"WOLVERINE INMORTAL", "ALGUNAS HORAS DE PRIMAVERA" Y "LUNAS CAUTIVAS", ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 25

JUEVES 25 DE JULIO DEL 2013.-

Hay seis estrenos, que incluyen tres documentales argentinos. Entre éstos, “Solo para payasos”, de Lucas Martelli y “Mal de viento”, de Ximena González.

Wolverine 3D

De James Mangold, con Hugh JAckman, Famke Jansen, Hal Yamanouchi, Tao Okamoto, Rila Fujushima, Patrick Stewart, Ian McKellen, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 126 minutos.

BUENA. IMPACTANTE REGRESO DE HUGH JACKMAN

El regreso de Logan-Wolverine devuelve a la pantalla a un héroe, encarnado por Hugh Jackman, que es el eje de una franquicia ganadora de millones. Cinco films anteriores, siempre con el mismo actor en el rol protagónico, nos hicieron conocer una mitología diferente y potente surgida de un personaje que apareció en 1974 en la última tira de El increíble Hulk. Los “mutantes” cobraron forma en la creativa Marvel y, en especial, Logan y sus garras de adamianto, la autocuración y su inmortalidad. En el caso de “Wolverine 3D”, el film es diferente porque ahonda en la psicología del protagonista, sus fantasmas, sus pasiones y sus profundas tristezas como la pérdida de su amada Jean en el 2006 en “X.Men, La batalla final”. Como un espíritu que habita el pensamiento y el alma de Wolverine, reaparece Jean, siempre encarnada por Famke Janssen. Logan-Wolverine está acuciado por sus tristezas, la bomba atómica en Nagasaki y la salvación del joven soldado Yashida, hoy su más potente enemigo. De huraño y hosco habitante de las montañas, Logan pasa a ser el invitado especial en Japón de Yashida (Hal Yamanouchi), donde vive en un complejo moderno y está a punto de morir: solo quiere que Logan-Wolverine le dé la capacidad de la inmortalidad. Esto enfrenta a nuestro héroe a situaciones de extremo dolor físico y a luchas por momentos desiguales, que son las secuencias más potentes del film.

Los personajes que hoy lo rodean no son los del pasado que han ido desapareciendo en la primera trilogía, en la precuela y en la renovada X-Men First Class donde aparecen los sucesores tanto del Profesor Charles Xavier (Patrick Steward) como de Magneto, el líder de la Hermandad sobreviviente del Holocausto (Ian McKellen): Yukio, que lo lleva al Japón (Rila Fukushima) y Mariko Yashida, nieta de su terrible nuevo enemigo (Tao Okamoto), con quien Wolverine empieza a soñar nuevamente en el amor.

El film, dirigido por  James Mangold, se mete en el espíritu de Logan, lo retrotrae a la Segunda Guerra Mundial, lo lleva al presente en la montaña, y lo traslada al Japón (los magníficos escenarios fueron levantados en Australia) donde los peligros lo acechan así como sus propias pesadillas y la imagen de Jean, que lo acompaña como una “aparecida” en los momentos de máxima tensión.

En los créditos hay una escena muy importante que anuncia el film que ya se está rodando para el 2014 (Days of Future Past) por lo que hay que quedarse hasta el final-final para entender qué pasará, si regresan o no algunos de los viejos amigos y enemigos de Wolverine y la saga tiene un ‘reboot’.

Destacamos algunas secuencias, especialmente luego de la primera hora de proyección: es impresionante la escena donde Wolverine se abre el pecho con sus garras para extraerse un virus terrible del corazón, que puede ver en un sistema de tomografías muy complejas de su enemigo Yashida, el joven soldado al que él salvó de la nube nuclear en 1945. O bien la escena donde Wolverine es literalmente aplastado (no queremos dar detalles…) por el robot de adamianto con un personaje singular en el interior y el sufrimiento físico del protagonista, que es monstruoso y conmueve a la platea, así como los paisajes donde se muestra la empresa de Yashido, colgada prácticamente de las montañas. O el ataque que padece Wolverine de los gángsters con flechas, una secuencia de gran dramatismo sobre el final del film.

