PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 30 de junio de 2011

TRANSFORMERS 3 EL LADO OSCURO DE LA LUNA, MEDIANOCHE EN PARÍS, ESTRENOS JUEVES 30 JUNIO EN BUENOS AIRES


JUEVES 30 DE JUNIO DEL 2011.
Hay dos estrenos en soporte fílmico en Buenos Aires.
TRANSFORMERS 3, EL LADO OSCURO DE LA LUNA, 3D
De Michael Bay. Con Shia Labeouf, Josie Huntington-Whiteley, Frances Mcdormand, John Turturro, John Malkovich, entre otros. Música de Steve Jablonsky. Duración: 157 minutos.
MUY BUENA. INGENIOSA TEORÍA SOBRE EL VIAJE A LA LUNA Y SUS EFECTOS COLATERALES
No busquemos la narración convencional ni las sutilezas de, por ejemplo, “Mis tardes con Margarita”, por dar un ejemplo al azar. Se trata de un tanque de Hollywood que ha tenido, esta vez, la rara delicadeza intelectual de ubicarnos en 1969, el 16 de julio, cuando la Apolo XI descendió en la Luna y se dijo, desde entonces, que los astronautas vieron extraterrestres. La magia de los efectos especiales ha logrado más de media hora de increíble hazaña para que revivamos aquel momento, con filmaciones originales en blanco y negro y la yuxtaposición de la propuesta argumental del siglo XXI en color , habiéndose recreado desde la primera pisada del hombre hasta el polvillo lunar. Maravilloso.
En esta tercera película de la saga Transformers, donde los buenos robots son los “Autobots” y los malos son los “Decepticons”, el subtema político salta a la vista pero no para el mundo entero sino para los norteamericanos: ahora hay que defender el propio país. Las ciudades norteamericanas están amenazadas y el ejército ya no es un ejército de invasión sino de salvación de Chicago en este caso, ciudad tomada como ejemplo en los últimos films de efectos especiales y ciencia ficción (está en las salas la efectiva “8 minutos antes de morir”). Para los Estados Unidos, sus hombres del ejército son los mejores como para nosotros lo siguen siendo los soldados de San Martín. No busquemos otra explicación ni connotación porque no la tiene. El mensaje del film, que lo tiene, es para el pueblo de USA, no para nosotros ni ninguna otra parte del planeta.
La inclusión de documentales reales de los presidentes Kennedy, Nixon y hasta el actual presidente Obama, en este último caso personificado por un actor afroamericano, le dan ese matiz político del que hablamos. La Apolo XI y sus efectos colaterales están a la vista. Y los astronautas, que han descubierto en ese lado oscuro de la luna a “transformers” deberán traer la información para salvar a su país de un ataque masivo de los Decepticons. Están los Autobots para la lucha.
En el film aparecen artistas importantísimos como John Turturro, Frances Mcgorman, John Malkovich, en momentos clave, aportando talento y credibilidad a una acción que será, en última instancia, la lucha del bien contra el mal.
Un tema a analizar es la duración del film: los últimos 45 minutos están dedicados a una lucha sin cuartel entre malos y buenos. Y, en este sentido, hay reiteración, pero no aburrimiento en el espectador.
Un elemento a tener en cuenta es el ataque a un edificio tan alto como las Torres Gemelas, y allí se detienen el director y sus productores de efectos especiales de tal manera que, por momentos, es una recreación del horror que se debió vivir durante el ataque del 11 de setiembre del 2001. El mensaje político es, entonces, muy claro: el ejército norteamericano está para salvarlos, salvar sus ciudades. Estas secuencias son impresionantes desde todo punto de vista.
En síntesis, pochoclera o no, Transformers 3 en 3D nos proporciona entretenimiento, y, si queremos ver un poco más allá, también hay subtemas que están expuestos así como una recreación lunar increíble. No es poco para un “tanque”.
Elsa Bragato

