"EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA", "BLANCANIEVES", "FERMÍN" Y "EL SECRETO DE LUCÍA", ESTRENOS DEL JUEVES 24

JUEVES 24 DE ABRIL DEL 2013.-

Hay nueve estrenos, siete de los cuales son argentinos, entre éstos, los documentales “El otro Maradona”, de Ezequiel Luka y Gabriel Amiel sobre Goyo Carrizo, amigo de Diego Maradona; “Humano”, de Alan Stivelman, sobre un viaje a Los Andes de un joven para encontrar una razón a su existencia, y “La cáscara rota”, de Florencia Mujica, sobre la explotación laboral que haría una exportadora de huevos de gran importancia en el país.

Entre las ficciones nacionales recomendables, con sus más y sus menos, están “Fermín”, de Hernán Findling y Oliver Kolker, que nos devuelve a Héctor Alterio a las pantallas nacionales junto a Gastón Pauls y Luciano Cáceres, entre otros, con música de Liandro Adrover y una duración de 117 minutos. El planteo de un hombre que está en un neuropsiquiátrico y responde con letras de tango está muy bien resuelto a nivel narración y, por lo tanto, fotografía. Hay agilidad de cámara y de puesta en escena. “El secreto de Lucía”, de Becky Garello con Carlos Belloso, Emilia Attias, Turco Naím, Javier Navarro, Arturo Bonín, Roberto Carnaghi, con música de Iván Wiszogrod, tiene una excelente puesta jugada por un elenco de primer nivel. Nos cuenta la historia de una cantante y bailarina de flamenco que busca sus raíces y que vivirá diferentes situaciones con quienes la ayudan eventualmente.

Finalmente, en el caso de “Los tentados”, estamos frente a la segunda obra de Mariano Blanco, presentada como la anterior ( “Somos nosotros”) en el BAFICI. Nacido en Ituzaingó, el cineasta ha subrayado la necesidad de no escribir un guión en forma completa sino de filmar e ir escribiéndolo al seguir a los personajes. En el caso de la pareja protagónica, que vive una relación con diversos matices, esta buscada espontaneidad muchas veces la torna poco atractiva para el espectador, con secuencias muy extensas y poco ritmo narrativo.

EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA 2

De Marc Webb. Con Andrew Garfield y Emma Stone, Paul Giamatti, Jamie Foxx. Música de Hans Zimmer. Duración: 142 minutos.

BUENA. UNA SAGA QUE SIGUE RINDIENDO DIVIDENDOS

Luego de la trilogía de Sam Raimi, llega Marc Webb con su sorprendente hombre araña y un dúctil Andrew Garfield en el rol, más expresivo que Toby Macguire en muchos aspectos. Buena química con Emma Stone y con vuelos del hombre arácnido realmente espectaculares sobre la ciudad de New York. Los malvados aparecen, con dosis de humor, hay malvados y “malitos”, y el juego entre el bien y el mal explota en la pantalla con excelentes coreografías y planteo del 3 D. Contar la historia nos parece que está demás. Pero sí decimos que Jamie Foxx es un Electro que le pone sal a una historia conocida pero siempre bienvenida. Lo cierto es que el film es pochoclero con un diseño de arte fantástico, no tiene más objetivo que el de entretener, no apunta a desentrañar ninguna cuestión social si bien plantea los secuestros de aviones y situaciones de reciente data con lo que la historia se aggiorna. Puro entretenimiento. Los héroes de la gráfica siempre dan buenos dividendos.

Elsa Bragato

BLANCANIEVES

De Pablo Berger, con Maribel Verdu, Macarena García, Angela Molina, entre otros. Música de Alfonso Villalonga.

MUY BUENA. CRUEL E IRÓNICA VERSIÓN DEL CLÁSICO CUENTO

Hace dos años, este film mudo y en blanco y negro, siguiendo el camino marcado por la exquisita “El artista”, ganó 10 premios Goya en España y otros tantos en diversos festivales. Pablo Berger se enamoró de los cuentos de los hermanos Grimm y luego se sintió atraído por los enanos toreros de  Cristina García Rodero. Así inventó su Blancanieves torera, con aires de Cenicienta, una madrastra feroz, cruel y seductora. Hay escenas crueles que, a nuestro entender, son siempre innecesarias sobre todo cuando se trata de seres indefensos.

