PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 30 de octubre de 2014

"BOYHOOD" Y "CANTINFLAS", LO MEJOR DEL ÚLTIMO JUEVES DE OCTUBRE




JUEVES 30 DE OCTUBRE DE 2014.-
Hay 13 estrenos este jueves 30 que incluyen 8 filmes argentinos. “Pelo malo” es un film venezolano de Mariana Rondón, que obtuvo el premio mayor en el festival de San Sebastián 2013. Gira en torno a un niño, Junior, que quiere ser cantante y tener su pelo liso. “El triángulo rosa y la cura nazi para la homosexualidad” es un documental de Estaban Jasper y Nacho Steinberg sobre los espeluznantes tratamientos del nazi Carl Vaernet en homosexuales detenidos en un campo de concentración. ”Rec 4: Apocalipsis”, de Jaume Balaguero, culmina tras más de 8 años la saga de terror española. “Atlántida” es un film de la cineasta cordobesa Inés Barrionuevo sobre el despertar sexual de dos adolescentes. “2/11 Día de los muertos”, de Ezio Massa, es otro film nacional de terror, género que tiene hasta su propio festival, Buenos Aires Rojo Sangre, a iniciarse su 15 edición este jueves en el cine Monumental, CABA. “Tenemos un problema, Ernesto”, de Diego Recalde, es una comedia sobre un hombre que no tiene pene.
ENSAYO DE UNA NACIÓN
De Alexis Roitman. Música Original: Carlos Gianni y Silvina Reinaudi. Documental.
EXCELENTE. UNA LECCIÓN DE MÚSICA MEMORABLE
Recordamos el film francés, documental, “La clase” del 2008 que nos conmovió profundamente. “Ensayo…” se une a las mismas maravillosas condiciones narrativas de la película francesa en este caso sobre la formación de un coro de niños para los festejos del Bicentenario nacional, del 2010. Se enfoca en la tarea de Diego y Muriel quienes lograron reunir 1800 voces de chicos de diferentes escuelas, condiciones sociales y religiones, en una bellísima canción que fue uno de los momentos destacados de la gran celebración nacional.
La calidad narrativa del documental de Roitman produce una empatía inmediata con el espectador, aún cuando nos detalla los prolegómenos del gran acto final, el coro de miles de voces. Maestros, cantantes, músicos, van formando las voces de los chicos de manera tal que logran un coro que nos toca el alma.
Es un documental estupendo, que va trabajando la emoción del espectador, lo introduce en un mundo de calidad docente y de esperanzas. La música, dicen, derriba fronteras. No hay más que ver este documental de Alexis Roitman para comprobarlo: las naciones, de cualquier credo y situación social, tienen sus bases en los chicos y, si la música es el “médium”, el logro es superlativo. Gran trabajo del realizador, excelentes narración y fotografía y una canción inolvidable en las voces de nuestros chicos. Emotivo, profundo, una gran enseñanza.
Elsa Bragato
FORAJIDOS DE LA PATAGONIA
De Damián Leibovich. Con Juan Manuel Rodil, Carla Pandolfi, Adrián Garavano, entre otros. Música de Gregoire Lourme.
REGULAR. DISPARATADO FILM SOBRE BUTCH CASSIDY
El forajido Butch Cassidy (Robert LeRoy Parker) viajó a la Argentina en el buque inglés “Herminius” en 1901 y se radicó en Cholila, Chubut, viviendo allí hasta 1905, aunque con incursiones de malandra durante ese período. Damián Leibovich toma el seudónimo de “Santiago Ryan”, que Cassidy utlizó en nuestro país, para iniciar la búsqueda de un tesoro que el abuelo de Pancho, un cineasta independiente que necesita dinero, quiere obtener para beneficio de ambos. Por supuesto, el “tesoro de Cassidy” no es solo un botín que ansíe el abuelo de Pancho.
