PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

AQUÍ ESTÁN NUESTRAS CRÍTICAS E INFORMACIÓN GENERAL SOBRE CINE

jueves, 27 de noviembre de 2014

"JAUJA", "WELCOME TO NEW YORK" Y "PRIMICIA MORTAL", LO MEJOR DEL ÚLTIMO JUEVES DE NOVIEMBRE



JUEVES 27 DE NOVIEMBRE DEL 2014.-
Hay nueve estrenos de cine que renuevan parcialmente la cartelera porteña. Destacamos la animación española “El último mago o Bilembambudin”, de Diego Rodríguez, basado en un libro de la escritora argentina Elsa Bornemann, fallecida el año pasado a los 61 años y la única connacional reconocida con el premio internacional para literatura infantil H. Andersen. Es la historia de Aldana, una niña que decide seguir a un viejo mago quien la lleva al mundo de Bilembambudin. Le sigue una buena producción americana sobre el periodismo freelance nocturno denominado “Primicia mortal”(Nightcrawler), de Dan Gilroy, con el notable actor Jake Gyllenhaal acompañado por una supermaquillada Rene Russo, narrando las peripecias de un hombre sin escrúpulos que descubre el mundo del periodismo nocturno en Los Angeles en busca de noticias, desde crímenes hasta abusos de todo tipo. Apunta principalmente a desnudar las lacras sociales incrustadas en el periodismo y cómo, a partir de seres inescrupulosos como el protagonista, se nutren los imperios periodísticos, el amarillismo y las inmundicias humanas revestidas de “headlines” o titulares del día. Muy interesante, cercana en la temática al morbo que exhibe la televisión porteña. “Tango de una noche de verano” es un documental de Viviane Blumenschein, documentalista radicada en Berlín. Finlandia considera que el tango nació allí y hasta ese frío país, donde no sobran las palabras y el ambiente es apacible y ordenado, van dos músicos argentinos (El “Chino” Laborde y Pablo Greco) a quien se les une “Dipi “ Kvitko. Nuestra música ciudadana tiene notable raíces en Finlandia y se analizan desde el tango bailado hasta el cantado en finlandés a través de nuestros compatriotas. “El examen”, de Stuart HAzeldine es del 2009 y tuvo repercusión en Edimburgo. Reaparece en las salas comerciales luego de pasar por DVDs y copias truchas, un remedo mal encarado de la muy buena “El método” (2005) de Marcelo Piñeyro con Pablo Echarri en el protagónico (las comparaciones son odiosas pero, en este caso, permiten resaltar las bondades del film de Piñeyro que, en su momento, se consideró algo tedioso).
QUIERO MATAR A MI JEFE 2
De Sean Anders. Con Jason Bateman, Charlie Day, Jason Sudeikis, Jennifer Aniston, Jamie Foxx, Kevin Spacey, Christoph Waltz, entre otros. Música de Christopher Lennertz. Duración:  98 minutos.
REGULAR. TEDIOSA Y REITERATIVA “VENGANZA”
Si la primera parte de “Quiero matar a mi jefe” nos resultó una película divertida, con gags muy bien logrados, alocada, y reidera, no ocurre lo mismo con esta segunda parte donde la acción se centra en los tres empleados decididos a ser dueños de sus destinos y a concretar diversas venganzas (Waltz es el feroz empresario, da una “mano” pero los tres protagonistas se las verán en figurillas para sortear obstáculos). Sin entorno familiar visible, el film queda reducido a diferentes opciones de los tres protagonistas para superar el destino de ser empleados, metiéndose en líos varios. La repetición de situaciones es altamente tediosa, muy pocas veces produce alguna que otra risa, y uno siente un “dejá vu” constante, aún con las presencias de Kevin Spacey y Christoph Waltz. En definitiva, produce más bostezos que sonrisas por la pobreza de su guión y este querer vendernos un humor transitado hasta el hartazgo. Las actuaciones siempre son muy buenas, ajustadas a los roles, sin mella alguna. Entre escapes automovilísticos y alguna que otra mención a las pacientes esposas, los simpáticos protagonistas hacen lo que pueden con sus roles. Muy poco para pagar una entrada tan cara hoy en día.
Elsa Bragato
LÍNEA DE FUEGO
De Gary Fledor, con guión de Silvester Stallone además de uno de sus productores. Coon Jason Statham, James Franco, Winona Ryder, Frank Grillo y la pequeña Isabela Vidovi, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 100 minutos. Basada en la novela de Chuck Logan.
