partiendo de un guion por momentos
fragmentado de Marti Novon, quien no ahorra momentos estremecedores,
perturbadores y hasta brutales de la vivencia de estos niños.
Es una historia
desgarradora, profundamente emotiva, que, a lo largo de más de dos horas,
muestra notables performances de Brie Larson, Naomí Watts y Woody Harrelson, de
más que probada solvencia. La historia de la familia Walls duele.
Carlos Pierre
EL FUTURO QUE VIENE
Guion y dirección de
Constanza Novick. Con Dolores Fonzi, Pilar Gamboa, José Manuel Yazpik, Valeria
Lois, Flor Dyszel, Charo Dolz Doval, Victoria Parrado, entre otros. Duración:
85 minutos.
XXXXX- LA AMISTAD A TRAVÉS DEL TIEMPO
La amistad de dos
mujeres, los vaivenes de esta relación cuando viene el amor, la maternidad y el
divorcio posterior, el paso del tiempo en la relación de dos amigas es el tema
de esta ópera prima que acaba de ser presentada por su guionista y directora
Constanza Novick en el Festival de Toronto. Novick tiene una dilatada
trayectoria en el medio televisivo (El sodero de mi vida, Son amores y Soy tu
fan) así como ya incursionó en el cine (Sabés nadar, de Diego Kaplan, 2002) nos
muestra, después de cinco años de preparación, el viaje emocional de dos
mujeres, amigas desde la niñez. Recurrió a la amistad entre Romina (Dolores
Fonzi) y Flor (Pilar Gamboa), que se transforma en un hecho omnisciente: la
amistad en sí misma.
Novick dividió el guion
en tres partes porque “no me llevo bien
con los flashbacks”, situando a las protagonistas en los tres momentos
cruciales de la vida: la niñez, la adolescencia y la adultez. Es decir,
construir la narración a través del tiempo. Sin duda, su experiencia en la
televisión (o sea el formato de tira diaria) le permitió darle ritmo, agilidad,
a su propuesta, que está bien contada y entretenida utilizando un lenguaje
directo y actitudes muy espontáneas de las actrices, algo que habla de una
positiva dirección actoral.
La historia muta,
cambia, según los años y la concepción muy clara del universo femenino como
pilar de la narración donde los varones no ocupan el primer lugar. En ese río
que fluye, que es la vida misma, Dolores Fonzi y Pilar Gamboa salen a salvo por
la excelencia actoral de ambas y porque, sin lugar a dudas, saben expresar
sentimientos y reacciones propias de las mujeres. Para Constanza Novick esta
primera ópera prima augura un futuro más que promisorio entre las nuevas
directoras nacionales.
Carlos Pierre
KINGSMAN: EL CIRCULO
DORADO
De Mathew Vaughn. Con
Taron Egerton, Colin Firth, Julianne Moore, Mark Strong, Halle Berry, Pedro
Pascal, CHanning Tatum, Jeff Bridges, Elton John, entre otros. Música de Henry
Jackman y Matthew Margeson. Fotografía de George Richmond. Duración: 141
minutos.
XXXXX- PURO ENTRETENIMIENTO EFICAZ
Teniendo coproducción
de Inglaterra y los Estados Unidos, esta secuela de “Kingsman” que protagoniza
Colin Firth nos regala una suerte de “James Bond” aggiornado y con mucha tela
para cortar. Hay acción desde el inicio en una persecución de no menos de 15
minutos que quita el aliento cuando el agente “Eggsy” (Taron Egerton) es
perseguido por una organización que lo quiere aniquilar. Un coche a lo James
bond le permite sortear balazos, misiles, y hasta sumergirse en el Támesis para
aparecer en un lugar secreto donde está su actual mentor. El agente creador de
la agencia, que sigue manteniendo la vidriera con exclusivos trajes masculinos,
“Harry Hart” (Colin Firth), recibió un tiro en la cabeza al finalizar la
primera película por lo que su presencia no es factible. Pero estamos en el
cine y aparece en un lugar muy especial, encerrado en un cuarto a prueba de locura,
y cuidado por un Channing Tatum estilo “cowboy”.