Sin entrar en la anécdota pormenorizada, los enanos toreros son un hallazgo de Pablo Berger en este film así como el personaje de Maribel Verdú, bellamente perversa. Hay que plantearse, para ver a esta película desde un punto de vista adulto, dónde está la femineidad, si en la masculinidad de la lidia con un toro o en la esencia seductora. El blanco y negro acentúa la belleza y la brutalidad de una historia que surge de un cuento infantil y se transforma, por obra y gracia de Pablo Berger, en una historia de adultos crueles. ¿Alguna semejanza con la realidad (SIC)? Para fans del actual “cine arte”. Un cine especial, muy bien realizado.

Elsa Bragato

BUSCANDO AL HUEMUL

De Juan Diego Kantor. Guión de Ricardo Robins. Con Ladislao Orosco, Nazareno Rodríguez, Georgina Angelacio, entre otros. Música de Ignacio Correa y Javier Fassina. Duración: 78 minutos. Formato HD Digital.

REGULAR. EL HUEMUL, AUSENTE SIN AVISO

Es curioso que una película destinada a un ciervo autóctono como el huemul, en vías de extensión, no nos muestre ni el hocico de este hermoso animal que aún subsiste en el sur argentino. Apenas una huella y unos pocos pelos. Muy poco para semejante búsqueda que inician dos mapuches por montañas y bosques andinos, lagos y caminos. Los dos hombres intentan encontrar a nuestro ciervo para determinar su permanencia o bien su resistencia a desaparecer frente a la introducción de ciervos exóticos y la caza furtiva que, en definitiva, no lo es tanto. Los mapuches y el huemul, hermanados por un mismo destino aunque del animal no humano no tengamos ni la más mínima señal en un film que le está dedicado desde el título.

Filmado en San Carlos de Bariloche, Río Negro, la película nos presenta varios problemas narrativos: muchas secuencias, si no la mayoría, carecen de espontaneidad, resultan prefabricadas, artificiosas, sujetas a un férreo guión atentando contra el relato que cuenta, como dijimos, con la insólita ausencia de su protagonista, el huemul. También podemos ser benévolos y pensar que es el “quid” del film, pero los objetivos del mismo no nos cierran con esta última hipótesis.

Hay un testimonio del Perito Moreno en el comienzo indicando que el huemul prefería zambullirse al lago y morir antes que ser alcanzado por una jauría de perros. A pesar de esta lapidaria y real premisa, resulta inconsistente una narración donde la búsqueda sea solo eso y el objeto de tantos afanes no muestre ni la punta de una oreja. Es un film que deja boquiabiertos por lo insólito.

Carlos Pierre

"HIJO DE DIOS", "DIVERGENTE", "ELLA SE VA" Y "EL GRITO EN LA SANGRE", RECOMENDADOS JUEVES 17

JUEVES 17 DE  ABRIL DEL 2014.-

Hay siete estrenos que incluyen cuatro films nacionales. “El grito en la sangre”, del director cordobés Fernando Musa, llega al cine luego de 7 años de ser rodada en San Luis con un protagonista de lujo, Horacio Guarany, basado en el tercer libro del artista, “Sapucay”. “Osos” es un documental de Disney filmado en Alaska (bellísimas secuencias) con la vida de dos osas que enseñan a sus crías a sobrevivir. “Los dueños”, de Ezequiel Radusky y Agustín Toscano, ambos tucumanos, es una ficción opera prima galardonada en Cannes en La semana de la crítica.

HIJO DE DIOS

De Christopher Spencer. Con Diogo Morgado, Roma Downey, Amber Rose Revah, Darwin Shaw, Joe Wredden, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración: 138 minutos.

BUENA. UN APORTE VALIOSO AL CINE HISTÓRICO-RELIGIOSO

Christopher Spencer, aún con el peso histórico de más de 125 films realizados sobre la vida de Jesús de Nazareth, sale airoso de esta prueba de fuego por el tratamiento sobrio y digno que le dio a la vida de Jesús. Acierta también en el acento más político que le impone a esta narración sobre la vida, milagros y muerte del Hijo de Dios.

Tres detalles significativos manejó el realizador: primero, la figura de Jesús encarnada por el actor portugués Diogo Morgado, que se ajusta a la imagen que tenemos, obviamente heredada de las pinturas italianas del Renacimiento. Segundo, todos los pasajes de la vida del Mesías católico fueron realizados con prolijidad, breves y significativos, como láminas de hace 20 siglos que cobran vida, y, en tercer término, la geografía panorámica de Marruecos, donde se filmó. Hay además efectos visuales deslumbrantes y, como corolario positivo, puede hacer gala de su propia inspiración.