La idea es buena. Pero la narración se queda en un relato elemental, más que previsible por lo que la aventura en el Sur termina siendo, y lamentamos decirlo, una suerte de estudiantina con efectos narrativos que son tan solo un juego de adultos. El espectador ve una historia amena pero sin condimentos que la transformen en atractiva.
Elsa Bragato
BOY HOOD, MOMENTOS DE UNA VIDA
De Richard Linklater. Con Ellar Coltrane, Ethan Hawke, Patricia Arquette, Lorelei Linklater, entre otros. Música de Colplay, Barkley,  Cat Power, Bob Dylan, Paul McCartney, entre otros. Duración: 165 minutos.
EXCELENTE. EL DEVENIR DE LA VIDA EN UN FILM ÉPICO, LINKLATER SUPERLATIVO
Richard Linklater nos ha regalado films antológicos con diálogos insuperables, “Antes de la medianoche”, “Antes del atardecer” y “Antes del amanecer” conforman una trilogía inolvidable sobre una pareja y su devenir en el tiempo. En el caso de “Boyhood”, estamos frente a un film épico, memorable, filmado entre 2002 y 2013, con los mismos actores por lo que vemos la transformación física de Ellar Coltrane, desde sus 6 años hasta 12 años después.
Linklater filmó a Coltrane,  sus padres y su hermana en la ficción (que es la hija del realizador, Lorelei), durante una semana cada año de los 12 que tardó en reunir este precioso material. Las canas de Arquette y Hawke no son maquillaje, como tampoco es un aplique de goma algunos kilitos demás de los actores. Ni la barba incipiente de Ellar Coltrane.
Más allá de los detalles técnicos, está el contenido el film que nos muestra esos “momentos de vida” a los que alude el título, la relación de un niño con sus padres separados, y los dos matrimonios sucesivos de su madre con padrastros golpeadores. Así como la relación entre adultos que han decidido tomar caminos distintos pero tienen en claro que hay un hijo producto del amor.
Y aún más allá, si se quiere en un plano metafísico (el “metá ta physiká de Aristóteles), están los diálogos, nutridos de verdades irrefutables, espontáneos pero trabajados, sin una coma que altere el sentido existencial que tienen.
Resulta un film notable, conmovedor, tocante, fuera de lo común por sus características, pero tan cerca de cada uno de nosotros que maravilla, sorprende. Las actuaciones no tienen parangón. Ethan Hawke es el actor “fetiche” de Linklater porque es evidente que conoce lo que este gran director quiere y lo ha demostrado en su reconocida trilogía (filmada al mismo tiempo que esta película). Patricia Arquette se deja seducir por su personaje y nos regala una “madre” de verdad, mientras que Ellar Coltrane deja el retrato vivo de los avatares del ir creciendo, transparente, sin artificios.
Un párrafo especial merece la banda de sonido armada por el propio director en base a “soundtracks” y artistas que marcaron su propia vida como “Yellow” de Colplay, “Crazy” de Barkley, “Could we” de Cat Power, “Band on the run” de Paul McCartney, entre otros.
Film épico sobre la vida misma. Un trabajo superlativo de Richard Linklater. Es imperativo ver esta película, que quedará como uno de los grandes hitos de la historia del cine.
Elsa Bragato
LOS ELEGIDOS
De Rodolfo Mortola. Con Pablo Heredia, Florencia Otero, Rodrigo Ogsende, Daniel Tedeschi, Norma Argentina, Gonzalo Javier Alvarez. Música de Luis María Serra y Sebastián Coll. Duración: 76 minutos.
REGULAR. RAMPLONA HISTORIA DE AMOR
La iglesia, el párroco, el comedor popular, son elementos más que frecuentes en el cine argentino de todos los tiempos. Y, a estas alturas, resultan muy poco atractivos. En “Los elegidos”, Rodolfo Mortola aborda un tema poco frecuente: dos jóvenes del interior que vienen a la capital para estudiar canto lírico. Una buena idea, diferente. Sin embargo, muy pronto cae en el folletín burdo, sin gracia, que no puede ser salvado ni siquiera por una fotografía correcta ni con la cara bonachona del cura bonachón y eruditoi.