Sin duda, la tecnología de última generación está presente, forma parte de un argumento intrincado aunque lineal (Logan y un nuevo enemigo), que suma vericuetos narrativos para potenciar las escenas de luchas pero que, sin embargo, no tienen hondura. Ésta se la da la buena actuación de Hugh Jackman.

Resulta un film atractivo, diferente porque se centra en Logan-Wolverine y no en sus tareas en la escuela de los X-Men. Hay efectivamente un análisis psicológico interesante del personaje. De todas maneras, la primera hora del film no resulta ordenada, confunden las pesadillas del protagonista con su presente y su pasado, resultando muy lenta. La resolución técnica en 3D en este caso no es beneficiosa, las secuencias no ganan por estar en 3D.

Nota de Redacción: recordamos que en el 2000 apareció X.Men, en el 2003, X.Men 2, en el 2006, X-Men la batalla final, cerrando la trilogía. Luego XMen Orígenes a manera de precuela, y Xmen First Class como renovación de la serie.

Elsa Bragato

ALGUNAS HORAS DE PRIMAVERA

De Stéphane Brizé. Con Vincent Lindon, Hélene Vincent, Emmanuelle Seigner, Ludovic Berthillot, entre otros. Música de Nick Cave y Warren Ellis. Duración: 108 minutos.

MUY BUENA. DECISIONES QUE NOS CONMUEVEN

Ascética en el tratamiento del guión de Forence Vignon y Sthephane Brizé, esta película sobre el fin último de la vida (con cierta similitud a la memorable “Amour”) está despojada de todo ornamento, solamente es el alma humana la que transita toda la narración casi sin emisión de palabras. Es la quinta realización del director Stéphane Brizé y recuerda a notables películas francesas, ya en el Parnaso de esta cinematografía, clásicas y plenas de contenido y emoción.

El relato es simple pero difícil por lo descarnado: un camionero de 50 años que sale de la cárcel luego de pagar una culpa ajena, se aloja en la casa de su madre, anciana y enferma, con quien nunca tuvo una relación afectuosa y fluida. Sin trabajo estable, viviendo de changas mal pagas, ese trato distante continúa con complicaciones muy dramáticas.

El detonante es la enfermedad grave de la anciana quien decide internarse en Suiza para someterse a la “eutanasia” en un centro especializado. No hay duda de que se trata de un film muy doloroso, que nos golpea muy fuerte y que nos lleva a reflexionar sobre el futuro, sobre estas posibilidades de una supuesta muerte digna, sobre la aceptación o no de nuevas normas que algunas sociedades ya tienen reglamentadas.

La narración es clara y precisa, como indicamos respecto del guión, y las actuaciones son tan convincentes que no se piensa en una ficción para el cine sino en personas y no personajes que sufren de verdad lo que nos cuentan.

El film no es sencillo pero no es menos veraz en su planteo. Para verlo con una gran dosis de fortaleza.

Carlos Pierre

LUNAS CAUTIVAS

De Marcia Paradiso. Documental. Duración: 64 minutos.

MUY BUENA. ENRIQUECEDOR DOCUMENTAL SOBRE EL PODER DE LA PALABRA

El título del documental, Lunas Cautivas, es una metáfora de las poetisas presas (también hoy en día se dice “poetas”), mujeres encerradas en una cárcel que frecuentan la poesía (en especial al poeta español Luis Cernuda) y acompañan con sus propias creaciones literarias.

Tres mujeres, sobre 200, conviven en la Unidad Penitenciaria 311 de Ezeiza, y luchan por el magno poder liberador de la palabra. Con método y entusiasmo y bajo la dirección del Taller de Poesía dictado por María Medrano y Claudia Prado. Las presidiarias abrazan con alegría y asombro de un poema. La fotografía alude una y otra vez a semblanzas de la luna y, en esa contraposición de las mujeres entre rejas, se ven volar las aves libres emitiendo sus gritos de libertad.

Además de las poetisas, en la unidad hay un Taller de Fotografía dictado por Alejandra Marín y Guadalupe Iaraj, cuya actividad se complementa con el taller de poesía, actividades promovidas por la Asociación Civil Social y Cultural “Yo no fui”.

