PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 26 de marzo de 2015

"EL 5 DE TALLERES", "MOMMY" Y "AVE FÉNIX", LO MEJOR DEL JUEVES 26



JUEVES 26 DE MARZO DEL 2015.-
Siete películas renuevan la cartelera de cine porteña, con muchas salas en el interior. Entre ellas, los chicos tienen la producción “Home 3D”, que distribuye Fox, de Tim Johnson, con las voces de Rihanna, Steve Martin y Jennifer López, entre otros. La vida de un simpático “alien” que, a las órdenes de su capitán, se esconde en la tierra, creyendo que será de una gran ayuda. Simpática, divertida, para toda la familia. El documental de la semana es “Cuarenta balas- El caso Fisher-Bufano”, de los directores Ernesto Gut y Dionisio Cardozo, quienes rescatan, a través de testimonios, archivo y ficcionalizaciones, la vida de los dos militantes de Política Obrera, asesinados de 40 balazos en Avellaneda.

“EL 5 DE TALLERES”
De Adrián Biniez. Con Esteban Lamothe y Julieta Zylberberg. Duración: 100 minutos.
MUY BUENA. LA VIDA DESPUÉS DEL FÚTBOL
Adrián Biniez, argentino radicado en el Uruguay, logra con esa película un film costumbrista, dentro del género de la comedia sin llegar al melodrama ni a momentos de tensión. Un 5 del club de Talleres de Remedios de Escalada, llamado “Patón” Bonassiolle, tiene que abandonar el fútbol por edad. Y se plantea el futuro, volver al secundario, abrir algún negocio. Esteban Lamothe encarna con gran solvencia este personaje protagónico (lo vimos en varios films, entre ellos, “El cerrajero”, y también en televisión en “Farsantes”) mientras que su mujer en la ficción, a cargo de Julieta Zylberberg, es su esposa en la vida real. La relación de la pareja en la ficción es fluida y cálida, los diálogos van construyendo la vida cotidiana del matrimonio frente a un cambio radical sin exabruptos ni mediocridad.
Adrián Biniez nos regala una muy buena realización, con un diseño de arte adecuado, con detalles técnicos (desde iluminación hasta tomas diferentes y sus respectivos encuadres) que dan fluidez a la narración. Produce interés en el espectador y acerca una historia que no es ajena al público rioplatense, metiéndose en una cancha de fútbol pero con la habilidad suficiente para llevarnos a reuniones familiares, reuniones de amigos del futbolista que tomará la determinación de abandonar el club de sus amores, no hay elipsis narrativas ni personajes que realmente no tengan nada que decir. Nos parece una película redonda, sencilla, atractiva tanto para el público masculino como para el femenino porque Julieta Zylberberg encara a esa esposa que no es “botinera” sino una mujer plantada en la vida. El film viene desde Uruguay y toca a ambas orillas con un tema caro a los afectos, bien producido y actuado.
Elsa Bragato