La historia de los hermanos Martín y Román que se enamoran de Estela, una chica que canta en boliches de mala reputación, uno bueno y el otro malo, nos remite a los bíblicos Caín y Abel y luego a cualquier historia de amor elemental. El sinfín de estructuras es absolutamente lineal: la pobreza, las ilusiones, la chica que se enamora de uno pero coquetea con los dos, la locura del “malo”, la muerte, la cárcel. Y la presencia del cura bueno que ayuda al hermano mayor como guía espiritual.
La cuestión, en todo caso, no es lo que se cuenta sino más bien desde qué lugar se plantea la historia. Y el planteo es, en este caso, precario. No se ahonda en los personajes, se los “sobrevuela”, y no se apuntala la dirección actoral por lo que, además de los clishés enumerados, hay bajones interpretativos muy notorios.
Hoy en día las historias de amor requieren mucho más. Carisma, enfoques menos rutinarios, diálogos menos comunes, aunque la historia de amor entre un hombre y una mujer tenga, en definitiva, los mismos elementos constitutivos. No nos convenció para nada. Como tampoco la banda sonora. Faltó “pathos” y “la razón de ser” de una trilogía que daba para mucho.
Elsa Bragato
¿SOLO AMIGOS?
De Mike Dowse. Con Daniel Radcliffe, Zoe Kazan, Rafe Spall, Adam Driver, entre otros. Duración: 102 minutos.
BUENA. ROMANCE EN UNA COMEDIA LIVIANA
En contraposición a “Los elegidos”, surge la comedia romántica “Solo amigos?”, entre Wallace (Radcliffe) y Chantry (Kazan), dos amigovios que no dan el brazo a torcer para concretar sus sentimientos. Hay gran química entre los protagonistas que lucen bien, son atractivos desde todo punto de vista, aunque la historia no les permita avanzar rápido en el amor: ella tiene un noviazgo formalizado. Pero “Cupido” se las ingenia y, luego de un encuentro casual en una fiesta, de poesías sujetas con imanes en una heladera, de la fascinación por la comida preferida de Elvis Presley (pickles, manteca de maní y un enorme pan), hay un paulatino acercamiento entre los jóvenes.
El film tiene varios atractivos para el público joven: los diálogos son ingeniosos, brillantes, actuales. Los acompaña una ciudad luminosa: Toronto. Y estas idas y venidas de un amor que no se decide a ser pero que está. Daniel Radcliffe deja su conocida magia de “Harry Potter” para encarar otra más humana: la magia del amor. Zoe Kazan aporta simpatía y belleza, más allá de cierta inexpresividad.
Amistad y romanticismo dentro de un buen marco. Sin otro objetivo que el de agradar durante un rato.
Carlos Pierre
REFUGIADO
Guión y dirección de Diego Lerman. Con Julieta Díaz, Sebastián Molinaro, Marta Lubos, entre otros (coproducción entre Argentina, Francia, Polonia, Colombia y Alemania). Música de José Villalobos. Duración: 95 minutos.
MUY BUENA. INTENSO THRILLER SOBRE VIOLENCIA DE GÉNERO
Diego Lerman acude a su experta mano de realizador para encarar la violencia de género, crudamente, centrando la historia en una mujer golpeada y su pequeño hijo (Julieta Díaz y Sebastián Molinaro respectivamente) que huyen del marido golpeador. Es una huida desesperada que los lleva desde el monoblock de Lugano hasta el Tigre, pasando por refugios comunitarios y hoteles, en búsqueda de la vida, de la salvación. Un detalle bien utilizado para el clima del film es la ausencia del golpeador, está, se huye de él, pero no se lo ve.
Y Lerman mete su cámara en la psiquis de esta mujer golpeada y tal vez embarazada, mostrando un conmovedor y profundo registro del miedo que generan el abuso físico y psicológico.