Es un documental de gran altruismo y movilizador que incentiva a las mujeres presas a una pronta y definitiva reinserción en la sociedad. Las mujeres recluidas están solas pero tienen hijos, por lo general extranjeras que merced a estos talleres pueden salir de la prisión aptas para la convivencia y pensando en un destino mejor, sin recaídas. Un documental diferente y muy bien realizado.

Carlos Pierre

LADRONA DE IDENTIDADES

De Seth Gordon. Con Jason Bateman, Melissa McCarthy, Morris Chestnut, Génesis Rodríguez, entre otros. Música de Christopher Lennertz. Duración: 111 minutos.

REGULAR. REPETICIÓN DE FÓRMULAS SIN CONVICCIÓN

“Ladrona de identidades” es una comedia policial que expone el robo tan actual de identidades de los usuarios de tarjetas de créditos, en este caso, con una protagonista, Melissa McCarthy, quien descolló en el film “Damas en guerra”. Merced al ardid de ofrecer un servicio de seguridad por los frecuentes robos que se producen. Su víctima es un hombre de negocios, Seth (encarnado por Jason Bateman, el actor de “Quiero matar a mi jefe”). El “salvado” es el engañado. No hay nada nuevo en este policial raído, sin fuerza, con un tema que ya ha sido visto en otras películas si bien los protagónicos estaban a cargo de varones. En todo caso, nos muestra que algunas mujeres pueden ser tan pícaras en estos asuntos como los varones.

Seth Gordon, el realizador, intenta reeditar su éxito anterior, Ted, con el mismo protagonista y el mismo productor (Scott Stuber) pero no le dio resultado dado que lo que vemos ya lo vimos y, en este tipo de films, no vale solo con cambiar el sexo del protagonista sino con aggiornar las h istorias a contar, los parlamentos y dotarlas de algo más que un simple remedo de anteriores producciones.

Carlos Pierre

"METEGOL" Y "TURBO" LAS ANIMACIONES EN 3D DE ESTE JUEVES 18 DE JULIO

JUEVES 18 DE JULIO DEL 2013.

HAY TRES ESTRENOS EN FÍLMICO, DOS ANIMACIONES Y UN DOCUMENTAL SOBRE RIVER PLATE, DE FEDERICO PERETTI.

METEGOL EN 3D

De Juan José Campanella. Sobre cuento de Roberto Fontanarrosa. Con Pablo Rago, David Masajnik, Lucía Maciel, Miguel Angel Rodríguez, Fabián Gianola, Horacio Fontova, Coco Sily, Diego Ramos, entre otros. Música de Emilio Kauderer. Duración: 108 minutos.

MUY BUENA. EL FÚTBOL Y EL AMOR, UNIDOS EN UNA MUY BUENA ANIMACIÓN

Juan José Campanella empezó a trabajar en 2010 en el texto de Fontanarrosa, junto a Eduardo Sacheri, Gastón Gorali y Axel Kuschevatsky. Y luego contó con coproductores internacionales para realizar este “sueño del pibe” que fue su primer film animado. Es irreprochable la calidad técnica, similar a cualquier producto internacional. Todos los rubros merecen nuestro aplauso.

El tema pasa por reconocer a quién va dirigida “Metegol”. Si bien hay una historia de amor, es la gran excusa, bien planteada en la narración, para desarrollar la pasión futbolera del protagonista (Amadeo, voz a cargo de David Masajnik) y devolverle al pueblo ese sentido de barrio que, por un progreso desmedido de uno de sus ex vecinos devenido en jugador de nivel internacional, ha perdido. Un partido de metegol en el bar del barrio ganado por Amadeo, vociferado por la bella “Laura” (voz de Lucía Maciel) y perdido por el joven vecino ambicioso, desata la furia de este último quien reaparecerá con una gran grúa y destruirá, en pos del progreso, el bar y el metegol.

A manera del cuento de Pinocho, ocurre algo mágico: una lágrima de “Amadeo” en lugar de un hada de Disney reanima al muñeco que formaba parte del metegol. Al cobrar vida se desenrosca de la tabla a la que estaba atornillado. De a poco se unirán todos los jugadores del metegol y la historia tomará otro ritmo y color. Entre los integrantes del equipo, hay algunos que se nos parecen a muchos que conocimos como Kempes, por ejemplo. Resuena la cálida voz de Horacio Fontova mientras encontramos en los créditos a dos “hacedores” de Oscars argentinos: Pablo Rago y el director de fotografía Félix Monti.