MOMMY
Guión y dirección de Xavier Dolan. Con Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon, Suzanne Clement, entre otros. Música de Eduardo Noya. Duración: 139 minutos.
MUY BUENA. MADRE E HIJO ENVUELTOS EN UN FILM CONMOVEDOR
Xavier Dolan es uno de los niños mimados del cine canadiense actual. Con 25 años, entrega este quinto film donde analiza la conflictiva relación de una madre viuda con su hijo adolescente, violento, indomable, capaz de hechos insólitos que obligan a su internación. Su elección sexual es también ambigua, gay o no, encuentra en su madre la persona ideal para descargar su furia, su dolor (su padre había muerto poco tiempo antes). Una vecina, tímida pero decidida, intercederá en este dúo teniendo implicancias por momentos beneficiosas. El film tiene una realización asombrosa, una cámara adulta que se mete en primeros planos descubriéndonos el dolor y la furia en los rostros de madre e hijo, a través de secuencias que no dejan indiferentes.
Es una saga trágica, dolorosa y redentora de la conflictiva relación que se establece entre madres e hijos e hijas, a veces con una cercanía casi incestuosa, otras en relación poética y amable, pero nunca indiferente a la vida misma de tres seres humanos envueltos en la lucha cotidiana de la supervivencia, cada uno desde su rol. Es también un relato obsesivo de una convivencia que debe encontrar un camino adecuado y, en esa búsqueda, suceden situaciones de todo tipo. Nadie sale del cine sin sentir que ha visto la vida misma aún con sus excesos, viviendo al límite hechos narrados con una verosimilitud apabullante. Xavier Dolan, este “enfant terrible” canadiense, logra un film estupendo que estuvo nominado al Oscar como mejor película extranjera y que recibió el Premio del Jurado en el último festival de Cannes. Solo podemos decir que es demasiado extensa.
Elsa Bragato
VICIO PROPIO
Guión y dirección de Paul Thomas Anderson, basado en la novela “Inherent vice” de Thomas Pynchon. Con Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterson, Reese Witherspoon, Benicio del Toro, entre otros. Música de Jonny Greenwood. Fotografía de Robert Elswit. Duración: 148 minutos.
BUENA. ATRAPANTE CAOS
Paul Thomas Anderson es considerado uno de los mejores realizadores norteamericanos. Con “Inherent Vice”, tal el título en inglés respetando el de la novela de Thomas Pynchon, concreta el primer traspaso literario de este autor a la pantalla grande. Tomando como guía la búsqueda de un asesino, a cargo del personaje que encarna Joaquín Phoenix, Anderson trajina por diversos personajes y situaciones límites para mostrarnos algo más que una historia personal: los 70, cruzados por el amor libre y la droga, y su final, que se intenta retardar pero que llega. “Doc” Sportello es el rol de Phoenix, que enfrenta un duelo actoral con “Bigfoot” en la piel de Josh Brolin. La fotografía nos remite a “The master”, el film anterior de Anderson, y a “Petróleo sangriento”, una obra maestra donde también trabajó Robert Elswit, el fotógrafo de los nueve films de Anderson. Con la voz en off de la joven cantante y arpista Joanna Newsom, Anderson se da el lujo de hacerla aparecer en algunas secuencias, o bien retardar su voz fuera de pantalla, una adivinadora o “fortune-teller” que se suma al “mix” narrativo, previsto por el realizador. En Anderson encontramos denominadores comunes que hacen a su cine diferente e inteligente. En este caso, vuelve a un actor que es distinto y capaz de realizar los personajes más disímiles y tortuosos como ocurrió con “The Master”: ahora es un investigador psicodélico integrado al mundo que nos pinta el director. El delgado hilo conductor es la investigación policial mientras que el “todo” depende de la capacidad del espectador para asimilar personajes y situaciones. Entre el romanticismo y el “slapstick”, con notables actuaciones de Phoenix y Brolin, Anderson llega al cine porteño a través de un film que no es fácil pero sí atrapante. Una película que es una aventura para el alma y el intelecto.