El guión no tiene fisuras aunque en algún momento decaiga la tensión (especialmente cuando los protagonistas llegan al Tigre). Y las actuaciones son estupendas, algo que no extraña en Julieta Díaz.
Es un thriller psicológico pleno de suspenso y de angustia, sustentado en una fotografía esmerada y hasta deslumbrante por momentos, aunque el universo d elos personajes esté devastado. Un muy buen film nacional.
Carlos Pierre
CANTINFLAS
De Sebastián del Amo. Con Óscar Jaenada, Michael Imperioli, Ilse Salas, Luis Gerardo Méndez, entre otros. Música de Roque Baños. Duración: 102 minutos.
MUY BUENA. MERITORIO TRIBUTO AL GRAN “CANTINFLAS”
La vida del gran Mario Moreno, “Cantinflas”, era más que esperada. Icono mexicano del humor, su vida personal y artística merecía este reconocimiento. No olvidemos que sus films fueron éxitos en los cines argentinos y latinoamericanos, alcanzado la fama mundial en 1956 con “La vuelta al mundo en 80 días”, que logró cinco Oscars en rubros técnicos, y eje de esta película.
Sebastián del Amo tomó dos pivots: los prolegómenos de la realización de “La vuelta al mundo…”, y los comienzos de “Cantinflas” hasta llegar al cine, con diferentes oficios, filmados en blanco y negro. Mientras que la realización del film, con Michael Todd encarnado por Michael Imperioli, como productor (esposo entonces de Elizabeth Taylor) está realizada en color. El pasado y ese presente de Mario Moreno van yuxtapuestos de manera coherente, resultando un logro de síntesis dado que la extensa y rica vida de Moreno habría sido imposible de compilar en poco más de una hora y media.
Entre tantos aspectos, se toma su compromiso social con los desvalidos, así como su encomiable participación en la Asociación de Actores, donde sustituyó al célebre Jorge Negrete como líder sindical, y también su tarea en La Casa del Actor que fundó.
Destacamos al actor catalán Oscar Jaenada, quien ganó el casting para interpretar a Cantinflas con sobradas razones: desde su parecido físico incluyendo las inflexiones de voz y su enorme admiración por Mario Moreno. El personaje lo obligó a estudiar los modismos tan peculiares de Cantinflas.
Vale recordar que Mario Moreno había rechazado en principio su participación porque la propuesta de Michael Todd no lo había convencido. Cuando la mejoró, en calidad de protagonista junto a David Niven, Shirley McLaine y más de 40 estrellas de cine, entonces dio su “sí”. Si bien “Cantinflas” no ganó el Oscar como mejor ganor, obtuvo el Globo de Oro en ese rubro y comenzó una carrera internacional fantástica. Elogiado, amado, admirado, Mario Moreno fue calificado por Charles Chaplin nada menos como “el mejor comediante del mundo”. Este film lo refleja y vale la pena de pe a pa.
Carlos Pierre



jueves, 23 de octubre de 2014

MICHAEL CAINE, JULIANNE MOORE, MARTÍN BOSSI, EN LA CARTELERA DE CINE, JUEVES 23



JUEVES 23 DE OCTUBRE DEL 2014.-
Hay seis estrenos de los cuales dos son nacionales. Entre éstos, “Barroco”, de Estanislao Buisel, que se estrena en una sala alternativa, fuera del circuito comercial. Entre las cuatro extranjeras, está “Max en Dinoterra”, animación de Jerry Ching, creador de la saga del león Max.
El hecho notable es el relanzamiento, a 40 años de su estreno, de “La Mary”, film antológico de Daniel Tinayre, con Susana Giménez y Carlos Monzón, que dio origen a una de las parejas más tormentosas de la farándula en la vida real.
POLVO DE ESTRELLAS
De David Cronenberg. Guión de Bruce Wagner. Con Julianne Moore, Mía Wasikowska, Robert Pattinson, John Cusack, Sarah Gadon, Olivia Williams, entre otros. Música de Howard Shore. Duración: 111 minutos.