Christopher Spencer es diferente, aún en la similitud histórica, a “Rey de reyes”, de Nicholas Ray, a “El evangelio según San Mateo” de Pier Paolo PAsolini, a “Jesús de Nazareth” de Franco Zeffirelli, de “Jesús de Montreal” de Denis Arcand, y la más actual y veraz y dolorosa “La pasión de Cristo” de Mel Gibson.

El film se estrena en más de 60 países para esta Semana Santa y es un valioso aporte, como indicamos, bien logrado, impactante, aleccionadora, sin ningún objetivo pedagógico sino de relato histórico y, por cierto, religioso. Es una renovada versión que vale la pena ver.

Carlos Pierre

ELLA SE VA

Direccion y guión de Emmanuelle Bercot. Con Catherine Denueve, Nemo Schiffman, Gerar GArouste, Mylene Demongeot, Camille, entre otros. Duración: 113 minutos.

BUENA. ROAD MOVIE EXISTENCIAL CON CAATHERINE DENEUVE

Hace una semana la pantalla nos devolvía la imagen de una entrañable Jeanne Moreau, 85 años. Ahora el turno es para la más joven Catherine Deneuve (72 años), ícono del cine francés que sucedió en el trono a Brigitte Bardot, al punto de tener una estatua que la representa como la esencia de la cinematografía gala.

Denueve se pone en manos de la realizadora y actriz Emmanuelle Bercot para esta road movie a la francesa, entre romántica y nostálgica, aludiendo a la vida transcurrida en el personaje que interpreta. Es una mujer con una vida opaca, que regentea un restaurante, con una madre absorbente y un amante ya perdido. De buenas a primeras, decide abandonarlo todo y marcharse en un coche para recorrer, a la deriva, las autopistas de su país, alguna que otra posada, alguna aventura pasajera.

Se siente vacía, rechazada por una sociedad que elige solo a los jóvenes, y se desespera por un cigarrillo en plena ruta a los que olvidó en su intempestiva salida del hogar. Ex miss de su país, se reencuentra con otras colegas, entre las que aparece Mylene Demongeot.

El film se va alejando de la melancolía porque la protagonista está abierta a otras sensaciones, a la vida en sí, a una nueva pareja, al reencuentro con su hija. Catherine Deneuve compone a una atípica abuela francesa, inconformista, plena de sabiduría. Sobrevuela el film un aire bienhechor y muy femenino en el que muchas espectadoras pueden encontrar un espejo. Además, hay una interesante crítica al tejido social que, en pleno siglo XXI, sigue teniendo discriminaciones por edad, por sexo.

En definitiva, es una lograda comunión entre la realizadora Emmanuelle Bercot y la vigente Catherine Deneuve, un film cálido, amable, una comedia existencial para disfrutar.

Carlos Pierre

EL CRÍTICO

De Hernán Guerschuny. Con Rafael Spregelburd, Dolores Fonzi, Ana Katz, entre otros. Música de Juan Blas Caballero. Duración: 98 minutos.

BUENA. DILETANTE VISIÓN DEL CINE DENTRO DEL CINE

Un inflexible y renombrado crítico de cine (Rafael Spregelburd), después de 20 años de profesión, se siente fastidiado por las comedias románticas. Y piensa que lo mejor del Séptimo Arte ya murió. Afrancesado (la influencia del cine francés está muy presenta en esta ópera prima de Guerschuny), habla de la “maladie du cinemá”, o sea la “enfermedad del cine”. Siguiendo su estructura gala, lanza furibundas reflexiones en francés. Para colmo, su esposa lo abandonó y, en la búsqueda de un departamento, se le cruza en el camino una mujer atractiva (Dolores Fonzi) que de cine e intelectualidad no sabe nada.

Es aquí donde el film de Guerschuny toma un fuerte tono de comedia romántica y es lo mejor de esta narración. Es curioso ver la transformación del disconforme crítico que empieza a vivir lo que detesta en el cine: un romance, su propia comedia romántica. Esto es tan así que se transforma en un hombre sensible capaz de llorar ante situaciones amorosas aún en la privacidad de las salas de proyección para críticos.

“Ese no sé qué del amor”, de Pierre Corneille, se le metió en el cuerpo y debe aceptar hasta la burla de sus colegas.