BUENA. ACCIÓN Y SUSPENSO SIN PRETENSIÓN
Tener a Jason Statham (actor inglés de destacada trayectoria en el teatro de Londres) significan acción y trompadas por doquier. Silvester Stallone, hábil guionista de más de 50 films (un dato en el que no siempre se repara), mezcla hábilmente dosis de acción, explosiones y bucólicas secuencias familiares. Se centra en la vida del ex agente de la Dea Broker, viudo, padre de una pequeña que a su corta edad ya sabe noquear como su progenitor (la dulce Isabela Vidovic) quien, dos años antes, destruyó una banda de narcotraficantes. Se radica en otra ciudad pero será su pequeña hija quien dé inicio a una acción que el cansado y triste agente no quiere ya emprender. El villano, encarnado por James Franco, no le dará tregua acicateado por su pareja. Los ingredientes del género están: acción y thriller policial de principio a fin además de una excelente fotografía que es un plus nada despreciable, incluso con cámaras zenitales. Interesante. No pretendamos ver el policial del tercer milenio pero sí una película que cumple con su propósito de entretener de principio a fin sin pretender dejarnos ni moralejas ni ninguna subhistoria que movilice nuestra conciencia. Agregamos que Chuck Logan, autor de la novela en la que se basa el guión, es un veterano de Vietnam y un reconocido autor de libros policiales.
Elsa Bragato
PATRICK
De Mark Harthley. Con Sharni Vinson, Rachel Griffiths, Charles Dance, Jackson Gallagher, entre otros. Música de Pino Donaggio. Duración: 110 minutos.
BUENA. REMAKE DE FUERTE IMPACTO
En 1978 se estrenó el film homónimo de origen australiano dirigido por Richard Franklin, siguiendo el incipiente fanatismo producido por la telequinesis, introducida en 1976 por Brian de Palma en el film “Carrie”. Mark Harthley toma los momentos sustanciales del film y del director, a quien admiró profundamente, con un toque setentista de los films de Alfred Hitchcock, es decir, sustos sucesivos de importancia que alertan al espectador de lo que está por venir. No exenta de tremendas escenas de electroshocks y otras muy “gore”, “Patrick” transita cómodamente por el thriller, a través del enfermo comatoso “Patrick”, sometido a verdaderas torturas por el médico de la clínica en la que es contratada la ingenua enfermera “Kathy Jacquard” (un excelente trabajo de Sharni Vinson). “Patrick” muy pronto mostrará que, aún postrado, tiene un notable poder de encender computadoras y de movilizar objetos y hasta de matar con su mente, hechos que van in crescendo hasta un final a toda orquesta, es decir, a todo horror.
La concepción de la película es clásica, nos recuerda justamente a los autores que admira Mark Harthley, y tiene actuaciones importantes en la protagonista y Rachel Griffiths, que compone a una especie de “enfermera gobernanta” del lugar. Una atmósfera opresiva, siniestra, es otro d elos logros de este film de bajo presupuesto de Mark Harthley que llega a la cartelera porteña luego de seis meses o más de espera en la gatera. Cumple su objetivo y está destinado a los fanáticos del género.
Elsa Bragato
WELCOME TO NEW YORK
De Abel Ferrara. Con Gerard Depardieu, Jacqueline Bisset, Ronald Gutman, Eddy Challita, entre otros. Duración: 124 minutos.
MUY BUENA. SOBERBIA ACTUACIÓN DE DEPARDIEU
Este plato fuerte de Abel Ferrara, de quien se presentó “Pasolini” en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, no ahorra escenas escabrosas y somete a su protagonista, el soberbio Gerard Depardieu, a la presión de demostrar todas las bajezas sexuales de la que es posible un hombre. El caso está directamente inspirado en el ex director del FMI, Dominique Strauss-Kahn, quien abusó de una empleada doméstica de un reconocido hotel neoyorquino. El personaje de Gerard Depardieu es “el señor Deveraux”, con un hambre de sexo incontenible, sentado en el poder del mundo y manejando la vida de hombres y mujeres a su arbitrio, situación que produce tanto desagrado como las tremendas secuencias de sexo oral brutal de Depardieu-Deveraux y algunas de las hermosas mujeres elegidas como “plato diario” para tales menesteres.
Los hechos ocurrieron el 14 de mayo del 2011 y le costó al execrable director del FMI la prisión, la pérdida de su generoso puesto en el FMI y su carrera presidencial, si bien llegó a un acuerdo monetario para librarse de una detención mucho mayor. Depardieu no le hace asco a la perversión del “dueño del mundo” entonces y se mete en el papel con una conciencia actoral que remueve las tripas del más centrado espectador. Por un lado, es asombrosa su actuación y, por otro, resulta revulsiva… aunque notable, hay que remarcarlo.