BUENA. EL “PATIO DE ATRÁS” DE HOLLYWOOD
La obsesión por la fama en la meca del cine es el eje argumental de este nuevo film del gran David Cronenberg (“Una historia violenta”) en el que surge un ácido entretejido de humor negro, sarcasmo, y profundamente corrosivo dentro de una familia de Hollywood.
Film coral, Cronenberg desnuda la trastienda de la “ciudad del cine” con personajes “out of order”, locos o enloquecidos, como el terapeuta de moda que compone John Cusack, quien escribe best-sellers de autoayuda, mientras atiende a una actriz venida a menos, a cargo de Julianne Moore (obtuvo el premio a la mejor actriz en el festival de Cannes). O el chofer de limusina, encarnado por Robert Pattinson, alejado de los vampiros, que aspira a ser escritor. Su relación con la hija de una familia de esquiva fama y acuciada por los fantasmas de los recuerdos, recién salida del psiquiátrico, agrega una cuota de perturbación en la gama de personajes surgidos de Cronenberg y Wagner.
El drama estrictamente familiar se trasciende a sí mismo con la incorporación de esta galería de pequeños monstruos humanos, llenos de carencias, mediocres y acuciados por ser lo que no son y como sea, obligando a muy buenos cruces actorales, especialmente de Julianne Moore. Cronenberg resulta siempre inquietante, fuerte, y sin cortapisas. Si bien no es el mejor de sus títulos, es un film que atrapa.
Carlos Pierre
UN AMOR EN TIEMPOS DE SELFIES
Guiòn y dirección de Emilio Tamer. Codirección de Federico Finkielstain. Con Martín Bossi, Carlos Balá, Graciela Borges, María Zamarbide, Manuel Wirtz, Roberto Carnaghi, Luis Rubio, entre otros. Música de Mauel Wirzt.
BUENA. DEBUT ROMÁNTICO PARA MARTÍN BOSSI
El éxito más que merecido de Martín Bossi en el teatro bajo la dirección de Emilio Tamer llevó a cierto apresuramiento para lanzarlo en el cine con un protagónico en un film cuyo guión tiene ciertos “colaterales” que no convencen.
Si bien ya había compuesto un interesante papel en “Viudas”, de Marcos Carnevale, junto a Graciela Borges, Bossi encara su primer papel y, junto a él, lo hace la sugestiva y promisoria María Zamarbide, dueña de un rostro especial. Lo secundan sus compañeros de teatro Manuel Wirzt y “Carna” (impresionante en la composición de Javier Portales en la obra teatral).
Es una comedia romántica, basada en un actor del “under” que dicta clases y una alumna, representante de un medio de comunicación masiva; el amor entra en crisis y llega a las redes sociales, tema que Bossi aborda en “Big Bang Show”. Y surge la cuestión que no convence: se echa mano a personajes mediáticos para redondear este hecho, desde Marcelo Polino a los productores de Showmatch, con lo cual la premisa inicial pierde fuerza y entra en declive narrativo.
A nivel técnico, nada hay que reprochar. San Telmo es el marco de esta historia de amor y se lo aprecia a través de una cuidada fotografía. Hay una buena dirección actoral de la que hacen gala quienes son realmente actores, pero este nivel decae cuando se incluyen los personajes mediáticos que están acostumbrados a moverse frente a cámaras de tevé y no de cine. Disfrutable.
Carlos Pierre
ANNABELLE
De John Leonetti. Con Annabelle Wellis, Ward Borton, Alfre Woodard, entre otros. Música de Joseph Bishara. Duración: 98 minutos.
BUENA. PRECUELA DE LA “MUÑECA MALDITA”
En el 2013 se vio la excelente “El conjuro” de James Wan, donde nos contó la historia de la muñeca “Annabelle”, poseída, que obligó, en 1970 y de acuerdo a algunos hechos reales, a que Ed y Lorraine Warren, reconocidos parapsicólogos, tomaran el caso y hoy la mantengan encerrada en una vitrina del Museo del Ocultismo, en Connectitud, USA.