La trama es bastante
atravesada, plagada de persecusiones que levantan el ánimo del espectador y
alteran la pulsación, con insólitas apariciones como “Poppy”, una extravagante
villana encarnada por Julianne Moore, que creó “Poppylandia”, una suerte de
gusto kitsch para recrear un bar con una intimidadora máquina de picar carne
gigante. Temible es Poppy. Hay toques inevitables a Quentin Tarantino y a la
comedia musical “Sweenney Todd” donde lo siniestro está presente.
El film es muy extenso,
casi tres horas. Sin embargo, resulta muy entretenido: las secuencias de luchas
de todo tipo ocupan gran parte de la narración propuesta, donde hay una muy
buena dosis de locura y hasta de incongruencia para desatar la furia de los
enemigos de “Harry Hart” y “Eggsy” y sus amigos. Se puede pensar en una
exageración de efectos especiales pero, aun así, resultan asombrosos y
atrapantes. Es para divertirse a lo grande!
Elsa Bragato
LOS PERROS
Guion y dirección de
Marcela Said. Con Antonia Zeger, Alfredo Castro, Rafael Spregelburd, Alfredo
Sieveking, entre otros. Música deGregoire Auger. Duración: 100 minutos.
Coproducción Chile, Francia, Argentina, Alemania y Portugal.
XXXXX- CRÍMENES QUE PESAN
Marcela Said es una
realizadora chilena de documentales que recorrieron festivales, logrando
innumerables premios europeos y americanos no exentos de política. Casada con
un francés, de nacionalidad francesa aunque de origen chileno, ha retratado la
dictadura de Pinochet con pinceladas fuertes y precisas dejando bien en claro
que es un estigma para su país de origen, donde hoy vive. También incursionó en
la ficción: su primer largometraje “El verano de los peces voladores” gozó de
la misma aprobación que sus trabajos anteriores.
“Los perros” es la
reflexión respecto de la complicidad y la impunidad del mundo civil en la
aciaga dictadura que vivió Chile. Said no se detuvo hasta entrevistar a varios
militares procesados por violación a los derechos humanos, comprendiendo tal
vez que fueron ejecutores de un entramado económico a fin de instaurar sus
políticas por medio de la violencia más atroz.
Se implantó un sistema económico de libre mercado que benefició a la
burguesía de ultraderecha, que apoyó el golpe de estado y hoy sigue sin asumir
ninguna responsabilidad. Chile fue el país “piloto”. Luego la mano mortal del
“tea party” del subdesarrollo se extendió a Argentina, Uruguay, Paraguay,
Bolivia, entre otros países.
El mundo civil pertrechado
en su riqueza es mostrado sin vueltas. La protagonista, Mariana (Antonia Zeger),
pertenece a esa burguesía chilena cómplice de la dictadura. Es menospreciada
por su padre, colaborador del horror, y dejada de lado por su esposo argentino
(encarnado por Rafael Spregelburd). Atraída por su profesor de equitación
(Alfredo Castro), un ex coronel del ejército con oscuro pasado, está signada
por un pasado que no ha dejado de gravitar en el país: su padre se ha
desentendido de los crímenes mientras que su profesor lucha por olvidar. El
contexto es agobiante y plagado de silentes culpas. Mariana deambula desprejuiciadamente
buscando un amor gracias al respaldo que le da la holgura económica de su
clase. Aun así no escapa al clima sombrío de una vida con sabor amargo que la
realizadora Said muestra sin retaceo. Tema fuerte y sin concesiones que la
realizadora franco-chilena desarrolla con precisión, alcanzando premios en San
Sebastián, Cannes, Berlín, Sundance y en el reciente Festival Internacional de
Cine de Tucumán.
Carlos Pierre
LÍNEA MORTAL
De Niels Arden Oplev.
Con Ellen Page, Diego Luna, James Norton, Jiersey Clemons, Kiefer Sutherland,
Daniela Barbosa, entre otros. Música de Nathan Barr. Fotografía de Eric Kress.