El film resulta muy simpático por las aventuras de estos diminutos muñecos de madera que pueden meterse en el campo de una cancha y ayudar a su equipo favorito sin ser advertidos, por ejemplo. Mientras tanto, Campanella nos ha hecho pasar por un parque de diversiones muy a lo Hollywood y, en oposición, un basural para ir recuperando a los muñecos del metegol.

El film es irreprochable pero hay que definir su target: es masculino aunque las mujeres hoy estemos más metidas en el mundo del fútbol acompañando a hijos, maridos, nietos. Sin duda, el lenguaje es propio del mundo  marculino, del de los pibes.

Sin embargo, el costado sentimental, el del barrio, el de las cosas “de antes” que pueden conservarse, está presente, una constante en las realizaciones de Campanella y por allí sí las mujeres podemos entrar y emocionarnos con las desventuras de estos seres de ficción cuyo objetivo es reunirse y volver a jugar. También aquí encontramos planos éticos muy interesantes: la lealtad, el respeto, el saber perder, la valentía, la lucha por los sueños. Aquí es donde gana la animación de Campanella a todo el público, al margen de edades y géneros.

Un muy buen producto que los varones de la familia sabrán valorar más que las mujeres si bien éstas no saldrán defraudadas porque hay emoción y buenos ejemplos para luego charlar en familia.

Finalmente, Juan José Campanella explicó sin dar detalles la técnica empleada para el doblaje de las voces: los actores estuvieron atados a una tabla como los jugadores de un metegol a fin de que sintieran la sensación de no poder moverse y tener que hablar y gambetear. El film costó cerca de 20 millones de dólares, una superproducción que merece ser valorada.

Elsa Bragato

TURBO EN 3D

De David Soren. Con voces de Ryan Reynolds, Samuel L. Jackson, Paul Giamatti, Richard Jenkis, entre otros. Música basada en famosas canciones. Duración: 96 minutos.

BUENA. CARACOLES EN LAS 500 MILLAS DE INDIANAPOLIS

Para los más chicos, aparece este film animado en 3D “Turbo” que nos cuenta la historia del caracol “Turbo” con la voz de Ryan Reynolds y su hermano “Chet”, a cargo de Paul Giamatti, entre otros interesantes caracoles como Bobby (Richard Jenkins) o bien Whiplash (Samuel L. Jackson). Un lujo de voces en una historia destinada para los más chicos que conlleva interesantes propuestas como el esfuerzo para lograr los sueños y la voluntad inquebrantable.

Hace un tiempo vimos autos en “Cars” hablando y compitiendo, ahora son caracoles que viven en una granja donde se alimentan de los tomates pasaditos. Cumple con sus tareas y se reúnen para tratar de salvarse de los cuervos que los comen o bien del chico malo de la vivienda vecina que los aplasta con su “bici”. A pesar de todos estos impedimentos, “Turbo” sueña con las 500 millas de Indianápolis y se asoma, esquivando peligros, al borde de la carretera donde los autos lo deslumbran. Su hermano “Chet” sufre por la manía automovilística de “Turbo”.  Y éste, cuando puede, mira las carreras por la TV en un garage, soñando, y, si tiene tiempo, se elonga poniéndose metas para ser un poco más rápido. Justamente lo contrario al lento andar de los caracoles. Un buen día “algo” sucede y su casita, la conchilla que carga en su espalda, se transforma en un motor, mientras que sus ojitos son capaces de ser faroles delanteros y su cola, luces de posición.

Son las secuencias más simpáticas del film no exento de emoción porque finalmente “Turbo” llegará a Indianápolis donde deberá correr las 500 millas junto a autos de última generación. Peligros, caídas y un sinfín de desventuras probarán el ánimo de este molusco y de la platea menuda y creemos que en esto reside el secreto del film.