El realizador Leonetti, director de fotografía de “El conjuro” (James Chan es productor de esta precuela), trabajó la idea de alguien comprara la muñeca maldita “Annabelle” antes de que llegara al hogar que dio origen a “El conjuro”. En este caso, el matrimonio compuesto por Mía y John espera el primer hijo y el marido desea complacer a su esposa, adoradora de las muñecas, regalándole la conocida “Raggedy Ran” llamada Annabelle (como curiosidad, es el nombre real de la actriz que encarna a “Mía”). Obviamente, las consecuencias serán tremendas, sangrientas, entre “El exorcismo” y un toque de “El bebé de Rosemarie”. La narración es sostenida, mantiene en vilo al espectador, y el final, aunque previsible, es un alivio deseado para tanta adrenalina acumulada desde la butaca.
Hay varios elementos interesantes dentro de un film bien estructurado y de bajo presupuesto: la fotografía, la música que subraya los momentos de tensión, el trabajo del sonido, los efectos especiales. Recordemos también que John Leonetti fue el fotógrafo de “Chucky, el muñeco maldito” de 1991 y tiene, entre otros títulos propios, “El efecto mariposa”. Una auténtica “spin-off” para disfrutar del terror… aunque sea la hermanita menor de “El conjuro”.
NdeR: “Raggedy Ran” es una marca de muñecas de trapo que surgió en 1915 de la mano de un ilustrador, para luego ser fabricada en escala, con gran éxito de ventas en los Estados Unidos.
Elsa Bragato
EL ÚLTIMO AMOR
De Sandra Nettelbeck. Con Michael Caine, Clemence Poesy, Justin Kirk, Michele Goddet, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración: 116 minutos.
BUENA. SOBERBIO MICHAEL CAINE EN MEDIOCRE CLISHÉ
Michael Caine está a sus anchas en este film cuyo eje es un hombre de su edad, ochentoso, digno, a quien la vida pone en el camino a una joven, Pauline (Clemence Poesy), con quien de a poco se permite soñar con una segunda oportunidad, tras su repentina viudez. Pero tiene hijos codiciosos que regresan cargados de reproches. Una vuelta de tuerca de la vida y del guión enfrenta a padre e hijo en una situación inesperada y será allí donde todos los clishés asomen y, a pesar de ellos, uno siga disfrutando de este notable actor, entrañable y enorme.
París, con su magia mítica, y este gran actor inglés nos subyugan desde el comienzo. Sus gestos, sus modulaciones, su dolor y su alegría, manejados con flemática argucia, nos llevan casi de las narices a través de un personaje que trasciende la mediocridad del guión, o al menos su previsibilidad.
Nada hace mella en Michael Caine quien se ajusta a un personaje pero lo transmuta en una lección de actuación, “comiéndose” literalmente la película. Solo por Caine vale la pena ir al cine.
Elsa Bragato


jueves, 16 de octubre de 2014

"EL JUSTICIERO", "LA ESPOSA PROMETIDA" Y "EL AMOR Y OTRAS HISTORIAS", ESTRENOS DE CINE JUEVES 16



JUEVES 16 DE OCTUBRE DEL 2014.-
Hay ocho estrenos de los cuales tres son nacionales, entre ellas, “Rosa Fuerte”, de María Laura Dariomerlo, con Leticia Bredice y Pablo Rago nos cuenta la historia de una pareja joven en crisis y “Diamante”, de Emiliano Grieco es un documental sobre Ezequiel, adolescente que vive en el Delta del Paraná.
Entre las extranjeras tenemos la película infantil “El libro de la vida”, de Jorge Gutiérrez, con las voces de Diego Luna, Zoe Saldana y Channing Tatum, con la música del argentino Gustavo Santaolalla y “Casa grande”, de Felipe G. Barbosa, que nos narra los avatares de los jóvenes de clase alta en el Brasil.