MEDIANOCHE EN PARÍS
De Woody Allen. Con Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Adrien Brody, Carla Bruni, entre otros.  Duración: 94 minutos.
MUY BUENA. FANTASÍA EN PARÍS, EN UNA COMEDIA ROMÁNTICA Y SINGULAR
Woody Allen nos asombra desde hace varias décadas. Para quien esto suscribe, dentro del Allen posterior a los comienzos muy psicológicos de sus films, uno de las películas más logradas fue “La rosa púrpura de El Cairo” por la comprensión del universo femenino y sus ilusiones. Hubo otros films maravillosos así como  otros reiterativos hasta llegar a éste, Medianoche en París, donde la 0 hora es un momento exacto para que todo se transforme.
Woody Allen, más que basarse en historias complicadas de reconocidos autores, da la impresión de haber recurrido a sus propios recuerdos y ensueños y uno al alcance de todos es el de la Cenicienta: a la medianoche todo cambiaba. Si para la rústica muchacha del cuento devenida en princesa era para mal, aquí Owen Wilson, el alter ego de Allen, la medianoche es para bien, para conocer el París de los 20, para sentarse a la mesa con Hemingway, Cole Porter, Salvador Dalí, Gertrude Stein, la musa de Picasso y de Modigliani, todo es posible en ese París de los 20. Recordemos que Hemingway lo retrató en París era una Fiesta.
Hay paneos cortos que han sido muy tratados como el de Carla Bruni, que aporta su presencia y lo que significa (la primera dama de Francia). En cambio, Marion Cotillard, dueña de una belleza muy europea sin los afeites hollywoodenses, encarna a las mil maravillas a la musa que todo artista querría tener. Y tiene un hermoso personaje que puede desarrollar con extensión.
También merece una consideración especial la actuación de Rachel McAdams, la compañera de aventuras de Owen Wilson en este film… Bella, sutil, tal como la trama lo requiere.
La búsqueda de la creatividad perdida es el motor argumental que le permite a Woody Allen rendirle un homenaje a la ciudad de París desde el lugar que todos podemos admirarla, el de sus sitios tan bellos, que tanto recuerdan a otros de Buenos Aires, el turístico, o bien los que todos queremos conocer. Y además hacer un tributo a la unión de tantos intelectos prominentes que el estilo de vida de la ciudad permitió unirse en bares y barrios hoy míticos.
Owen Wilson encarna a un guionista frustrado de Hollywood que aprovecha el viaje con su novia, por razones familiares, a París para buscar algo que despierte su capacidad de creación. Por momentos, pensar en Woody Allen y su compromiso artístico es inevitable. El realizador también busca renovar su capacidad de asombro ante la vida y transmitirla en sus películas.
Es un film para el recuerdo, para la emoción, para tenerlo como un hito dentro de la historia del cine porque Woody Allen retrata la ciudad de París como hacía décadas que no veíamos (en los 50 hubo films americanos memorables), con un ritmo romántico, de ensueño, que hace bien, que nos deja felices por dentro y por fuera. No se la pierda.
Elsa Bragato




jueves, 23 de junio de 2011

EL LABERINTO, 8 MINUTOS ANTES DE MORIR, ABALLAY, NO ME QUITES A MI NOVIO, EL AMOR DE ROBERT, ESTRENOS JUEVES 23, BUENOS AIRES