Esta película viajó por los más diversos festivales con muy buena aceptación. Sin embargo, hay que ver si el público aceptará este paseo por salas no comerciales, la vida de los críticos de cine y los cameos de algunos colegas que se ven en televisión. Es cine dentro del cine a pesar de una historia bastante atractiva, con sus más y menos en la realización.

Carlos Pierre

DIVERGENTE

De Neil Burger. Con Shailene Woodley, Kate Winslet, Theo James, Zoe Kravitz, Miles Teller, Ashley Judd, entre otros. Música de Junkle XL. Productor musical ejecutivo: Hans Zimmer. Duración: 139 minutos.

BUENA. OTRA SAGA, MÁS DE LO MISMO

“Divergente” es el comienzo de una nueva saga destinada al público juvenil, basado en los libros de la joven escritora Verónica Roth (25 años). Inició esta serie de historias cuando estaba aún en la Universidad.

Hay mucho para procesar tanto para el público como para la crítica. Los temas son variados y tienen similitud con “Los juegos del hambre” que tanto éxito tienen. La heroína, Tris Prior, encarnada por la joven Shailene Woodley (tan elogiada por su performance en “Los descendientes” como la hija mayor de George Clooney), no puede escapar de la comparación con la estupenda Jennifer Lawrence.

Las odiosas comparaciones son continuas: después de una guerra total, solo se salvaron quienes se resguardaron detrás de un sofisticado muro en la ciudad de Chicago. Están organizados en 5 facciones (en Los Juegos del Hambre eran 13), basadas en la personalidad de cada individuo. Así se puede pertenecer a Verdad (los sinceros), Abnegación (los altruistas), Osadía (los valientes), Cordialidad (los pacíficos) y Erudición (los inteligentes). Nuestra heroína escoge Osadía, pero le cuesta sentirse incluida porque es diferente. En realidad, es “divergente”, de allí el título. No quiere ser solo “osada” sino mucho más y no está de acuerdo con ese sistema totalitario y cruel.

Los tres libros escritos y aclamados en los Estados Unidos son “Divergente”, “Insurgente” y “Leal”, este último dividido en dos futuros films. Desde este primer film que se estrena estamos ante un mundo futurista y con signos claros de nazismo, tendencia que viene resurgiendo desde la implementación en televisión de “Gran hermano”, por ejemplo.

Kate Winslet compone a Jeanine Matthews, una especie de comandante del sistema totalitario. Por ahora, su papel no tiene la fuerza suficiente o al menos no convence. Da la impresión de que su presencia tiene que ver más con el “marketing” o “gancho” que un nombre tan prestigioso otorga a cualquier elenco.

A nivel técnico, el film es desbordante, trenes raudos, modernos, seguidos por los jóvenes de Osadía con enorme destreza e inclinación a la lucha. Por ahí asoma un pulcro romance que nos remite a otra saga, “Crepúsculo”. La joven escritora Roth debió verse muy impresionada por las sagas cinematográficas recientes y escribió la suya tomando los elementos de cada una de ellas que más influencia tuvieron en su espíritu. A pesar de tantas referencias, el film es atractivo para los jóvenes que, por lo menos, tienen una nueva referencia para sentirse atrapados por una historia.

Sí nos hace ruido la recurrencia al totalitarismo, a las divisiones sociales, y al nazismo creciente en Europa y que los medios masivos de comunicación como es el cine reflejen estas futuras nuevas sociedades. Los adultos tenemos obligación de pensar en estos mensajes cada vez menos subliminales.

Carlos Pierre

"GATO NEGRO" Y "UNA DAMA EN PARÍS", LO MEJOR DE LA SEMANA EN CINE

JUEVES 10 DE MARZO DEL 2014.-

Hay seis estrenos que incluyen dos nacionales sin privadas para la crítica: “Señales”, de Guido Rosetti, y “María libre”, de Leandro Baqueta. Entre las extranjeras, está “Las novias de mis amigos”, con Zac Efron como atracción, una comedieta americana sobre las relaciones actuales de pareja y, muy floja, con conocidas situaciones que rayan en el ridículo aunque arranquen alguna risa.

RÍO 2  en 3D

De Carlos Saldanha. Con las voces de Jesse Eisenberg, Anne Hathaway, Leslie Mann, Jamie Foxx, entre otros. Música de John Powell. Duración: 90 minutos.

