PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 27 de agosto de 2015

"EL AGENTE DE CIPOL", "LOS 33" Y "LA SAL DE LA TIERRA", ESTRENOS DEL JUEVES 27



JUEVES 27 DE AGOSTO DEL 2015.-
Varias películas entran en competencia este jueves en los cines nacionales. Para los boquenses llega “Boca Juniors 3D la película”, exclusivamente para quienes sean “militantes” del club. Se incluyen tres films nacionales de diverso género: “La utilidad de un revistero” de Adriano Salgado, opera prima que utiliza un solo plano y un diálogo entre dos mujeres que va atravesando distintos matices de profundidad (obtuvo varios premios, incluyendo el del festival de Mar del Plata, competencia nacional, 2013); “Cabeza de ratón” es de Ivo Aichenbaum, un diario de viaje personal que cuenta su regreso a Santa Cruz, los viajes a Buenos Aires, e intenta mostrar la situación sociopolítica que siempre condiciona la vida de los habitantes de éste como de cualquier otro lugar. “La secta”, de Ernesto Aguilar, nos cuenta la vida de una joven del interior que acude a una cita laboral y termina en un grupo de tratantes de blancas. Aguilar es un prestigioso director del cine independiente, quizás el más prolífico, con una veintena de films en su haber construyendo una sólida carrera profesional con un marcado estilo que lo distingue. Las tres películas tienen una difusión muy reducida, en los espacios INCAA y en el Centro Cultural San Martín en el caso de “La utilidad…”.
Agregamos la última realización de Peter Bogdanovich, luego de 13 años de no filmar: “Terapia en Broadway”, con Owen Wilson, Jennifer Aniston, Imogen Poots, entre otros. Es una comedia ágil, muy inteligente, con muy buenos gags, y con todos los clishés del género pero bajo la batuta de un gran realizador por lo que la diferencia con comedias similares es muy marcada y valiosa; “Omar”, de Hany Abu-Assad, nominado a los Oscar en el rubro “mejor película extranjera”, sobre el conflicto entre Israel y Palestina, y “Sinister 2”, secuela de “Sinister” del 2012, de Ciarán Foy, la casa maldita por los asesinatos ahora será habitada por una madre y sus dos hijos. Baños de sangre, para fans.
LOS 33
De Patricia Riggen. Con Antonio Banderas, Juliette Binoche, Rodrigo Santoro, Ariana Barraza, Bob Gunton, Kate del Castillo, entre otros. Basado en el libro de Héctor Tobar. Música de James Horner. Duración: 120 minutos.
BUENA. RESCATE EN UN MIX FOR EXPORT
El rescate de los 33 mineros atrapados en la mina San José el 5 de agosto del 2010, en Copiapó, Chile, a más de 700 metros de profundidad, rescatados con televisación mundial, llega al cine en un film más for export para saciar las apetencias del gusto norteamericano que para dejarnos totalmente conformes. No obstante, la película atrapa por la historia en sí, teniendo secuencias muy logradas (el desplome de la mina, el refugio subterráneo de los mineros) y otras bastante raras, entre lo onírico y el expresionismo, o bien con un esforzado inglés de actores latinos que desmerece la realización. Es decir, tenemos una coproducción que contó con rodajes en Colombia y Chile, con capitales norteamericanos, y un elenco más latino que foráneo con el detalle del idioma que apuntamos más arriba.
Juliette Binoche compone a María Segovia, la hermana del minero Darío Segovia, quien vende empanadas bajo el grito “Empanadas, chicken!” que suena ridículo. Aparece muy maquillada y con aritos de oro en plena zona desértica, sombra azul en los párpados y exagerado rubor, alejándose de tantos papeles notables que ha compuesto a cara limpia. Es, en todo caso, la actriz “de color” que permite que la película tenga salida internacional junto a Antonio Banderas, o sea los “ganchos”. Y se transforma en la “alcaldesa” de la improvisada comunidad “Esperanza” que se generó alrededor de la mina con los familiares de los mineros.
La directora es mexicana, Patricia Riggen, sin muchos antecedentes, que emprendió una difícil tarea y que, a pesar de todo lo que vamos a apuntar, logró un producto aceptable y con una emoción que no desborda, ajustada. Pero entretiene.