La primera parte nos muestra al señor Deveraux ingresando a su cuarto número 1806 de un famoso hotel al que no se le toma el nombre pero es el mismo al que concurría Strauss-Kahn, teniendo una habitación de número similar, la 2806, donde abusó de una afroamericana obligándola a tener sexo oral, sin entrar en detalles realmente escabrosos. En ese cuarto a Deveraux lo esperan varias prostitutas (son ofrecidas como “postre” para los empresarios que lo visitan) acompañadas por jóvenes que hacen de “corte de aduladores”. No tiene preferencias. Cualquier mujer le cae bien para someterla a un brutal sexo oral. El caso de la doméstica que sufre su avasallamiento lo lleva a la prisión cuando regresaba a París para encontrarse con su fuerte esposa, Simone Deveraux a cargo de una gran Jacqueline Bisset.  En la prisión estalla otra actuación memorable de Gerard Depardieu, un hombre que en su vida personal ha transitado por todos los caminos sinuosos de la vida (hace poco reveló que fue violado en su juventud): desnudo, con una panza kilométrica, se somete a la revisación de la policía neoyorquina, mostrando sus genitales sin titubeo, agachándose, de frente, de perfil. Ya en lo que podemos llamar la segunda parte, cuando logra ser liberado y enviado a París, se establece un duelo actoral con Jacqueline Bisset de alto voltaje, diálogos de honestidad brutal, dejando al descubierto una Simone Deveraux que guía los destinos comerciales y políticos de su marido pero que ya no puede hacer mucho ante la vergüenza pública desatada por la incontrolable adicción al sexo de Deveraux.
EL poder conlleva miserias. Una de ellas es la utilización del sexo como medio de presión y sojuzgamiento del otro, hombre o mujer, y en el film está claro que el orgiástico señor Deveraux manejó el mundo desde sus genitales por lo que mal pudo pensar en el real sufrimiento de tantos pueblos por sus incoherentes y malignas recetas económicas.
Destacamos algunas tomas muy especiales sobre el rostro de Gerard Depardieu cepillándose los dientes, gestos de depravación que conmueven a la platea más que la brutalidad sexual del personaje. No es para cualquier público. Las escenas no tienen miramientos. Y es, sin duda, una actuación memorable de Gerard Depardieu que se muestra tal como vino al mundo con un desparpajo que, aunque choque, demuestra quién es al pisar un set.
Elsa Bragato
JAUJA
De Lisandro Alonso. Gui`´on de Fabián Casas y Lisandro Alonso. Con Viggo Mortensen, Villbjork Malling Agger, Ghita Norby, Adrián Fondari, Esteban Bigliardi, Diego Roman, Mariano Arce, Misel Saavedra, entre otros. Música original de Viggo Mortensen. Duración: 108 minutos.
MUY BUENA. CAMINO EXISTENCIAL BAJO EL CIELO PATAGÓNICO
Esta quinta entrega de Lisandro Alonso (La libertad, Los muertos, Fantasma y Liverpool), está más lejos de las anteriores de la pátina experimental que las caracterizó. En este caso, Jauja, apuesta a lo narrativo y se materializa en un western mitológico cuyo espacio físico e histórico es la Conquista del Desierto (1882), en la Patagonia. El fotógrafo finlandés Timo Salminen ha logrado una fotografía estupenda de nuestro sur, describiendo cada paisaje con una minuciosidad provocativa por la lentitud, en contraposición a la acción de los personajes. Viggo Mortensen, notable “celebrity” que enaltece nuestro cine y este país donde se crió hasta sus 11 años (nació en New York en 1958 de padre danés y madre norteamericana, se especializó en actuación, música, fotografía, pintura y literatura, teniendo una editorial para poetas noveles), protagoniza “Jauja” que se presenta en el comienzo del film con un cartel donde se explica la leyenda del considerado paraíso terrenal y mitológico que muchos buscaron desde tiempos inmemorables. La historia se centra en un militar danés (Mortensen) quien no está a gusto en las lánguidas mesetas patagónicas, anhelando la civilización de su Dinamarca natal. Pero su hija de 15 años UVillbjork Malling Agger) se enamora y se escapa con un soldado criollo, por lo que inicia una búsqueda de la jovencita a lo largo de todo el film.
Muchos elementos condimentan la historia, desde torturas hasta secuestros, encuentros místicos, que jalonan el recorrido del militar danés. Por un lado lo agobia la realidad y por otro hay un clima ficcional opresivo en el que también vive.
La contemplación de la naturaleza es una de las apuestas del film con la lectura que le da el protagonista: el disfrute de lo que ve y lo que ese cielo tachonado de estrellas dibuja en su alma y en su mente. En una secuencia de este tenor se escucha una melodía creada por Viggo Mortensen quien, a la manera de Clint Eastwood, despunta en este film de Alonso otra de sus cualidades artísticas. Thriller con fuertes matices espirituales y extrasensoriales, la propuesta de Alonso y de Mortensen es un atrapante trayecto existencial, entre el agobio de la realidad y la presión del alma. Muy interesante propuesta.