EL AMOR Y OTRAS HISTORIAS
Coproducción argentino-española, escrita y dirigida por Alejo Flah. Con Ernesto Alterio, Luis Luque, Julieta Cardinali, Mónica Antonópulos, entre otros. Duración: 90 minutos.
BUENA. PERIPECIAS AMOROSAS ENTRE BAIRES Y MADRID
Esta ópera prima de Alejo Flah tiene mucho para gustar y algunas cosas para apuntar desde el modesto lugar del crítico y espectador. Ernesto Alterio encarna a un guionista que debe escribir una comedia romántica a filmar en España y no encuentra muchos recursos propios para hacerla dado que su propia vida personal es un desastre. Su ex, a cargo de Julieta Cardinale, lo abandonó,  y su amigo (Luis Luque) solo tiene decepción y escasez de dinero. Hay un amor del pasado (Mónica Antonópulos) que puede ser la clave para abrir su oprimida inspiración.
La fotografía que Alejo Flah encara, a través de su buen equipo técnico, es atractiva, desarrollada en calles y paisajes tanto porteños como madrileños. El tema está en la difícil confluencia de ambas historias, es decir, la vida “real” del protagonista y la “vida de ficción” que debe escribir, y cuándo una se convierte en la otra. Un ardid ya conocido y transitado en el cine internacional y nacional pero siempre simpático, especialmente si su protagonista es un buen actor como Ernesto Alterio y tiene un gran elenco como sustento. Agradable comedia romántica.
Carlos Pierre
EL DADOR DE RECUERDOS
De Phillip Noyce. Con Jeff Bridges, Meryl Streep, Brenton Thwaites, Katie Holmes, Taylor Swift, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 97 minutos.
BUENA. MUNDO VIRTUAL PARA EL FUTURO
El realizador de la excelente “Juego de patriotas”, Phillip Noyce, regresa con esta película de ciencia ficción en la que se repite el esquema de un mundo futuro donde hay un “gran ojo” que maneja la vida de los seres humanos supuestamente “felices” porque carecen de recuerdos y de emociones, con una salvedad: hay un “dador” de recuerdos.
Meryl Streep encarna a la “dictadora” o manipuladora de este régimen totalitario al que es tan afecto el cine de Hollywood de los últimos tiempos, mientras que “El dador “ (The giver, en el título original en inglés) es un barbado y avejentado Jeff Bridges.
El recurso técnico bien empleado por Noyce está dado por el blanco y negro y el color: el primero acentúa la ausencia de emociones de los personajes, jóvenes controlados muy severamente, siendo uno solo el capacitado para “recibir los recuerdos”, personaje que encarna Brenton Thwaites. Un anciano es el que posee la memoria del pasado, papel que encara Jeff Bridges, afecto a estos personajes extraños aunque sin llegar al extremo de Johnny Depp. El color aparece cuando un joven elegido puede acceder a las emociones.
El guión está basado en la novela de Lois Lowry, escritora norteamericana de libros infantiles siendo los más afamados éste, “The giver”, y “Quién cuenta las estrellas” que recibieron el premio Newvery. Por ser de la década del 90 no podemos dejar de pensar que alguna influencia debió tener de “1984”, de George Orwell, creador del “Big brother”.
El film da para mucho más que la historia en sí permitiéndonos el planteo de un futuro donde las sociedades se tornan menos flexibles, están manejadas por pocos que ostentan poder y dinero, y las ciudades son verdaderas cárceles donde lo lindo y vistoso así como lo feo y desagradable están manejados “desde arriba”. Títeres llamados ciudadanos. Y, aunque surja de un éxito de librería, llama la atención que esta lectura esté dedicada a los niños y jóvenes.
Carlos Pierre

LA ESPOSA PROMETIDA
De Rama Burshtein. Con Hadas Yaron, Yiftach Klein, Irit Sheleg, Chaim Sharir, entre otros. Música de Yitzhak Azulay. Duración: 90 minutos.