Riggen narra de una forma un tanto extraña en algunas secuencias. La cena última de los mineros, ya preparados para el rescate porque a los 17 días fueron encontrados, si bien debieron pasar 33 días de perforaciones, es extraña e innecesaria. Hay alguna reminiscencia lejanísima de la última cena de Luis Buñuel de “Viridiana”  así como una inclusión de los familiares de los mineros con gran iluminación y trayéndoles el plato de comida soñado, combinación expresionista y onírica que saca al espectador del momento difícil y profundo que los trabajadores estaban viviendo. Tampoco resulta creíble que el actor Bob Gunton, como el presidente Sebastián Piñera, vea, en el living de la Casa de la Moneda, un noticiero en inglés. Raro cuanto menos. O bien que una de las esposas de los mineros cante, en forma completa, “Gracias a la vida”. No aporta nada y desmerece la tensión que debió tener toda la narración.
El único personaje que habla en castellano es Mario don Francisco Kreutzberger, referente de esta parte del mundo, mientras que las señales de noticias norteamericanas aparecen en forma hegemónica, con inexistencia de los corresponsales latinoamericanos.
A pesar de que es un producto muy comercial (los principales actores son extranjeros), el film es entretenido y retrata un hecho que es histórico: el rescate de mineros, único en el mundo.
La música del malogrado James Horner comienza con toques de aerófonos, propios del altiplano, para luego incorporar una canción que identifica mejor a Chile (patria de la cueca). Estamos frente a un mix extraño, lineal, realizado sin profundizar en el drama, salvo con algunos toques, apuntando a un público de otros continentes. Antonio Banderas forma parte del elenco coral, siendo la francesa Juliette Binoche y el brasileño Rodrigo Santoro, como el ministro de minería de Chile, ejes de esta historia. Entretenida.
Elsa Bragato
LA SAL DE LA TIERRA
De Wim Wenders junto a Juliano Ribeiro Salgado. Documental presentado en el Green Film Fest. Francia-Brasil e Italia. Duración: 110 minutos.
MUY BUENO. TESTIMONIO DESGARRADOR SOBRE LAS MISERIAS HUMANAS
Durante 40 años, el reconocido fotógrafo brasileño Sebastián Salgado viajó por los cinco continentes siguiendo los pasos de los seres humanos en sus diferentes hábitats y los constantes cambios conductuales.
Su hijo y compañero de viaje, Juliano, revela la vida y la prodigiosa obra de su padre Sebastián, quien retrató en blanco y negro las vicisitudes del hombre en el planeta a través de imágenes donde hasta la crueldad tiene una mórbida belleza. Y lo hace a través de un notable realizador como Wim Wenders.
Desde las minas de oro en su país, Brasil, donde nos muestra un espectáculo dantesco de centenares de hombres cavando con desesperación para encontrar el oro que los salve, pasando por el reclamo de las naciones más poderosas, hasta las migraciones y feroces hambrunas de Africa, la guerra de los Balcanes, y un incendio infernal en los pozos de petróleo de Irak, quedaron reflejadas para siempre en el arte de Salgado.
En principio, el material fue publicado en 10 libros de fotografías en blanco y negro desgarradoras, con imágenes impactantes porque fueron reales. Solo al final de su vida aceptó el color, como en este documental, a raíz de comenzar a sembrar en su tierra natal, a reforestar zonas yermas junto a su esposa, para demostrar que es posible construir y no destruir. Vale añadir que el blanco y negro es el arma más poderosa de todos los reporteros gráficos para trabajarlo con luces y sombras y darle la vida que ellos sienten que esos retratos tienen, por lo que Salgado fue fiel al principio fundamental de su oficio-arte.
El documental alecciona y sensibiliza. Es un subrayado ético, un testimonio moral, sobre nuestro comportamiento político-social, indiferente al dolor, la pobreza y la desigualdad. Basta ver la crueldad sobre tantos seres humanos en el África negra. Duele pero nos muestra quiénes somos en verdad.
Carlos Pierre
AMADAS HERMANAS
Guión y dirección de Dominik Graf. Con Hannah Herzsprung, Henriette Confurius, Claudia Messner, Florian Stetter, entre otros. Música de Sven Rossenbach, Florian Van Volxem. Duración: 138 minutos. Alemania, 2014.