El guión es lineal: aún los más desfavorecidos pueden alcanzar las metas reservadas para los supuestos “ganadores de la vida”. A partir de esto y de sus experiencias personales por una invasión de caracoles en su jardín, el realizador David Soren fue armando esta animación en la que les da un lugar de dignidad a los caracoles que suelen ser un plato delicioso para la cocina francesa. No dan ganas de comer moluscos luego de ver esta pequeña gran historia, que solo es diferente a otras por sus personajes.  Todo es posible si así lo soñamos y nos esforzamos. Para los más chicos.

Elsa Bragato

"TITANES DEL PACÍFICO", "EL CHEF" Y EL DOCUMENTAL SOBRE WOODY ALLEN, ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 11

JUEVES 11 DE JULIO DEL 2013.-

Hay cinco estrenos en salas comerciales, uno en una sala no comercial (Post Tenebras Lux), y,

Entre los comerciales hay dos documentales nacionales (Cirquera y Norita, Nora Cortiñas) y el documental sobre Woody Allen que es para sus fans.

TITANES DEL PACÍFICO (PACIFIC RIM)

De Guillermo del Toro, con Charlie Hunnam, Diego Klattenhoff, Idris Elba, Rinko Kikuchi, entre otros. Música de Ramin Djawadi. Duración: 131 minutos.

MUY BUENA, ALUCINANTE TANGUE POCHOCLERO

Guillermo del Toro es uno de los tres realizadores mexicanos que lograron afincarse en Hollywood gracias a la enorme creatividad, imaginación y capacidad que posee. Estamos frente al producto menos “Guillermo del Toro” que vimos porque se trata de un supertanque pochoclero, sin medias tintas.

La historia es simple y directa, no hay que pensar ni en historias del pasado ni en dioses paganos. Sí tener en cuenta que el realizador del Toro ha sido un aficionado de los héroes y monstruos japoneses (los Kaiju, traducidos por lo general como “monstruos”, siendo uno de los más famosos “Godzilla”). Inmediatamente sabemos que estamos en el 2020 y que los alienígenas surgen del fondo del océano Pacífico y van a acabar con la Humanidad. Aquí hay que detenerse y explicar que una de las teorías sobre los OVNI habla justamente de que los “aliens” ingresan por una puerta virtual ubicada sobre la zona Sur de nuestro país y que los avistajes de Ovni en la Patagonia surgiendo del océano Atlántico serían comunes para sus habitantes.

Estos kaiju, monstruos marinos de los que se hablaba en la antigüedad, destruyen las ciudades del hemisferio norte; San Francisco cae bajo el peso de los kaiju, por ejemplo, así como otras ciudades famosas. Por suerte, el Hemisferio Sur parece quedar fuera del juego. ¡Ni un mexicano nos tiene en cuenta!

La única manera de atacarlos es con los robots llamados jaegers que, de acuerdo a las explicaciones de del Toro, es un nombre alemán que significa “cazador” y que responde a muchas características de superaviones de la Segunda Guerra Mundial no utilizados.

Nada hay que no pertenezca a la realidad: desde la unión “neuronal” de los dos luchadores que ingresarán a los robots sumergibles ni sus improntas. Hay 9 “jaegers”, si bien cinco son los importantes: el americano se llama “gipsy danger”, el ruso es “Cherno Alfa”, el australiano es “striker Eureka”, el japonés es “coyote tango” y el chino, “crimson thyfoon”. La base de esta guerra sin parangón está en la Segunda Guerra Mundial.

La unión “neuronal” de los dos luchadores es también real si bien no como se la plantea: muchos “jets” de combate son sensibles a los mínimos movimientos de sus pilotos que con un gesto pueden maniobrarlos.

El título, “Pacific Rim” (“rim” es “borde”), significa “La costa del Pacífico” en cuyo interior están los alienígenas-kaiju dispuestos a hacer estallar el mundo. Y hacia allí van los “jaegers” que responden a la conocida “captura de movimientos”. Requiere de dos luchadores, ellos caminan y el robot camina como ellos, ellos lanzan una trompada al aire y el robot hace lo mismo. Las batallas submarinas son impresionantes, toda la tecnología existente está al servicio de estas luchas que son pavorosas. Y entretienen de principio a fin. Y de eso se trata este film: de batallas sin tregua, con algún asomo de espiritualidad en los ojos de la luchadora japonesa Rinko Kikuchi y del héroe que encarna Charlie Hunman. Pero no hay tratamiento especial sobre los personajes, desarrollo de los mismos, sino que cumplen una función que es la acción misma.