Carlos Pierre


jueves, 20 de noviembre de 2014

"SINSAJO PARTE 1", "MINÚSCULOS" Y "SOY MUCHO MEJOR QUE VOS", ESTRENOS JUEVES 20



JUEVES 20 DE NOVIEMBRE DEL 2014.-
Hay seis estrenos y la reposición remasterizada de “Volver al futuro”, en esta nueva etapa del cine de recurrir a los grandes éxitos de hace décadas y difundirlos a las nuevas generaciones. Salvo “Los juegos del hambre, Sinsajo parte 1” y otra animación, la mayoría de las películas han pasado por festivales nacionales y llegan con muy escasa difusión al gran público. Es la época del año en la que, lamentablemente, no se le da importancia a títulos producidos en este continente que surgen mezclados con “tanques” que los aplastarán. Hay desmanejo en las agendas de estrenos de los jueves del que venimos dando cuenta preocupados por el bolsillo del distribuidor más que por los intereses de los espectadores: “sacarse de encima” títulos, películas, que debieron adquirir por alguna razón comercial.
CINE LATINOAMERICANO
Llegan dos películas sin difusión apropiada. El cine de nuestro continente debería tener una sala asignada y ofrecer estrenos semanalmente. Los films vistos por muy pocos elegidos en muestras internacionales no es la mejor vara para medir la presencia de estas producciones en las salas argentinas, así llegan y se van, sin pena ni gloria.
SOY MUCHO MEJOR QUE VOS
De “Che” Sandoval. Con Sebastián Brahm y Antonella Costa. Duración: 85 minutos.
BUENA. COMEDIA URBANA SOBRE UN NETO PERDEDOR
Fuera del slang chileno que, a falta de costumbre, no entendemos mucho, el segundo film de “Che” Sandoval muestra su inquieta búsqueda por la comedia urbana, es decir, personajes que deben encontrar su razón de vivir en ciudades no siempre amables. Es el caso de Cristóbal, encerrado en su pequeña Pyme, que intenta superar el fracaso de su matrimonio, busca alternativas amorosas, y realiza una suerte de road movie ciudadana. A Santoval se lo ha comparado con Richard Linklater por la agudeza de sus diálogos que, en definitiva, sustentan el film. Algo de eso hay. El film fue visto en el BAFICI.
Si nos remitimos al cine chileno de hace 8 años o más, hay una narrativa naciente que apenas conocemos, diferente a “La sagrada familia”, del 2005, por ejemplo. Intimista, urbano, “Che” Sandoval va ganando terreno en el cine de nuestro continente. Lo bueno sería conocer mejor a sus artistas y corrientes cinematográficas para hacer un comentario coherente. Sí festejamos que “Che” Sandoval siga en carrera y llegue a la cartelera porteña.
Elsa Bragato
DESPUÉS DE LA LLUVIA
De Claudio Marques y Marilia Hughes. Duración: 95 minutos.
BUENA. LA CRISIS DE LA ADOLESCENCIA
El tema de la adolescencia es recurrente y tiene diferentes ópticas según la cinematografía que la encare. En este caso, llega un film que se presenta en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata de este año y que ya se presentó en el último Festival de las Tres Fronteras, realizado en Iguazú, Misiones, también este año. Se trata de la vida de Caio, de 14 años, quien se enfrenta a la autoridad paterna y tiene todos los matices propios de esa edad en donde las carencias surgen y se busca un camino propio no sin sinsabores. Está bien realizada, la narración es atractiva, pero no es un aporte a la temática aunque tenga redondez en la narración y buenos aspectos técnicos. En todos estos casos, el desconocimiento del elenco siempre es un factor en contra para atraer al espectador por lo que se requiere de una difusión fuerte que el film no tuvo.
Elsa Bragato
CINE NACIONAL
LA PAZ EN BUENOS AIRES
De Marcelo Charras. Duración: 73 minutos.
MUY BUENA. DESCUBRIMIENTO DE UN LUCHADOR BOLIVIANO
Este segundo film de Marcelo Charras es un documental sobre la vida de Erasmo Chambi, famoso luchador al estilo Kadaragián en La Paz, Bolivia, que en los 70 y 80 tuvo gran fama en su país y un merchandising notable, álbumes de figuritas y todo lo que entonces constituía promoción de una figura famosa de la lucha libre. Al inmigrar a nuestro país, se refugió en la zona de Liniers y desde allí promociona el deporte con un ring que él mismo va armando en los lugares donde lo contratan. Charras lo conoció a través de un diario barrial y se conmovió con la vida del inmigrante que debe renunciar a toda su gloria para sobrevivir en un país extraño (la comunidad boliviana es muy importante en la Argentina especialmente en los últimos 30 años, que coinciden con la llegada de Chambi al país). Charras ubicó la cámara de manera inteligente mostrándonos cómo el luchador boliviano organiza sus shows, cómo le enseña a su hijo su deporte, cómo vive muy lejos del gran reconocimiento. En definitiva, cómo sobrevive. Nos parece un muy buen retrato de un personaje de la comunidad boliviana, un documental diferente. A muchos los acercará a los tiempos de “Titanes en el ring” que tuvo sus émulos en nuestro continente. La mejor prueba es Erasmo Chambi, “El ciclón” de La Paz. Disfrutable.