BUENA. COMPLICADA Y EXQUISITA ‘MENAGE A TROIS’
El realizador Dominik Graf, reconocido en la televisión de su país, narra en forma de ficción biográfica el intenso amor que unió al filósofo y poeta alemán Friedrich Schiller con las hermanas Von Lengefeld, faceta conocida pero no muy divulgada de la vida del autor de “La oda a la alegría” a la que Beethoven incorporó musicalmente en el majestuoso coro de su novena sinfonía o sinfonía coral (himno actual de la Unión Europea). El triángulo amoroso se formó alrededor de 1789: Schiller y las hermanas Charlotte y Caroline en la bucólica ciudad de Weimar. Al mismo tiempo, en Francia se producía la revolución de 1789, provocando cierto liberalismo romántico en Schiller y las dos amadas hermanas. No obstante, Caroline se casó, transformándose en la fogosa señora Von Beultwitz, en tanto Charlotte fue más racional y terminó casándose con el poeta y dándole su único hijo.
Hay que destacar la excepcional fotografía de Dominik Graf y su equipo técnico, secuencias que parecen cuadros, siendo una notable pintura de la época de fines del siglo XVIII. El film cuenta con una voz en “off” que explica muchas escenas, innecesariamente. Habría sido mucho más interesante la escenificación de lo que se cuenta para ahondar en los perfiles psicológicos de los personajes.
El comienzo de la historia es también convencional: Graff parte de una carta que redactó Schiller, y luego utiliza este recurso para ir y venir en la vida de los tres amantes, restándole agilidad a una reconstrucción estupenda de época. Respecto de las actuaciones,  Florian Stetter, encarnando a Friedrich Schiller, resulta demasiado apático y desteñido ante tamaño enredo amoroso que vive, notándose en las actrices un tono más enfático. Es decir, para apreciar tanta belleza visual, es necesario atravesar por una historia bastante enredada por el tratamiento narrativo, la inversión de la aclamada “Jules et Jim” de Truffaut, o bien de “La felicidad” de Anges Vardá.
Carlos Pierre
EL AGENTE DE C.I.P.O.L.
De Guy Ritchie. Con Henry Cavill y Armie Hammer. Hugh Grant, Jaared Harris, Alicia Vikander, entre otros. Música de Daniel Pemberton. Duración: 120 minutos.
MUY BUENA. ENTRETENIMIENTO PURO EN ESTILO SESENTISTA
Entre 1964 y 1968 se conoció tanto en Estados Unidos como en varios países del mundo, incluso el nuestro, la serie “El agente de C.I.P.O.L.”, que en inglés era “U.N,C.L.E.” queriendo significar “El agente “de tío Sam”” por lo que después se optó porque esta sigla tuviese un significado propio: “United Network Command for Law and Enforcement”. La protagonizaron Robert Vaughn como “Napoleón Solo” y David McCallum en el papel de “Illya Kuryakin”.
En medio de una excelente “Misión imposible” con Tom Cruise y la próximo de James Bond con Daniel Craig, nos llega este agente que pisa, por primera vez, la pantalla grande. Hay que reconocer que la recreación y la atmósfera de los 60 están estupendamente logradas, incluso la forma de actuar por lo que uno tiene la sensación –sobre todo quienes peinamos canas- de que está viendo un film de aquellos años, donde el color era remarcado y había poca plasticidad del elenco frente a cámaras.
Hay secuencias realmente estupendas: por ejemplo, las peleas de “reconocimiento” entre “Solo” e “Illya”, luego de una persecución fenomenal de dos autos, una joven que logra escapar gracias a “Solo” el muro de Berlín en busca de su padre científico (fantástico escape a través de los edificios divididos por el muro), con un tema muy de los 60: los científicos alemanes escapaban a Occidente facilitándole a las Fuerzas Armadas norteamericanas los supuestos secretos de las armas más letales de detrás del Muro de Berlín. Tiempos de la llamada “Guerra Fría” con John F. Kennedy en el gobierno de los Estados Unidos. Los dos agentes representan los dos poderes de entonces: “Solo”(Cavill) a USA e “Illya”(Hammer) a Rusia, unidos caprichosamente por los capos de las agencias de espionaje de ambas partes. C.I.P.O.L. está comandada por “Waverly” a cargo de Hugh Grant, alejado de los papeles romanticones.
Se destaca la actuación de Alicia Vikander en el papel de la hija del científico desaparecido, “Gaby”, obligada por las circunstancias a aparentar ser la mujer de “Illya”. Es un entretenimiento muy digno, con mucho ritmo, muy bien pergeñado narrativamente y con muy buenas actuaciones. Recordemos que el creador de James Bond, Ian Flemming, en el libro “James Bond Films”, había propuesto la creación de dos protagonistas, recayendo en otros guionistas la redacción de los libros de la vieja serie que ahora se transformó en película.