Elsa Bragato
THE GUNMAN: EL OBJETIVO
De Pierre Morel. Con Sean Penn, Javier Bardem, Jasmine Trinca, Idris Elba, Ray Winstone, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 115 minutos. Coproducción de España, Gran Bretaña, Francia.
BUENA. POLICIAL CON ESTILO PROPIO
El realizador Pierre Morel, el mismo de la exitosa saga “Búsqueda implacable”, tomó la novela “The prone Gunman”, de Jean Patrick Manchette, para este film, convocando al gran Sean Penn para interpretar a un recio ex agente de las Fuerzas Especiales, Jim Terrier, que es traicionado por la agencia a la que pertenecía involucrándose en una increíble persecución a través de Europa y Africa. Londres, Barcelona, Gibraltar son algunas de las locaciones elegidas.
La historia es violenta, tiene una acción vertiginosa a lo largo de dos horas con un guión plagado de “twists”, búsquedas, persecuciones y tiros. El elenco estelar es el gran soporte de la acción, con un sello Morel indiscutible. La italiana Jasmine Trinca es el cable a tierra para el personaje de Sean Penn, mientras que Javier Bardem compone a un traidor inolvidable (recordemos el tremendo papel de la última “James Bond” con Craig en el protagónico). Hay que destacar a dos actores ingleses que son realmente notables: Idris Elba y Ray Winstone.
De a poco pero sin pausa, vamos hace un desenlace a toda orquesta en la plaza de toros de Barcelona que resulta escalofriante. Un plato fuerte, con excesos en todos los campos no recomendables para los más jóvenes, es lo que nos ofrece Pierre Morel.
Sean Penn, compone un personaje distinto, aunque se tiene la sensación de que el actor está por sobre el propio rol asignado. Con un físico musculoso que asombra, le da matices a un protagónico “raro” en su carrera. Todo apunta a que puede ser una franquicia rendidora, transformarse en saga. Sin embargo, depende no solo de la taquilla sino de la voluntad de Sean Penn de continuar con el personaje.
Carlos Pierre
AVE FENIX
Guión y dirección de Christian Petzold. Con Nina Hoss, Ronald Zehrfeld, Nina Kunzendorf, entre otros. Música de Stefan Will. Duración: 98 minutos.
MUY BUENA.  PERTURBADOR REGRESO AL PASADO
El tema de la culpa en el pasado, ese inescrutable abismo que el Nacional Socialismo implantó en el pueblo alemán antes y después de la Segunda Guerra Mundial, es el tema del realizador Christina Petzold basándose en el libro “Regreso de las cenizas”, del escritor francés Hubert Monteilhet.
La estética de Petzold nos remonta a la fotografía del cine negro, el “Noir” que trabajaba especialmente las luces y sombras, y se cierne sobre todo el film a manera de sombra agobiante y perturbadora, de manera tal que se apodera de la destruida Berlín en 1945, de lo que queda de las casas y de sus escasos habitantes. El resultado es un clima devastador en espacio y en espíritu, recayendo en los protagonistas, “Nina Hoss” (Nelly Lenz) y su esposo “Johnny” (Ronald Zehrfeld).
“Nina” regresa como sobreviviente de Auschwitz con el rostro desfigurado, quiere vivir en Berlín y no en Israel, y emprende la búsqueda de su esposo no sin antes practicarse una cirugía estética que le da un rostro, pero ya no es el suyo. Reencuentra a su marido en un bar nocturno, el Phoenix, donde es pianista. Pero es aquí donde comienzan los fantasmas del pasado, quién es quién, qué pasó, porque Johnny no reconoce en ese rostro a quien fuera su esposa. Sin embargo, intenta aceptarla y, en una elipsis forzada de lo vivido, toma a aquella mujer que fuera su esposa y hoy es tan diferente con la firme convicción de quedarse con la herencia familiar.
Marcadamente teatral por momentos, Petzold nos obliga a aceptar esa simbiosis con “Nina” para desgranar culpas, olvidos, y escarnios del pasado que siguen estando en ese Berlín dramático que nos regala con una visión “noir” desoladora, complicada y dolorosa.
Carlos Pierre