BUENA. HISTORIA SIMPÁTICA PERO DESHILVANADA

Suele ocurrir que segundas partes no son tan buenas como las primeras. Río 2 no es la excepción. El simpático loro azul Blue vive ahora en Río con su mujer y sus chicos y, por cierta impensada manipulación del guión, deciden vivir en el Amazonas, donde las cosas no son tan simples.

Blue y familia se enfrentan a pájaros muy bellos (guacamayos) y presumen que hay otra familia de pájaros “blu” muy cerca. El argumento se complica con una pareja de exploradores americanos: de pronto aparece el malo que ataca la selva y esto cambia absolutamente el planteo inicial. Hay un cambio de ruta bastante inesperado en la trama.

Sería injusto decir que Carlos Saldanha no dota al film de color y de música: la secuencia inicial donde se ve una magnífica bahía de Río de Janeiro es una perfección, el ritmo de la ciudad, el samba, la alegría de su gente. Maneja muy bien el diseño del 3D para divertirnos con simpáticas coreografías y canciones. Pero esto dura poco y es lo que apuntamos. Le falta “nervio” a pesar de secuencias agradables y simpáticas como la de la Cacatúa que canta “I will survive” imitando a Gloria Gaynor.

La inclusión del Amazonas trae aparejado otro tema: el ecológico. El tema, el quid, pasa por la narración: hay mucho parlamento a raíz del salvataje que se debe enfrentar. Y “Blu” pierde protagonismo, superado con no pocos zigzags en el guión, por lo que todo luce interesante pero deshilvanado.

Ni dudar de que los chicos van a disfrutar el film, y les va a encantar Blu como su familia y seguramente se mostrarán atraídos por el Amazonas y su desmonte, un tema que debe hacernos razonar. El 3D funciona.

Elsa Bragato

GATO NEGRO

Dirección y guión de Gastón Gallo. Con Luciano Cáceres, Luis Luque, Leticia Bredice, Lito Cruz, Juan Acosta, Pompeyo Audivert, Paloma Contreras, Fabio Posca, Roberto Vallejos, entre otros. Duración: 120 minutos.

BUENA. IRREGULAR Y EFECTIVO POLICIAL

“Gato negro” es un policial con fuerte acento costumbrista. Nos relata la vida de “Tito Pereyra” (Luciano Cáceres), ubicando la historia en 1956 en Tucumán. Quiere salir de la pobreza y superar al padre ausente (Lito Cruz). Esta imperiosa necesidad de Tito está declarada desde el comienzo de la película, opera prima de Gastón Gallo, viéndoselo correr al costado de un tren. No le importa nada: solo superar su modo de vida. Changas, propinas, lustrabotas ya en Buenos Aires, algún pillaje, Tito será hasta polizón para llegar a Mar del Plata, donde está su padre, un dandy y jugador empedernido. Luego se lo verá en los 80 como un peleador de la vida y padrino del “hampa”.

Gastón Gallo pone todo y más al servicio de su opera prima. Se juega por una producción ambiciosa, costosa, por un elenco fantástico. Hay tumbos, hay “mareos” narrativos, que no deslucen las actuaciones ni tampoco la médula de la propuesta. Los primeros años tienen una pátina costumbrista que nos puede parecer muy de otra época pero, sin embargo, el realizador logra meternos en la atmósfera del “Tito niño”. Mientras que al “Tito adulto” le falta más desarrollo. Leticia Bredice, contundente aunque en una fugaz aparición, es la esposa de Tito. Soberbia la actuación de Luis Luque como un pertinaz delincuente, mientras que Luciano Cáceres como protagonista muestra su enorme solvencia actoral. Su personaje está bien delineado (otro de los méritos de Gastón Gallo), una persona que superó todos los obstáculos, hasta los afectivos, para dejar de ser pobre.

Estamos frente a una película nacional que tiene pasión, clima por momentos muy envolvente, con desniveles y con un título que puede confundirnos. El gato negro está pero no es determinante. Sin embargo, bien se pueden fundir las características de su pelaje con el alma atormentada del protagonista. Hay excesos pero no opacan esta megaproducción con la que Gastón Gallo se lanzó el mundo del largometraje.

Carlos Pierre

UNA DAMA EN PARÍS

Guión y dirección de IImar Raag. Con Jeanne Moreau, Laine Mägi, Patrick Pineau, entre otros. Música de Dez Mona. Duración: 94 minutos. Coproducción Francia-Estonia-Bélgica.