Elsa Bragato





jueves, 20 de agosto de 2015

"REVANCHA" Y "LOS OJOS DE AMÉRICA", LO MEJOR DEL JUEVES 20 DE AGOSTO



JUEVES 20 DE AGOSTO DEL 2015.-
Ocho films ingresan a la cartelera porteña que tiene otro de sus grandes éxitos con “El clan”, con casi 800 mil espectadores en cinco días de arranque. Entre las novedades está “El principito”, basado en el libro homónimo de Saint-Exupéry, nueva versión de Mark Osborne (Kung Fu Panda), quien reunió a grandes actores para las voces como Rachel McAdams, Jeff Bridges, James Franco, Marion Cotillard, entre otros, con música de Hans Zimmer. Osborne logró los derechos de la familia del gran escritor luego de que la misma rechazara durante décadas el regreso al cine de este clásico debido a la mala performance que tuvo la versión de 1974. La curiosidad es que está protagonizada por una niña. Se le suma “Con derecho a roce”, de Justin Reardon, con Chris Evans, digno ejemplo de su título, una comedia romántica de tema trajinado y floja,  y “Ney” (Nosotros, ellos y yo) de Nicolás Avruj que se ofrece en el Bama y en el Gaumont solamente. Es un documental basado en un viaje personal a Israel hace 15 años, donde se busca el porqué de la división entre Palestinos e Israelíes. Es una coproducción de Argentina con Palestina e Israel.
REVANCHA (SOUTHPAW)
De Anthony Fuqua. Con Jake Gyllenhaal, Rachel McAdams, Forest Whitaker, Curtis 50 Cent Jackson, Naomi Harris, entre otros. Música de James Horner. Duración: 123 minutos.
MUY BUENA. DEMOLEDOR GYLLENHAAL
Para ver esta película hay que abstenerse de paralelismos con la saga de “Rocky” y de otros films basados en la vida de los boxeadores. “Revancha” llega con su propia dosis de ring, entrenamientos, fama y fracaso, que conforman el destino común de este deporte, por momentos sangriento, dentro del mítico Madison Square Garden y la ciudad de Las Vegas.
Jack Gyllenhall asume el rol de un notable peleador en la cima de su carrera, con fama y un bienestar económico superlativo, que padece un inesperado golpe en su entorno familiar. La calidad interpretativa de Jack Gyllenhall maravilla: ha tenido versatilidad incluso física subiendo muchos kilos en su masa muscular hasta llegar a la categoría de “medio pesado”. Se entrenó durante meses en el gimnasio del campeón Mayweather, debiendo aprender difíciles coreografías dentro del ring que responden a un match de boxeo.
En verdad, se unieron dos conocedores del gran impacto visual: el propio protagonista (“Secreto en la montaña” y “Soldado anónimo”) y el director Antoine Fuqua quien, entre otros títulos, realizara la perturbadora “Día de entrenamiento” hace 14 años.  Fuqua conoce el efectismo del drama, llevando su cámara por los lugares sombríos de Nueva York sin dejar de lado la Manhattan deslumbrante, con tomas de fuerte shock del rostro destrozado de un púgil en medio de una pelea, acicateado para seguir peleando más y más fuerte.
Al lado del soberbio Jack Gyllenhall están Rachel Mc Adams componiendo a su esposa y compañera de reformatorio ( lugar común en la vida de los bravos luchadores), Forest Whitaker como el entrenador que impulsa la revancha contra un boxeador colombiano petulante, provocador, así como Curtis 50 Cent Jackson, fenómeno del “rap”, y la notable pequeña Oona Laurence como su hija.
Los extremos  tocados con fuerza dentro de un guión conocido le dan un carácter diferente al film, tratado con singular honestidad tanto por el realizador como por el protagonista, un Gyllenhaal que sorprende por la intensidad con que encara este rol. De allí que, aún con los clishés de un género visto, esta película es diferente desde lo formal y en esencia. La manera de encarar el drama de un púgil es, en este caso, el objetivo de Fuquá, consiguiendo una narración de demoledora construcción.