Nos queda una duda técnica: si se lanza en el corazón del Pacífico una bomba nuclear de una potencia hasta ahora desconocida para exterminar a los kaiju, ¿no es posible que buena parte del planeta estalle? Pero estamos en la ficción pergeñada por Guillermo del Toro que es extrema, alucinante, un tanque superior a los robots que creó. Cumplió el “sueño del pibe” a la perfección: unir a sus héroes de la infancia en una superproducción muy bien realizada. De allí a que todos sintamos empatía con la violencia que se ve hay un largo trecho.

Hay que resaltar el diseño de producción, el diseño de fotografía, el story board realizado, y el trabajo de sonido que es impactante. Para largar adrenalina a lo loco.

Elsa Bragato

EL CHEF (COMME UN CHEF)

Escrita y dirigida por Daniel Cohen. Con Jean Reno, Michael Youn, Raphaelle Agogué, entre otros. Música de Nicola Piovani. Duración: 84 minutos.

BUENA. DIGERIBLE COMEDIA SOBRE LA COCINA FRANCESA

Comedia sobre la alta cocina francesa que, a la proverbial calidad y refinamiento, el realizador Daniel Cohen le insufló ingenio, humor, diálogos actuales y ternura en los personajes. El che estelar Alexandre Vauclair (Jean Renó, estupendo actor todoterreno), conforma un dúo insospechado con Jacky Bonnot (Michael Youn), aficionado al arte culinario, autodidacta, joven y testarudo, que ambiciona ser superior a su jefe y depositario de su legado.

La química molecular es el tema principal que molesta sobremanera a Vauclair, un hombre con sus años y su experiencia a cuestas, pero de no aceptar este nuevo método podrá perder una estrella en la categoría que marca la “guía” de restoranes prestigiosos.

El film está situado en París, un lugar ideal para la cocina de paladar negro. Y el director pinta con dúctil mano la gama variada de colaboradores de todas las etnias. Se habla japonés, español, inglés.

La película tiene un ritmo continuo, sin quiebres, e incluye el toque tierno con el personaje de la bella Raphaelle Agogué, quien compone a la esposa del joven chef.

Como en muchas otras películas simpáticas y agradables, el dúo conformado por el chef y su aprendiz da sus frutos con el ritmo eficaz y divertido de la narración estableciendo una rápida empatía con el espectador que se aviene a degustar “virtualmente” las exquisiteces de la cocina francesa, cuyo slogan es “cocinar con amor”. Sin duda un regodeo para los ojos y el estómago, un despliegue visual muy atractivo logrado por Daniel Cohen que tiene el mérito de “golpear” el estómago en busca de algo exquisito. Sin ser la comedia por excelencia, es una buena muestra de un cine agradable, simpático, que nunca cae ni pesado ni mal…

Carlos Pierre

"EL LLANERO SOLITARIO" Y "MI VILLANO FAVORITO 2" ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 4 JULIO

JUEVES 4 DE JULIO DEL 2013.-

Hay seis estrenos este primer jueves de julio que incluyen tres nacionales, dos documentales y una renovadora propuesta de Eliseo Subiela, “Paisajes devorados”, un film realizado con una cámara fotográfica que incluye un libro.

EL LLANERO SOLITARIO (THE LONG RANGER)

De Gore Verbinski. Con Johnny Depp, Armie Hammer, Ruth Wilson, William Fichtneres, entre otros. Producción de Jerry Bruckheimer y Johnny Depp y Gore Verginski. Música de Hans Zimmer. Duración: 149 minutos.

MUY BUENA. WESTERN DE GRAN PORTE PARA EL ENTRETENIMIENTO

Otro gran producto para el entretenimiento llega a la pantalla de este primer jueves de julio: El llanero solitario, basado en los libros de George W. Trendle y Fran STriker, que tiene una larga historia de films y series de tevé desde la década del 40. En este caso, se reunió la “trilogía” que realizó la saga “Los piratas del Caribe” por lo que el “armazón” del guión tiene similitudes aunque con varios hallazgos y mucha tecnología de última generación que optimizan el entretenimiento. Y es una vuelta al western con el esplendor del siglo XXI.