jueves, 19 de marzo de 2015

"DIRECTO AL CORAZÓN", "LA CENICIENTA", "EN UN PATIO DE PARÍS", LO MEJOR DEL JUEVES 19



JUEVES 19 DE MARZO DEL 2015.-
Seis estrenos cambian la cartelera porteña de cine, con variados géneros para todos los gustos. Entre ellas, las nacionales “Las enfermeras de Evita”, de Marcelo Goyeneche, y “El gurí”, de Sergio Mazza. “La danza de la realidad”, del chileno Alejandro Jodorowsky, de 86 años de edad, es la nueva producción del realizador tras 23 años de “desaparición” cinematográfica. Es una “psicomagia” que nos remite a su niñez en Chile, en un pueblo perdido del hermano país que se redescubre a través del film. Tiene netas características de surrealismo y es también una “autoayuda” que el director se hace a sí mismo. Cine de culto, cine arte que encuentra una nueva expresión en Jodorowsky. Especial para amantes de las realizaciones independientes con gran valor autoral.
LA CENICIENTA
De Kennet Branagh. Con Cate Blanchett, Lily James, Richard Madden, Helena Bonham Carter, entre otros. Música de Patrick Doyle. Duración: 105 minutos.
MUY BUENA. NARRACIÓN BRILLANTE DEL CUENTO TRADICIONAL
Un espectador avezado se preguntará quién es el realizador de esta nueva y fantástica versión de “La cenicienta” tan solo por ver la fotografía, los encuadres, el concepto cinematográfico con el que está narrado. Kenneth Branagh, notable actor inglés y director teatral y de cine, se dio el lujo de tomar el cuento de Charles Perrault y hacer una pequeña obra maestra actual. Auspiciosamente de carne y hueso, la famosa “Cenicienta” que los Estudios Disney nos regalaran en versión animada en 1950, toma vuelo apartándose de los enfoques más duros y dramáticos de otras versiones como “Blancanieves y el cazador”. El resultado es más que convincente, pleno de malabarismos formales de Branagh, que nos remiten a las Meninas de Velázquez.
La historia de la Cenicienta, por aquello de sus tiznes en el rostro por los trabajos duros que hacía, encuentra en Cate Blanchett a una madrastra soberbia como contraposición de la bella heroína encarnada por Lily James, quien cautiva desde el comienzo. Y enamora, en el bosque, al apuesto príncipe a cargo de Richard Madden.
Helena Bonham Carter compone al Hada Madrina que tiene intactos sus poderes para convertir a los ratones en caballos, a dos lagartijas en pajes de la carroza y a un ganso en cochero. Malas, caprichosas y torpes son las dos hermanastras de Cenicienta, quienes jamás podrán calzarse el zapato de cristal de la joven. Hollyday Grainger y Shopie McShera imponen una disparatada gracia en sus actuaciones en contraposición a la belleza rubia de Cenicienta.
Kenneth Branagh contó con un presupuesto de 100 millones de dólares para esta versión de carne y hueso de un cuento tradicional que apunta a instalar este formato no animado en las narraciones infantiles. El resultado es maravilloso y será un disfrute para toda la familia.
A tal punto la versión de cuentos para chicos es ya una suerte de franquicia a explotar con actores de verdad que Tim Burton, otro de los grandes realizadores, ha sido convocado para dirigir la versión de “Dumbo”. En el caso de “La Cenicienta”, no se la pierdan.
Carlos Pierre
DIRECTO AL CORAZÓN (DANNY COLLINS)
Guión y dirección de Dan Fogelman. Con Al Pacino, Annette Bening, Christopher Plummer, Jennifer Garner, entre otros. Música de RYan Adams y Theodore Shapiro. Duración: 106 minutos.
MUY BUENA. PACINO EN CAUTIVANTE ROL
Muy buena fortuna tiene Dan Fogelman con este arribo al largometraje en calidad de director, tras ser guionista de muchas películas (Cars, Enredados). A partir de un hecho real, logra con Al Pacino en el rol de Danny Collins, una narración cautivante y de notable altura emotiva.
El origen es un hecho real, tomado libremente: el cantante de folk inglés Steve Tilston fue entrevistado en 1971 y manifestó que su ideal era parecerse a John Lennon. El notable “Beatle” le envió una carta que se perdió en la redacción y llego varias décadas después a manos del músico. Aquí aparece nuestra historia, de la mano de un representante avezado que encarna Christopher Plummer quien le entrega la carta a “Danny Collins” (Al Pacino). El notable tema “Imagine” envuelve al protagonista que había logrado, en tantos años de carrera, fama y dinero además de vicios varios. Esta carta, lejana en el tiempo, le produce un cambio en su vida, “quid” del film. No solo cambia su estilo musical sino que busca al hijo que abandonó. Se instala en el pequeño Hotel Hilton y traba amistad con la gerente (la enorme Annette Bening).
Encontramos actuaciones que van directo al corazón: Al Pacino regresa a un protagónico de enorme fuerza, pleno de emotividad profunda. Y se logra un producto que es una lección de vida por el guión alejado de la reivindicación de la tercera edad en sí al dotarla de energía vital. El target es el público de mediana edad para arriba, cuando algunas fuerzas pueden fallar y un empujón de optimismo sobre las vueltas de la vida empieza a ser necesario.
Carlos Pierre
EN UN PATIO DE PARÍS
De Pîerre Salvadori. Con Catherine Deneuve, Gustave de Hervern, Feodor Atkine, entre otros. Música de Gregoire Hetzel y Stephin Merritt. Duración: 97 minutos.
BUENA. LA AGRIDULCE COTIDIANEIDAD
En los “cortiles” europeos, como se llaman en italiano, surgen personajes y situaciones cotidianas de vida que son el motivo de este film, “Dans la cour”. Es una suerte de pulmón de manzana al que dan ventanas y puertas de diferentes edificios. Siempre hay un administrador, en este caso, la luchadora Mathilde (Catherine Deneuve) y su marido. Un músico de 40 años llega como portero, adicto a las drogas pesadas y con gran nihilismo.
La amistad entre la administradora y el portero se transforma en una relación amable, pero surgen dificultades por una sensación de pánico creciente en Mathilde mientras Antoine (Gustave de Hervern) se sumerge en las drogas.
El secreto de este film está en los diálogos, en el interés creciente que despiertan los personajes en el espectador, hábilmente delineados por soberbios actores como por el director Salvadori. Catherine Deneuve entrega un trabajo como hace mucho no se le veía en la pantalla mientras que De Hervern construye un desahuciado espiritual sólido, creíble. Es que no se necesitan efectos especiales para contarnos historias agridulces que son cotidianas, con mayor o menos dramatismo, sino guiones verosímiles que aún, desde la historia más pequeña, conmueven y atrapan.
El final no es el esperado, un golpe bajo que desvirtúa en algún aspecto la propuesta inicial. Sin embargo, la calificamos como buena, y hasta podría ser muy buena, porque hemos visto cine, simplemente cine.
Elsa Bragato