Carlos Pierre
LOS OJOS DE AMÉRICA
Documental De Daiana Rosenfeld y Aníbal “Corcho” Garisto. Con María Eugenia Belavi, Pedro Risi, Jorge Prado en las voces. Música de Martín Rodríguez. Duración: 62 minutos.
MUY BUENA. UNA HISTORIA DE AMOR QUE DUELE
El mundo entero tuvo noticias del romance entre la argentina América Scarfó y el anarquista italiano Severino Di Giovanni, fusilado por las tropas de Uriburu el 31 de enero de 1931, así como el hermano de América, Paulino Scarfó.
Di Giovanni vino a la Argentina en 1923 con su mujer Teresa y sus hijos. Le alquiló a la familia Scarfó un lugar para vivir, y, separado de su mujer aunque pendiente de la manutención de ella y los cuatro hijos, se enamoró de la hija del dueño, la pequeña América de solo 14 años. La diferencia entre ambos fue de unos 15 años. El amor pudo más y tras un casamiento de América y Silvio Astolfi, de común acuerdo para que la pequeña saliera del hogar paterno, Severino Di Giovanni pudo encontrarse con su joven compañera en la famosa quinta de Burzaco. Desde allí fue llevado a la cárcel por la policía de Uriburu, considerado un malhechor, un bandido, lejos del idealismo anárquico que sostenía. Su fusilamiento fue presenciado como una fiesta para algunos, siendo la crónica de Roberto Arlt, uno de los presentes, la más tocante y verídica.
Este documental tiene aspectos muy diferentes al común denominador: es una suerte de collage narrativo donde se unen sabiamente las viejas fotos de los 20 y 30 del siglo XX, films de época, ficción, dos entrevistas a Osvaldo Bayer y Marina Legaz Bursuk (amiga de América Scarfó), a través de una fotografía que nos traslada a esos tiempos pasando por el color, el blanco y negro y el sepia. Es un delicado trabajo de diseño artístico donde las voces en off de los actores dan vida a las cartas de América y de Severino. Los ojos de la actriz como la mirada profunda y quieta de América, los paisajes lánguidos y los close up en ramas, hojas, atardeceres elocuentes, conforman una belleza narrativa distinta a la tradicional concepción del documental.
Con los años, América se convirtió en el sostén económico de la esposa e hijos de Severino, y conformó otro hogar con Domingo teniendo tres hijos. Quedó viuda a los 42 años y trabajó como periodista en el diario Crítica, sin firmar sus notas. Siempre recordó las cartas de amor de su Severino que el historiador Osvaldo Bayer ubicó en un archivo policial. Fue el gobierno de Menem, a través del ministro de interior Carlos Corach, quien le devolvió la caja con las cartas de Severino Di Giovanni. América falleció a los 93 años en el 2006.-
“Los ojos de América” es uno de esos documentales que nos enriquecen y, seguramente, una historia de amor que el mundo del siglo XXI es incapaz, por razones sociopolíticas, de tener. Un retrato de época que vale la pena.
Elsa Bragato
ENTOURAGE
De Doug Ellin. Con Kevin Connolly, Adrian Grenier, Jerry Ferrara, Kevin Dillon, Jeremy Piven, entre otros. Duración: 104 minutos.
REGULAR. GRANDULONES EN HOLLYWOOD
La serie “Entourage” - “entorno” -, pasa al cine por el capricho de uno de sus productores, el actor Mark Wahlberg, quien se reservó un pequeño rol. Los amigos, que tuvieron ocho temporadas televisivas, llegan a Hollywood para acompañar el éxito de uno de ellos, que forma parte del elenco de un film futurístico sobre “Dr. Jekyll y Mr Hyde”. Pero, para llegar a los grandes estudios de Hollywood, estos jóvenes, ya pasados en edad para ser considerados como tales, se enloquecen con las bellas mujeres, el sexo en cualquier lugar y momento, y un lenguaje soez que arranca risas o incomoda, depende de la edad del espectador.
Desmadre, una hiperquinética narración que es un mero empalme de secuencias, conforman una película que no dan ganas de analizar en profundidad porque carece de ella. Festejamos los cameos a Liam Neeson, Pharrell Williams, Jessica Alba, así como a estrellas del fútbol americano. Ruidosa, estentórea, machista, misógina, “Entourage” va a gustarle a los fans de la serie, y, al resto, le dejará la rara sensación de preguntarse si la inversión del dinero de la entrada tuvo algún sentido.