Si bien viene recibiendo duras críticas por este “armazón” de clishés que la trilogía de dirección, producción y actor han generado desde “Los piratas…”, no es menos cierto que es un más que digno producto de entretenimiento que tiene valores agregados en su realización innegables.

La historia de “El llanero… “toma un vuelco positivo: lejos de presentarse al héroe de entrada, se recurre a un ardid narrativo bien resuelto: un niño, que tiene un antifaz negro, se detiene frente a una vidriera donde está “Toro”, dentro de un parque temático. Y éste, o sea Johnny Depp, cobra vida llevándolo a conocer las aventuras de “John Reid- El llanero solitario” (podemos pensar en “Una noche en el museo”, por ejemplo). Este encuentro entre el niño y “Toro” que cobra vida se reitera introduciéndose al espectador en un cuento de gran porte por la acción y la tecnología.

Podemos analizar dos ítems: el primero, en el artilugio empleado para el inicio de una historia muy transitada y, segundo, en que Johnny Depp es uno de los productores que aportó parte de los más de 200 millones de dólares que se invirtieron entre realización y publicidad en el film. Entonces, se comprende claramente por qué Depp obra a manera de “narrador” de las famosas aventuras de “John Reid”.

Señalamos algunas secuencias de fuerte impacto visual: el trazado de las vías en el Oeste y el rugido de las locomotoras, tanto en el comienzo como en el final, realizadas con una parafernalia de efectos especiales que hacen saltar de la butaca. Y donde se observa, claramente, la millonaria inversión realizada. Otro dato a tener en cuenta es la introducción de animales, desde caballos que incluyen al caballo blanco del Llanero, así como liebres con dientes agigantados, muy feroces, y escorpiones que se deslizan sobre el rostro de un impertérrito “Toro”.

La banda sonora de Hans Zimmer es brillante, utilizando trompetas esplendorosas (brass), que incluye desde el Himno de los Estados Unidos hasta la famosa obertura de Guillermo Tell del italiano Giacomo Rossini. Vibrante “score” de Zimmer.

Sin duda, es un producto pensado para entretener a toda la familia, pochoclo en mano para un gran disfrute. Y se asegura una segunda parte. Estamos en presencia de una nueva franquicia de Hollwyood, muy bien realizada en las tierras de Nueva México, que dejará millones a los productores y hará disfrutar a otros tantos espectadores en todo el mundo. Muy entretenida y con un fina ironía en toda su narración, sin caer en excesos.

NdeR: Armie Hammer, el nuevo “llanero”, fue precedido por Clayton Morre, John Doucette, John Hart, entre otros, mientras que “Toro” tuvo un antecesor muy recordado: Jay Silverheels en series de TV y en un film de 1956.

Carlos Pierre

MI VILLANO FAVORITO 2 en 3D

De Chris Renaud y Pierre Coffin. Con las voces de Steve Carell, Jason Segel, Elsie Kate Fisher, Russell Brand, entre otros. Grabaciones a cargo de Paul Tirone. Duración: 98 minutos.

MUY BUENA. DISPARATADA AVENTURA ROMÁNTICA DEL “DESPRECIABLE GRU”

Este “despreciable” señor Gru (“despictable” en inglés) llega luego de casi tres años nuevamente a la pantalla en versión 3D  con mucha acción, alocada por momentos, pero que entretiene. Gru adoptó, en el primer film, a tres niñas: Margo, Edith y Agnes, y abandonó el mundo del crimen. Ahora organiza la fiesta de cumpleaños de sus hijas, se viste de hada, las besa antes de dormir y permanece soltero, tema que se transforma en central.

Se dedica a elaborar mermeladas con los “minies” junto a su amigo profesor con sabores que no se logran. Hasta que una agente lo rapta cómicamente para luchar contra el crimen ayudando a una sociedad ultrasecreta que funciona en el fondo del mar. Este hecho buscado por los guionistas permite que el espectador disfrute de un viaje submarino espléndidamente logrado, con cámaras que “viajan” muy rápido con el coche-submarino de la agente Lucy. Recursos maravillosos para ver el mundo del océano a puro color y movimiento en 3D.