Elsa Bragato
EL BLOCKBUSTER DE ESTE JUEVES
SINSAJO PARTE 1 (LOS JUEGOS DEL HAMBRE)
De Francis Lawrence. Basada en Sinsajo, de Suzanne Collins. Con Jennifer Lawrence, José Hutcherson, Julianne Moore, Donald Sutherland, Philip Symour Hoffman, Stanley Tucci, Liam Hemsworth, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 124 minutos.
BUENA. SOMBRÍO PREANUNCIO DE UN GRAN FINAL
Este tercer largometraje de la trilogía de la escritora Suzanne Collins es la primera parte de “Sinsajo”, un solo libro que ha sido dividido en dos films por razones comerciales reconocibles: la gran expectativa que la saga concita a nivel mundial (ocurrió con el último film de Harry Potter y con la saga “Crepúsculo”).
Destacamos tres características de esta nueva entrega: el realizador Francis Lawrence es el mismo que se encargó de la entrega anterior, “En llamas”. Asimismo, falleció el gran actor Philip Seymour Hoffman en febrero pasado pero había logrado filmar todas sus escenas previstas hasta ese momento. Su personaje vuelve a aparecer en el futuro por lo que se recurrirá a la “digitalización” de su imagen para “Sinsajo 2ra parte”. Y se produjo la incorporación de la gran actriz Julianne Moore encarnando a la presidente del misterioso distrito 13, donde se acuna la rebelión. Aporte valioso al multiestelar elenco.
La protagonista, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), después de haber salido con vida del vasallaje de los 25 distritos por la tiranía del Capitolio, es llevada al distrito 13 como “El Sinsajo” o símbolo principal de la rebelión. Y los rebeldes montaron con cámara en mano una publicidad sobre diversos sitios, algunos arrasados, para difundir sus principios y poner en pie de guerra a los demás oprimidos. A Katniss la vemos luchar por la causa, mientras su corazón quiere liberar a Peeta (Josh Hutcherson), el amor de su vida, retenido en el Capitolio y forzado a entrevistas televisivas donde manifiesta que los distritos deben abstenerse de la acción armada. En este sentido, vale recordar que la escritora Collins se dirige al público adulto joven cuando trata la línea amorosa de su relato, aunque no se olvide de la acción que tanto atrae a sus fans.
Esta primera parte de “Sinsajo” nos resultó un tanto sombría y triste, si bien refleja el tiránico vasallaje que impone el Capitolio y la separación forzada de los amantes Katniss y Peeta. Hay escenas oscuras y abrumadoras, motivadas por la desolación que sobrevino luego de la lucha entre el Capitolio y los Rebeldes, que tienen una contrapartida en secuencias luminosas como una escena en el bosque donde Katniss, acompañada por su amigo Gale (Liam Hemsworth), tiene permiso para cazar pero hay tiempos ecológicos y desiste de matar a un ciervo. Destacamos también la secuencia panorámica y refrescante, dado el planteo sombrío de la narración, de Katniss cuando ve un “sinsajo”, escucha su canto y entona su canción.
Esta película, Sinsajo parte 1, es un valioso pedestal para el esperado desenlace de la saga, sugestiva, diferente, fuerte, con un final abrupto que dejará boquiabiertos a los seguidores de Suzanne Collins y la puerta abierta para la trepidante segunda parte final. La historia es fuerte, lo ha sido desde el comienzo de la saga, y tiene una mezcla de las tradiciones anglosajonas con la  historia greco-romana, además de este nuevo concepto de “vasallaje” y de “ojos omniscientes” surgidos desde la obra “1984” de George Orwell.
(Nota de Redacción: “Sinsajo” es un pájaro inexistente. Surge de la unión de un “Chartajo”, creado por el “Capitolio” de la ficción, y es el macho que vigila los Distritos, y la hembra “sinsonte” que conocemos vulgarmente como “calandria”. De allí su hermoso canto).
Carlos Pierre
ANTES DEL FRÍO INVIERNO
De Philippe Claudel. Con Kristin Scott Thomas, Daniel Auteuil, entre otros. Música de André Dziezuk. Duración: 102 minutos.
BUENA. LO QUE ESCONDEMOS
Philippe Claudel pasó por Buenos Aires y dialogó sobre los alcances de este film que considera autobiográfico y sus últimos libros, dado que es literato reconocido. En “Antes del frío invierno”, Claudel hace un existencial repaso de la vida de un neurocirujano, su alicaído matrimonio, y una tercera en discordia, circunstancias que lo obligan a un balance. El frío invierno que se acerca es esa edad adulta en la que o todo está resuelto o está quebrado y solo queda la desesperanza hasta el día final.