Elsa Bragato
LA PRINCESA DE FRANCIA
De Matías Piñeiro. Con Julian Larquier Tellarini, Romina Paula, María Villar, entre otros. Música de Juliàn L. Tellarini, Juliàn Tello, Juan Chacón y Robert Schumann. Duración: 70 minutos.
BUENA. MUJERES DE SHAKESPEARE A LA CRIOLLA
Matías Piñeiro es considerado uno de los jóvenes realizadores nacionales con fuerte impronta cultural que traslada a sus trabajos cinematográficos. En sus películas se recorren los personajes femeninos de las comedias de “El Bardo”, bajo el nombre de “Las shakespereanas”, tratando de traducir aquel ya lejano universo isabelino al sentimiento rioplatense, a través de diferentes formatos y duración.
En el caso de “La princesa de Francia” echa mano a una de las primeras obras de Shakespeare, titulada “Trabajos de amor perdidos”, donde impera un especial mundo femenino que Piñeiro trasladó desde el siglo XVI al Buenos Aires de hoy. La impronta del realizador se ve en la primera secuencia: diez minutos donde la primera sinfonía de Robert Schumann titulada “Primavera” ilustra musicalmente el juego de los adolescentes en un patio del colegio. Este comienzo, con maestría en el plano secuencia, resulta excesivo para el espectador común, no para aquel adentrado en el mundo culto y popular del director.
La historia nos muestra a Víctor quien regresa de México para rearmar su elenco y realizar una serie latinoamericana de radioteatros sobre la obra de Shakespeare que da título al film. Sus antiguos amores aparecen, su novia, su amante, dos amigas esperanzadas, luchando todas por reconquistar a ese viajero corazón.
El espectador siente que es trabajoso seguir el hilo de la acción propuesta, que los actores se desenvuelven casi por sí mismos y, en algún momento, resultan hieráticos. Y he aquí, en esta mezcla de culto y popular, que aplaudimos, donde la fuerza de Piñeiro trastabilla porque la narración es más una entelequia que una realidad. Hay mucho para desgranar, para disfrutar, pero es un goce más intelectual que cinematográfico en sí. Hay sofisticación conceptual, un riesgo que se corre sin que esto desmerezca la calidad de Piñeiro como director y realizador de su rico mundo interior.
Carlos Pierre
EL PAYASO DEL MAL (Clown)
Guión y dirección de Jon Watts. Con Andy Powers, Laura Allen, Peter Stormare, Christian Distefano, “maestro del terror” Eli Roth, también productor. Música de Matt Veligdan. Duración: 99 minutos.
BUENA. TRUCULENTA CACERÍA DE NIÑOS
Si bien Jon Watts escribió y dirigió este film de terror, con algunas singularidades dentro de un género que no puede escapar a sus clishés, detrás y y en un rol está Eli Roth, productor del film, considerado un maestro del terror, autor de la tremenda “Hostel” del 2005. La osadía de Watts y Roth es tremenda porque, en este caso, se mete con los niños y uno no sabe bien, al finalizar el film, si lo que vio lo aterrorizó por el terror mismo o bien termina escandalizado por lo que vio.
Un agente de bienes raíces, padre encantador y buen marido, se ve atrapado en un traje de payaso cuando lo descubre y se lo pone. La prenda es sobrenatural, proviene de Islandia. Por eso, cuando se queda dormido con el traje, no puede desprenderse del mismo, ni de su roja nariz ni de su peluca. Ese traje es él mismo.
A partir de allí, la narración va in crescendo, teñida de un humor negro desenfadado y, por momentos, difícil de admitir porque los destinatarios de la muerte son los niños. En la segunda parte, se desata un torbellino de sangre y cuesta mucho aceptar con risas o con miedo lo que se ve. Eli Roth aparece como “Frowny the clown” y se explaya a sus anchas en el rol del payaso demoníaco.
En líneas generales y habiendo aceptado las premisas del guión, el film entretiene, aunque el mundo infantil esté involucrado. No faltan escenas en centros de juegos ni en un pelotero; la cuestión está en aceptar lo que sucede. Detrás del rostro de un payaso, de su risa y del carisma que tiene, siempre ocurre un hecho inesperado, llevado en este caso al paroxismo. Abundante sangre en la ópera prima de Jon Watts por momentos inverosímil y muy truculenta. Para fans del género.
Carlos Pierre