Sin embargo, el guión tiene algunos altos y no ahonda en el hecho principal que nos indica, de entrada, que algo raro pasa: un imán gigantesco “absorbe” a los “minies” (hay una marca de pastas que ha tomado la forma de estos singulares seres en su publicidad) y su estructura en el Ártico y se los lleva quién sabe dónde. Esto permite la acción de la agencia secreta contra el crimen y el rapto de Gru, pero no mucho más dado que la acción se diversifica y la búsqueda apuntará a un ex “El macho”, mexicano que ha puesto un negocio en un shopping. Sin embargo, su pasado lo condena y Lucy y Gru tratarán de desenmascararlo. Si bien el gigantesco imán no desaparece de la historia en forma total, deja de ser el centro de la mayoría de las situaciones que vivirán Gru y Lucy. Por otro lado, las tres pequeñas están interesadas en que su papá logre casarse para tener una mamá. Y ven en Lucy a la “mami perfecta”. La veta romántica de la tira entonces domina la escena aunque se produzcan escaramuzas varias.

Los “minies” vuelven a las andadas y son los personajes que de principio a fin producen carcajadas, incluso cuando el film terminó. Por eso, les recomendamos quedarse hasta el final de los créditos porque los “Minies” siguen actuando fuera ya del guión. Como dato curioso, encontramos una gran semejanza entre Gru y Lucy y los actores Alfred Molina y Helen Mirren.

Elsa Bragato

CÉSAR DEBE MORIR

De Paolo y Vittorio Taviani. Con Giovanni Arcuri, Salvatore Striano, Cosimo Rega, Antonio Frasca, el argentino Juan Darío Bonetti, entre otros. Música de Giuliano Taviani y Carmelo Travia. Duración: 76 minutos.

MUY BUENA. LOS TAVIANI DE REGRESO: METÁFORA SOBRE LA VIDA Y LA MUERTE

Los afamados y ya octogenarios hermanos Paolo y Vittorio Taviani (“Padre Padrone”) se dejaron hechizar por la obra del gran escritor de Stratford, William Shakespeare, en este caso por “Julio César”, en la vigésima primera película que realizan. El dictador romano enfrenta su asesinato a manos de sus allegados, Bruto y Casio, que todos recordamos en la frase “los trágicos idus de marzo romanos”. Lo novedoso y movilizador de los Taviani es situar la representación de la obra en una cárcel italiana de máxima seguridad, la de Rebibbia de Roma, que cuenta con un elenco muy especial: sus presos. La representación es un proyecto del director de la cárcel y de un puestista teatral, quien le permitirá a los reclusos decir los parlamentos en sus dialectos natales.

El drama que plantea “Julio César” se traslada al de cada preso, si bien la idea de los organizadores de este evento en prisión es que puede ser una “catarsis” de sus propios pasados. Es decir, hay un objetivo de salud espiritual en la representación.

El film está rodado en blanco y negro, mientras que solo la representación en sí es en colores. Aquí hay otro mensaje mensaje de los Taviani, una metáfora sobre la vida y la muerte. La obra dejará su huella en el alma de los convictos: quien mató a Julio César y quien ayudó a su muerte en la ficción del bardo inglés ya no serán los mismos ni para sí mismos ni para el resto de los presos. Son hacedores de un magnicidio que, si bien se trató de una ficción, puede ser un sello definitorio de sus destinos en la cárcel, gran símbolo que exponen los hermanos Taviani: nada de los que nos sucede queda sin dejarnos un reflejo, una traza, un rastro ni en el alma ni en la vida misma diaria.

Destacamos la simbiosis de la música incidental de Taviani y Travia donde un saxofón interpreta una melodía como leit-motiv con reminiscencias al ‘score’ de “Verano del 42” de Michel Legrand. Esta comunión de la música con la puesta, utilizando un instrumento determinado en las escenas dramáticas, logra impactar al espectador, obra como un martilleo en el espíritu. El título del film dice “César debe morir”, ¿será así para los forzados actores? Cine-arte del mejor.

Carlos Pierre