MUY BUENA, EL REGRESO DE UNA ACTRIZ INOLVIDABLE

A los 85 años, la inolvidable actriz de “Jules et Jim”, Jeanne Moreau, regresa a la pantalla con un protagónico cargado de sensibilidad. Es la “dama de París” que rescata el estoniano y multifacético realizador Ilmar Raag. Se basó en la propia historia de su madre quien, a los 50 años, divorciada y sola, se sintió abrumada por la vida.

Ilmar Raag le suma años a la protagonista para llevarnos a Jeanne Moreau y su “Frida”, una dama estoniana que dejó su país y se instaló en París. A instancias de un hombre muy menor, que encarna Patrick Pineau, convoca a una joven inmigrante de Estonia para que la cuide, y aquí aparece una fantástica Laine Mägi.

Sin mucha originalidad, Raag nos mete en la vida de estas dos mujeres, Frida y Anne, la primera con el despotismo de una anciana y la segunda, confundida por tantas exigencias y berrinches. Serán las caminatas a orillas del Sena, el hechizo metálico y consagrado de la Tour Eiffel, quienes le den alguna paz.

Se produce un fuerte y tirante duelo vivencial, y actoral, entre las dos mujeres, vehementes y creíbles en cada uno de sus gestos. Emociona ver a Jeanne Moreau componiendo a una mujer de su edad, retratando sus miedos y manías. “Frida” es una corona laudatoria para una imagen de mujer que representa la vanguardia del cine mundial, ese snobismo en el amar, ese rostro sensual e inconfundible. Nunca la olvidaremos. No se pierda esta película que refresca la estereotipada cartelera cinematográfica de los últimos años.

Carlos Pierre

"VIOLETTA EN CONCIERTO", "BETIBÚ" Y "NOÉ", ESTRENOS DEL JUEVES 3 ABRIL

JUEVES 4 DE ABRIL DEL 2014.-

Hay cuatro estrenos de cine, incluso dos adelantados al miércoles 2. Entre ellas, “Nadie Vive”, de Ryuhei Kitamura, la clásica semanal de asesinatos que es para fans del género. Y “Violetta, en concierto”, de Matthew Amos y Diego Bliffeld, exaltando el fenómeno de “Violetta” a cargo de la estupenda Martina Stoessel, quien encabeza la serie de Disney CHannel con éxito mundial. Un recital, sus participantes y la oportunidad de ver en pantalla grande a la estrella actual de los adolescentes. No mucho más.

LA POCHOCLERA DE LA SEMANA

Noé (Noah) 3D

De Darren Aronofsky. Con Russell Crowe, Jennifer Connelly, Anthony Hopkins, Emma Watson, Nick Nolte, entre otros. Música de Clint Mansell. Duración: 138 minutos.

REGULAR. SOMBRÍA VERSIÓN LIBRE SOBRE EL ARCA DE NOÉ

Darren Aronofsky fue el director de “El luchador” y “El cisne negro”, la primera fue un gran film, la segunda quedó en un fiasco pseudopsicológico.  En “Noé”, con un gordito Russell Crowe quien luce dos cortes de pelo diferentes en medio de la nada, la mezcla entre la Biblia, la redención, la misoginia, la crueldad, la moralina (real y que habría que escuchar pero no a partir del film sino de nuestros principios) sobre el cuidado de los animales y el fin de la Humanidad, provoca en el espectador sensaciones encontradas y confusas.

En líneas generales, los efectos especiales cumplen su función de ampulosidad, de fotografías hiperbólicas y todo lo que ya conocemos. En particular, la historia hace agua como el mismo Arca de Noé o Noah, y resulta una historieta sombría donde Matusalén, encarnado por un extraño Anthony Hopkins (¿necesitará dinero el gran actor para cumplir con estas actuaciones especiales tan poco verosímiles?), aparece misteriosamente entre rocas gigantescas de “computadora” para  definir el destino de Noé, el diluvio y la desaparición de la Tierra, como se indica en los libros sagrados.