El discurso melancólico y lento es una característica del cine francés que ‘rallenta’ muchas veces la acción, a diferencia de la cinematografía hollywoodense. Excelente fotografía, paisajes bucólicos que contrastan con el drama personal del protagonista, y ese glamour de la cultura francesa presente en su clase media alta -referente excluyente de numerosos films-, conforman un producto bien realizado, así como bien planteado el notable duelo actoral de Kristin Scott Thomas y el gran Daniel Auteuil. Apunta al público adulto, para quien el cine no suele pensar mucho. Un drama existencial que nos toca en algunos aspectos a todos: el detrás de los logros.
Elsa Bragato
MINÚSCULOS: EL VALLE DE LAS HORMIGAS
De Thomás Szabo y Helene Giraud. Animación francesa.
BUENA. GUERRA ENTRE HORMIGAS
La animación francesa llega al cine luego de pasar por la televisión (Minúsculos, la vida privada de los insectos). Thomás Szabo y Helene Giraud trabajaron sobre diferentes aspectos de la naturaleza, en especial sus pequeños grandes seres, en una serie de microprogramas muy interesante y pegaron el gran salto a la pantalla grande con las hormigas, cuya organización social todavía asombra a los científicos. Hollywood tiene mucho que ver en la concepción bélica de esta animación que enfrenta a dos bandos de hormigas: algo de “300” y trucos muy “humanos” aparecen para estas batallas entre seres minúsculos.
Todo comienza cuando una hormiga negra ve los restos de un picnic “humano”, en especial una gran canasta. Cientos de obstáculos tendrá que superar para hacerse de tan preciado botín sin contar con la aparición de las “malvadas”, otro grupo de hormigas que iniciará una guerra sin atenuantes.
El film resulta atractivo para los más chicos aunque siempre ponemos entre comillas los elementos de la violencia que llegan a la platea menuda a través de figuras queribles. Por algo el film animado está catalogado como “animación bélica infantil”. No deja de ser un buen gancho y tiene visos de realidad dado que sus realizadores son expertos en la materia.
Elsa Bragato


jueves, 13 de noviembre de 2014

"FUERZA MAYOR" Y "CAMINANDO ENTRE LAS TUMBAS", LO MEJOR DEL JUEVES 13



JUEVES 13 DE NOVIEMBRE DEL 2014.-
Hay 12 estrenos este jueves, algunos de los cuales fueron anunciados el jueves pasado. Hay otros que prácticamente no tuvieron difusión entre los cronistas de cines. Levantar películas sin aviso, ubicar otras sin la debida promoción, son las “novedades” a apuntar en la desordenada cartelera de los jueves porteños. Seis de estos estrenos (uno de ellos “ya estrenado”, “Bienvenido León de Francia”, famoso radioteatro que da origen a esta película rosarina, que mencionamos el jueves pasado) son nacionales o bien tienen participación argentina en el elenco y la producción. Agregamos la reposición de “La naranja mecánica”, de Stanley Kubrick, ícono de los 70.
Se estrenan ”El otro (no todo es lo que ves)” de Daniel de Felippe, con Guillermo Pfenning, Alejandro Awada y Víctor Laplace, policial sobre “Marcos” y un “otro” que le ofrece una segunda oportunidad; ”El muerto y ser feliz”, de Javier Rebollo, coproducción con España, con José Sacristán; “El bumbún”, film riojano de Fernando Bermúdez, con Daniel Valenzuela, Luis Ziembrowski, historia de los hacheros de la zona, fue rodada en diferentes localidades riojanas. “Helena”, de Milka López, con Ivo Cutzarida, Camila Perissé, Edda Bustamante, sobre la vida una joven pianista a quien la muerte de su abuelo y un secreto le cambian la vida; “La gente del río”, de Martín Benchimol y Pablo Aparo, es un documental realizado en el pueblo Ernestina, provincia de Buenos Aires, que habla sobre la seguridad implementada por los vecinos. Entre las extranjeras, están “Tonto y retonto 2” que llega 20 años después en calidad de secuela,  de los hermanos Farrelly, con Jim Carrey y Jeff Daniels, reformulación del primer film, sin mayores novedades y “Madres perfectas”, de Anne Fontaine (“Coco antes de Chanel), film inglés con Naomí Watts y Robin Wright, dos madres amigas desde la niñez que tendrán un vuelco en sus vidas cuando una se enamore del hijo de la otra.
FORCE MAJEURE (La traición del instinto)
De Ruben Óstlund (director y guionista). Con Johannes Bah Kuhnke, Lisa  L. Kongsli, Kristofer Hivju, los niños Clara y Vincent Wettergren, entre otros. Música de Antonio Vivaldi. Duración: 118 minutos. Coproducción de Suecia, Noruega, Dinamarca y Francia.
MUY BUENA. EL IMPULSO DE SOBREVIVIR
El realizador Ruben Óstlund demuestra su ojo clínico  y explorador de conductas sobre las reacciones más profundas que ocurren en el seno de un hogar, formado por el matrimonio y dos hijos, una familia tipo, ante un hecho inesperado y de fuerza mayor. Alude a las situaciones repentinas, catastróficas, que impulsan al ser humano a sobrevivir en un acto de inmediatez absoluta, realizado sin pensar, que tiene consecuencias definitivas en su entorno.