Duración: 108 minutos.
XXXXX-COQUETEO CON LA MUERTE
Remake del film
estrenado en 1990, “Línea mortal” entretiene de principio a fin aunque caiga en
secuencias triviales que sacan del clima tenso creado. Cuatro jóvenes médicos
siguen la búsqueda del “más allá” que prueba la
doctora Courtney. A través de un suceso trágico sufrido, quiere
comprobar si hay vida en el más allá, dado que pudo comprobar que el cerebro
tiene reacciones aún cuando se declara la muerte de una persona. La experiencia
consiste en que sus compañeros la “maten” con una substancia y a los dos
minutos comiencen con las tareas de reanimación. Diego Luna en el rol de “Ray”,
un médico con experiencia, forma parte de este elenco, así como Kiefer
Sutherland es el profesor Barry Wolfson y James Norton el atribulado médico
Jamie.
Las experiencias se
llevan a cabo y uno a uno de los cinco quieren probar el gusto del “más allá”
mientras graban un mapeo del cerebro. Es aquí donde la película cobra otro
ritmo con efectos especiales que muestran a cada médico deambulando por sus
pasados, por sus sueños, hasta que, en el momento de la resucitación, ese mundo
idílico para algunos y pesadillesco para otros se congela. Las experiencias
tendrán consecuencias y el realizador de “Millenium” se encarga de mostrar que
el coqueteo con la muerte nunca es gratis.
Aun con altibajos por
cierta liviandad, hay una primera parte muy intensa que genera auténtica
perturbación. No está mal tan mal si bien no hay profundización de personajes
ni de situaciones.
Elsa Bragato
MI MAMÁ LORA
De Martin Musarra. Con
Valentina Marconi, Natalia Señorales, entre otros. Música de Yair Hilal.
Duración: 80 minutos. Animacion y ficción dentro del realismo mágico.
XXXXX- BELLA HISTORIA PARA TODAS LAS EDADES
Atreverse en la época
de los superefectos especiales a narrar una historia que une animación con
ficción es una proeza. Más aún cuando se hace con un presupuesto acotado y, en
verdad, el realismo y la magia dependen de la creatividad del realizador. Es el
caso de “Mi mamá Lora”, primer largometraje de Martín Musarra quien, con pocos
elementos, creó una bella fantasía.
“Juana”, interpretada
por la queridble Valentina Marconi, es una niña de 11 años que desconoce el
origen de la familia materna. Su abuela le lee todas las noches algún cuento de
personas que se convirtieron en animales hasta que su hija, la mamá de Juanita,
le pide que no lo haga más porque nadie sabe que ellos tienen el poder de
convertirse en animales. El cuento del “Héctor” en verdad ha sido la realidad
de todos ellos, de granjero pasó a sapo.
La escuela, los amigos,
la solidaridad de Juanita, son otros condimentos de este film muy bien realizado
por su ingenio, porque el guion jamás decae y porque los elementos técnicos
están muy bien utilizados por Musarra: desde la fotografía, con fuerte colorido
a la manera de un cuento gráfico, hasta las actuaciones. Ana se transforma en
Lora en cuanto firma el acuerdo para que Juana vaya a un campamento y solo hay
tres días para devolverle a la forma humana. Un hombre oscuro y los paisajes
entrerrianos acompañan esta disfrutable historia que merece todo el apoyo. El
realismo mágico es un género muy poco frecuentado en nuestro cine, por lo que
Musarra ha superado el desafío de devolver la fantasía a la pantalla nacional,
luego de que su opera prima fuese recibida con todos los honores en festivales
internacionales de cine. Para chicos y grandes, “Mi mamá lora” es una bella
fábula que tiene moraleja, como debe ser: la amistad, la solidaridad, el ser
buena gente. Vayan a verla porque el pequeño presupuesto es lo de menos. Aquí
vale la realización y el ingenio de un talentoso director.
Elsa Bragato
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