La situación menos real y más oscura se produce dentro del Arca, donde el malvado Akkad, a cargo de Ray Winstone, le arranca la cabeza a una serpiente con su boca y, casi escupiendo sangre, explica por qué lo hace y cómo concretará su venganza contra Noé. La hija adoptiva de éste es una joven parturienta, una Emma Watson sin convicción, quien tiene mellizas y aquí surge la misoginia “espartana” (con las licencias conceptuales del caso). El drama familiar de Noé “ensucia” la historia planteada y, lejos de ser un cuentito amable, se transforma en un mix de pesadillas, de mensajes del “más allá” y de mandatos a cumplir realmente espantosos. Pocos personajes, un drama familiar en el que se incluye a una llorosa Jennifer Connelly - con una delgadez extrema- como la esposa de Noé, y los animalitos bien olvidados, o a merced de Akkad que se los come o los degüella sin más. Destacamos a los “vigilantes”, hombres de piedra que nos recuerdan a los Transformers. Ya la inventiva de monstruos de softwares no da para más.

La banda sonora es estridente por momentos, exasperante, pertenece a Clint Mansell, preanuncia los desastres, es incidental como debe ser, pero no agrada, no provoca empatía.

Es un film oscuro, una mixtura de textos bíblicos con afirmaciones que no están mal pero que, en este caso, no logran su objetivo porque se diluyen o en el agua que rodea al arca o bien en la complejidad de un guión que quiso abarcar mucho, además de algunos bloopers que dan idea de cierto apuro en la postproducción. Si no, no se comprenden ante tamaña inversión de millones dólares. Agregamos que, en diferentes reportajes, el director Darren Aronofsky, de religión judía, ha comentado su afición por los textos bíblicos y, en especial, por la figura de Noé a quien considera el primer ecologista. Y estos conceptos personales de Aronofsky están en el film con los apuntes de crueldad y misoginia indicados. Aburrida película.

Elsa Bragato

EL FILM NACIONAL SEMANAL

BETIBÚ

De Miguel Cohan. Con Daniel Fanego,  Mercedes Morán, Alberto Amman, Gerardo Romano, Osmar Nuñez, Mario Pasik, Norman Briski, Lito Cruz, Carola Reyna, entre otros. Música de Federico Jusid. Duración: 99 minutos.

BUENA. INTERESANTE POLICIAL CON ELENCO CORAL MULTIESTELAR

Miguel Cohan se planta en la redacción de un diario, El Tribuno, sección policial. El periodista de antes a cargo de un magnífico Daniel Fanego y el principiante encarnado por Alberto Amman (ganó el premio Goya como revelación por el film “Celda 211” en el 2010, nació en Córdoba, Argentina) tienen que averiguar un insólito caso de asesinato en un country, La Maravillosa (recordemos que el libro del film pertenece a Claudia Piñeiro, con guión de un equipo de autores que incluye al director). Muy bien logrado el clima periodístico de la gráfica, y, en general, el clima del film, intenso, con vericuetos, y una sola pista: el faltante de una foto al lado del asesinado “Chazarreta” (Mario Pasik). La periodista estrella es “Betibú”, sobrenombre de una misteriosa redactora que encarna Mercedes Morán y que accede a instalarse en el country para resolver un asesinato que, en definitiva, esconde oscuras razones de poderosos y un hecho del pasado.

Interesante planteo, una narración atrapante y un elenco estelar, que transforma al film en “coral” aunque con personajes principales muy bien perfilados. Daniel Fanego hace uno de sus mejores papeles en el cine, con profundidad y simpatía. Amman es casi una revelación para el público argentino, sólido en su interpretación. Quien no nos convenció fue Mercedes Morán a quien le encontramos latiguillos ya escuchados en sus múltiples pasos televisivos: “Apurate porque me tengo que ir” fue la frase más común  tanto en tevé como en este caso y a uno se le ocurre pensar que es una actitud actoral propia. Cierto desdén en su personaje, parlamentos sin modulaciones, deslucen su trabajo que parece de “taquito” cuando pudo ser lo contrario. Hay un viejo refrán que dice que no se debe dormir sobre los laureles… Tampoco es positiva la inclusión del español José Coronado como director del diario. El resto del multiestelar elenco, otro logro de Miguel Cohan, aporta densidad a la trama con actuaciones excelentes. 

Un párrafo aparte merece la banda sonora de Federico Jusid, hijo de Luisina Brando y Juan C. Jusid, afincado en España. Trabajó lo incidental con fuerza y contando con una gran orquesta europea. Gran compositor joven argentino y es para destacar.

Los desniveles actorales apuntados especialmente en uno de los personajes protagónicos quitan fuerza a un relato policial bien planteado. No obstante,  es para ver,  más allá de estas consideraciones que comentamos.

Elsa Bragato