El eje es una familia sueca que viaja a los Alpes franceses para disfrutar junto a sus dos hijos de unos días de esquí y, al mismo tiempo, es una compensación del jefe de familia por el tiempo que pasa fuera de su hogar trabajando. El relato de Ostlund propone cinco días de descanso. Y en el segundo ocurre el “quid” de la trama: un aluvión de nieve llega de manera dramática hasta los pies de la familia. El pánico se apodera de todos y el padre (Johannes Bah Juhnke), en un acto reflejo, toma sus guantes y su cámara fotográfica y escapa. La familia vuelve a reunirse poco después pero algo ha cambiado. Los lazos maritales son diferentes y la actitud de los mayores repercute en los hijos que detectan la ruptura sentimental de sus padres a punto de divorciarse.
Ruben Óstlund es un hábil esquiador y utiliza su cámara para fotografiar una zona que conoce muy bien con una riquísima fotografía, apoyatura fundamental del drama que surge en el matrimonio sueco. La banda sonora le pertenece al compositor Antonio Vivaldi; de él, Ostlund tomó el concierto “El verano”, un contrasentido si pensamos que se está en pleno invierno. No obstante, la fuerza de ese concierto concuerda con la “fuerza mayor” de la naturaleza y la consiguiente reacción instintiva del padre de familia. Óstlund sigue la más auténtica línea de la cinematografía sueca siendo posible encontrar un dejo del gran Ingmar Bergman en esta búsqueda de las reacciones de los integrantes de la familia. El film se vuelve visceralmente emotivo, conmovedor, trasciende ampliamente la catástrofe natural para adentrarse en el alma de los personajes y analiza con una cámara inquieta y sólida a la vez las consecuencias de un hecho natural sobre la conducta humana.
En el Festival de Cannes la película obtuvo el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard logrando ser la representante de Suecia en la próxima ceremonia de los Oscars. Es, sin duda, uno de los grandes films del año que llega a la cartelera porteña.
Carlos Pierre
ANTES DE DESPERTAR
Guión y dirección de Rowan Joffe. Con Nicole Kidman, Colin Firth, Mark Strong, Anne-Marie Duff, Adam Levy, entre otros. Música de Edd Shearmur. Duración: 92 minutos.
REGULAR. SUSPENSO CON EFECTIVO DUELO ACTORAL
En su segundo film, Rowan Joffe apunta al thriller psicológico, con giros en el guión que muchas veces desorientan pero cumplen la función del suspenso. Nicole Kidman compone a Christine, una mujer que, supuestamente por un accidente, cada día se levanta sin recordar su pasado. Su esposo, el notable Clin Firth, y un médico (Mark Strong) intentan que ella retenga su presente y que éste no se diluya cuando se va a dormir. En este sentido, queda explicado el titulo como beneficio para el espectador.
A lo largo de la hora y media, el guión gira sobre esta condición inesperada de la protagonista, quien no comprende el mundo que la rodea o bien es víctima de una conspiración de  su marido. La fotografía de Rowan Joffe realza trágicamente este entorno oscuro, de difícil resolución en cada secuencia. Se establece un notable duelo actoral, que queremos resaltar este comentario, entre Kidman y Firth. El alma de una mujer queda al desnudo, en otro rasgo distintivo de Joffe, un alma huérfana de memoria, sin un ancla salvadora que la fije en pasado que así “saltar” de ese “no-ser” en el que vive.
El film se basa en la primera novela del inglés S.J. Watson del 2011, best seller internacional, siguiendo una tradición muy inglesa dentro del thriller psicológico. La identidad es el centro del guión, cómo se pierde o cómo se puede ser llevado a esa trágica situación personal en la que no se reconoce el entorno como tal y se lo trastoca porque el terror a “no ser”, y lo que se pueda hacer con uno, es la constante. La envoltura narrativa colabora, sustenta, el clima de suspenso intenso, otro logro de Rowan Joffe.
Carlos Pierre
ASI EN LA TIERRA COMO EN EL INFIERNO
De John Erick Dowdle. Con Perdita  Weeks, Ben Feldman, Edwin Hodge, entre otros. Música de Mac Richter. Duración: 93 minutos.
REGULAR. HISTÉRICO RECORRIDO POR LOS SUBSUELOS PARISINOS
Elenco desconocido para una idea bastante transitada: cámara en mano filmando las catacumbas parisinas y el “más allá” de las mismas con previsibles resultados. Una joven arqueóloga y estudiante de alquimia, además de conocer cuatro idiomas y dos lenguas muertas, está obsesionada por conseguir la “piedra filosofal”, la misma que alguna vez buscó Harry Potter y que, ciertamente, con enorme envergadura, se planteaba en la filosofía griega, encontrar el “origen de todo”. Esta piedra tiene la facultad, según la alquimia, de transformar los metales en oro y hasta de proporcionarnos la vida eterna.