MUY BUENA. LA ORTODOXIA JUDÍA EN UNA FASCINATE HISTORIA
La historia real de una joven prometida judía próxima a contraer enlace con el viudo de su hermana, fallecida al dar a luz, conmovió a Rama Burshtein y la llevó a realizar este primer largometraje que nos introduce en el judaísmo ortodoxo, específicamente en la comunidad Haredi en Tel Aviv. Las exigencias de la ortodoxia impiden filmar por lo que Burshtein, practicante religiosa, nos revela un mundo secreto, inaccesible y rico en emociones.
“Shira” es la hermana de una joven mujer que fallece, la encarna la bella actriz Hadas Yaron; presa de confusión y contradicciones, debe contraer enlace con el viudo, encarnado por el actor Yiftach Klein como “Yochay”. La narración es fluída y mantiene una tensión creciente que se corta por momentos cuando focaliza las danzas tradicionales judías o bien los cantos y saludos alrededor de la mesa familiar.
Es muy interesante además el manejo de la cámara de Burshtein y cómo indaga narrativamente en la psiquis de “Shira” y en el comportamiento de “Yochay”. El diálogo entre ambos, la sencillez y espontaneidad de “Shira”, forman parte de una realidad que empezamos a conocer: la esposa “prometida” no está obligada a casarse, puede elegir. Y he aquí el “quid” del relato, basado en esta disyuntiva cuyo eje es el amor como único motor de cualquier relación mostrándonos costumbres que asombran y conmueven a la vez.
Además hay una delicadeza en el tratamiento de los personajes que resulta emotiva, tocante. Burshtein descorre un velo blanco y vaporoso sobre una tradición rica, se detiene en el vestido de novia, en las manos entrelazadas y no oculta la timidez de la mujer virgen ante el joven experimentado. Deliciosas secuencias. Y ayuda a la historia de los protagonistas con personajes secundarios fantásticos como la tía sin brazos y la amiga “casadera”. Un retrato de familia y de costumbres riquísimo y una narración que denota maestría.
Elsa Bragato

EL JUSTICIERO
De Antoine Fuqua. Con Denzel Washington, Chloe Grace Moretz, Marton Csokas, Melissa Leo, Haley Bennett, entre otros. Música de Harry Gregson-Wiliams. Duración: 131 minutos.
MUY BUENA. POLICIAL CON TODAS LAS DE LA LEY
Antoine Fuqua tiene en su curriculum la estupenda “Día de entrenamiento”, con Denzel Washington, uno de los actores afroamericanos más dúctiles de todos los tiempos. “El justiciero”, conocido en inglés como “The equalizer”, es una película que hace honor a su estilo directo, de planos medios, con elipsis que no dejan ninguna historia sin narrar aunque no estén contadas, y con la acción que lo caracteriza, entre el realismo de Tarantino y las primeras películas de John Turturro.
El film toma como base la serie televisiva del mismo nombre y se centra en la vida de un oficial de inteligencia retirado que dedica su tiempo a ayudar a los indefensos. El caso de la joven prostituta Teri (una dulce Chloé Moretz) lo enfrenta a la mafia rusa y allí surgen los efectos especiales que muestran la capacidad de matar de “Roberto McCall” (Denzel Washington).
No hay mucho descanso para el espectador, salvo secuencias muy bien llevadas de diálogos entre el oficial y la prostituta, que muestran la maestría narrativa de Fuqua para implantar esos remansos de paz en medio de un film de tremenda acción, adrenalínico y brutal.
Sin vueltas, este policial tiene todos los ingredientes del género con tratamientos de sonido en posproducción notables, remarcables, que imprimen una sobredosis de perturbación así como la banda sonora de Harry Gregson-Williams quien, por momentos, utiliza una sola nota con fuerte percusión para ir creciendo en una explosión orquestal donde hay desde coros hasta instrumentos electrónicos. Al mismo tiempo, Denzel Washington y Antoine Fuquá hacen de las suyas en la pantalla. No se la pierda.
Elsa Bragato