Mucho título, poco resultado: “Scarlett” quiere hallarla y embarca a un ex novio que conoce el Arameo en la traducción y búsqueda de guías para visitar las catacumbas parisinas, que encierran 6 millones de calaveras, artísticamente colocadas. Surgieron cuando en el siglo XVIII los vecinos de París empezaron a enfermarse: los olores nauseabundos de los cementerios y la cantidad de cadáveres acopiados indebidamente obligaron a su traslado a las viejas minas de caliza que usaban los romanos.
 “Scarlett” es intrépida, la cámara en mano del inicio se la pasa a un amigo africano y así se inicia una suerte de “docu-ficción” al estilo de “Actividad paranormal” o de la iniciática “The Blair Witch Project”. La llamada “cámara subjetiva” es entonces la real vedette del film y la que nos va guiando por túneles, cuartos subterráneos con velas encendidas, piedras antiguas similares a la egipcia Piedra de Rosetta, de poco más de 100 antes de Cristo (actualmente en el British Museum de Londres), y el encuentro de una piedra incrustrada que podría ser la “filosofal”. Pero, para el grupo de jóvenes que se ha embarcado en la aventura, esta búsqueda es un paso al infierno personal.
He aquí uno de los temas que surgen como análisis: ir más allá de lo que debemos nos suele enfrentar a nuestros propios fantasmas, o pecados o hechos que no terminamos de aceptar y que conviven en nuestra conciencia como traumas.
Claustrofóbica, con sustos que no pasan a mayores, el thriller se acrecienta cuando algo demoníaco surge inesperadamente y hace de las suyas. No tienen mayor sentido estos “Boo!!!” de seres fantasmales.
Lo más interesante del film es el comienzo porque allí se mezcla la ficción con la realidad. La explicación de las catacumbas, los hechos históricos que obligaron al traslado de cadáveres a ese sitio, aportan datos interesantes que luego se diluyen en túneles y oscuridades narrativas basadas en un guión inexistente.
El microcosmos con el macrocomos, lo que es arriba es abajo, son temas de alta complejidad filosófica que aquí fueron tirados por la borda para quedar resumidos en un histérico recorrido entre huesos humanos y estrechos espacios. No dudamos de que la película hará buena taquilla, pero esto dista mucho de que se la pueda considerar un film hecho y derecho que nivele o supere lo ya visto en el género.
Elsa Bragato
CAMINANDO ENTRE TUMBAS
De Scott Frank. Con Liam Neeson, D. Stevens, David Harbour, entre otros. Música de Carlos Rafael Rivera. Duración: 114 minutos.
BUENA. POLICIAL CON FUERTE DOSIS “GORE”
El director Scott Frank ( lúcido guionista de “Minority Report”) apunta a un policial con ribetes de sadismo propio de films surcoreanos y acorde a la violencia social actual. No ahorra ningún elemento “gore” apoyado en la notable presencia actoral de Liam Neeson quien, en los últimos seis años, interpreta a ex agentes policiales con diversos problemas personales. En París, en Estambul corriendo por sus techos, y ahora en New York, donde el escritor Lawrence Block sitúa una de sus dos grandes sagas. En este caso, la del ex agente y ex alcohólico Matthew Scudder, personaje que alguna vez interpretó Jeff Bridges, a cargo de Neeson.
“Scudder”- Neeson debe resolver difíciles casos de asesinatos de bellas mujeres, tiene un ayudante que es un joven sin hogar, y recorre New York, en lugar de correr por sus calles, con paso viril, mirando de reojo y perseguido por asesinos. Una “glam” 5ta Avenida, un tétrico cementerio cercano, y mujeres descuartizadas, más sugerido que visual, con grabaciones de espantosos gritos cuando están a punto de ser violadas y asesinadas, marcan el quiebre del “estilo noir” a favor del género “gore”.
Los personajes se suceden, con mayor o menor suerte en sus apariciones porque no todos están bien resueltos, y los casos de asesinatos se suman hasta llegar a un tremendo baño de sangre. Sin embargo, resurge una y otra vez la figura imponente de Liam Neeson, con autoridad escénica, marcado por un profundo dolor en su rostro que tiene generosos primeros planos. Bien puede decirse que es un unipersonal de este notable actor a quien la vida no le ahorró tristezas (su esposa murió trágicamente) y que este tipo de roles le permiten transmutar su propio dolor. El elenco, poco conocido para nuestro público, colabora para que Liam Neeson sea nuestro guía en este camino tétrico y sangriento que lo lleva a resolver casos estremecedores.
No hay mucho más en este film, narrado en forma paulatina, que va creciendo en intensidad sangrienta a medida que transcurre la narración, un tanto extensa. Para espíritus fuertes.
Elsa Bragato