JUEVES 23 DE JUNIO DEL 2011.-
Hay cinco estrenos, uno de ellos posiblemente se exhiba en DVD, El Amor de Robert, que vamos a comentar.
ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO
De Fernando Spiner. Con Pablo Cedrón, Claudio Rissi, Moro ANghileri, Luis Ziembrowski, Gabriel Goity, Horacio Fontova, entre otros. Duración: 100 minutos.
BUENA. LA HORA SEÑALADA DEL MALO Y EL VENGADOR, UN WESTERN GAUCHESCO BIEN REALIZADO QUE INCLUYE RIÑAS DE GALLOS DESAGRADABLES
Aballay, de Fernando Spiner, es una rareza dentro de la cinematografía nacional. Un western gauchesco, que continúa la línea gauchesca y no de western que supimos tener con obras memorables que van desde El Cura Gaucho hasta la Guerra Gaucha pasando por el cine de Leonardo Favio.  El hecho de defender un producto con excelente fotografía, cuidada escenografía, y paisajes no nos debe impedir ver que el producto es solo para un determinado público muy cinéfilo o seguidor del cine nacional de ciertas características y que no es un producto masivo. Y esta consideración es al margen de cualquier excelencia técnica y actoral que tenga el film.
Fernando Spiner surge de las filas de la televisión como un notable realizador (lo conocimos como director de programas de canal 13). Su lanzamiento al cine no hizo más que confirmar su capacidad para la narración audiovisual en gran escala.  El elenco de Aballay confirma un excelente casting, Pablo Cedrón con recursos mínimos demuestra su gran altura actoral, y así con cada uno de los elegidos para el elenco. La ubicación de la historia en Amaicha del Valle en la provincia de Tucumán le da esa justa pátina de polvo, caminos sinuosos, exactos a los que conocimos del Oeste norteamericano.
La historia se centra en la venganza de un niño que ve cómo matan a su padre. El rostro del asesino se clavará en su memoria. Y el tiempo enfrentará al homicida con el huérfano.
Sin embargo, el comienzo del film no nos produjo ningún agrado: desde la riña de gallos, prohibida, e innecesaria muestra de brutalidad aunque haya existido y subsista: el cuchillazo sobre el pescuezo de un gallo herido, brutal, certero, hasta una borrachera en una pulpería, nos pusieron en alerta. Ya en plena narración, las escenas no nos convencieron, parecían demasiado armadas, se les veía la entretela. Y esa entretela subsistió porque no pudimos creernos la historia tal como se nos presentó. Siempre notábamos o un supuesto, para nosotros, armado en estudio, o una prolijidad extrema en medio de caseríos tan limpitos como empolvados de manera sutil, hechos para la fotografía. No obstante, y a pesar de esta entretela, la actuación de los protagonistas iba creciendo de manera notable al punto de opacar otros aspectos como los apuntados.
Nadie pone en duda la excelencia en la dirección de Spiner ni en los actores. Pero no podemos dejar de señalar que hay reminiscencias importantes a Leonardo Favio y que la historia no resulta creíble en su totalidad, aunque nos hable de la venganza, del dolor, del precio a pagar por un asesinato. Tal como fue contada. Estas cosas también hay que decirlas cuando se hace un comentario de cine aunque no guste escribirlas y tampoco sea del agrado de quienes hicieron el film.  Nuestro interior y los alrededores de la ciudad de Buenos Aires fueron tan crueles como el Oeste americano, tan pobres como lo que vimos en los films, y la ley del más fuerte fue una constante. Es cierto. Sin embargo, la pulcritud extrema en parajes polvorientos le restó credibilidad a Aballay. No así la mayoría de las actuaciones. Nos gustó Pablo Cedrón.
Elsa Bragato
8 MINUTOS ANTES DE MORIR (Source Code)
De Duncan Jones. Con Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, entre otros. Música de Chris Bacon. Duración: 90 minutos.
MUY BUENA. FÍSICA CUÁNTICA EN UN FILM DE INTENSO SUSPENSO, INTELIGENTE RELATO
Así es, Duncan Jones, el hijo de David Bowie vuelva al cine con un thriller de inusitado suspenso, que retoma una premisa científica: el cerebro vive aún, después de muertos, unos 8 minutos más. El capitán Stevens se encuentra en un tren que va a llegar a Chicago y explotará. Desde un centro científico estatal, una bella mujer y un impiadoso investigador se contactan con él que está, ahora, en un cubículo intentando desatar algo, moviéndose con enormes dificultades. Recibe órdenes y vuelve a ese cuerpo que es reconocido por una viajante como el capitán Stevens.
El secreto del relato está en ese ida y vuelta que no “tiempo”, no va hacia el pasado sino hacia su propio presente, el que está en esa oficina de investigación y donde recibe órdenes. Por eso es física cuántica (muy compleja de explicar mínimamente y de comprender también). Este ida y vuelta le permite al protagonista conocer más detalles de lo que debe hacer para evitar la explosión del tren cada vez que regresa al cuerpo del capitán Stevens.
También nos muestra la frialdad y la crueldad de muchos métodos científicos para lograr que un cerebro, de un cuerpo muerto, esté trabajando. Hay sofisticación tecnológica, de todo tipo, que es real y está mostrada con credibilidad. Esto existe, el tema era cómo narrarlo en el cine y no caben dudas de que Duncan Jones lo logró.
El “source code” del título en el inglés se refiere a la matriz que genera esta posibilidad de volver al cerebro y luego tomar el cuerpo del capitán en el tren, donde tiene pocos minutos, siempre menos de 8, para encontrar al terrorista y desactivar la bomba. Entonces, el ritmo del film es frenético, ágil, y exige una buena atención del espectador que no se aburrirá jamás. Hay excelencia en la filmación, la ciudad de Chicago es mostrada desde distintos planos estupendos, y no hay dudas de que el suspenso se apodera de toda la audiencia. Es un film inteligente. Y hay pocos así. El final nos muestra la crudeza de ciertas investigaciones.
Elsa Bragato
EL LABERINTO
De Johnb Cameron Mitchell. Con Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Sandra Oh, Dianne Weist, Miles Teller, entre otros.  Música de Anton Sanko. Duración: 91 minutos.
MUY BUENA. TRANSITAR EL DOLOR SIN CAER EN EL MELODRAMA. FILM INTELIGENTE, PROFUNDO
En inglés el film se llama “Rabbit Hole”, o sea “madrigiuera”, “conejera”. Y este título tiene estrecha relación con el “el laberinto” (título en castellano) espiritual que recorre una pareja para superar el duelo por la muerte de su hijo en un accidente automovilístico frente al hogar.
El argumento está armado sobre premisas científicas de S. Hawking sobre la existencia de la virtualidad y la posibilidad de encontrar en ese otro plano la felicidad que en éste no tenemos. Pero no hay ni viajes al pasado ni al futuro ni al presente virtual, solo la comprensión de que es posible, y de esta manera, alcanzar un atisbo de resignación.

No es un film ni sensiblero ni oportunista ni triste. Es un film reflexivo y profundo sin caer en el melodrama. Hay que destacar además que la historia está basada en una obra de teatro de David Lindsay-Abaire; sin embargo, la adaptación cinematográfica fue realizada por el autor por lo cual (como ocurrió con Sweeny Todd y su autor S.Sondheim) vemos secuencias de cine y no sketchs con reminiscencias teatrales. Esto es de destacar.
El tema parece muy difícil de tolerar para el espectador: padres que perdieron a su hijo. No obstante, uno se enfrenta a una realidad sin golpes bajos, no se ve la muerte de nadie, solo el transcurrir de la pareja que forman Becca y Howie y los intentos cotidianos por superar la ausencia del hijo, la depresión que jamás bordea el límite de la tragedia, los intentos de superación con grupos de autoayuda, la confianza del marido en que éstos funcionarán y la intuición femenina de Becca de que algo más es posible para volver a ser feliz. En ese “algo más” reside “el laberinto” o “rabbit hole” que no podemos desentrañar porque es el motor argumental.
Para ayudar a los dos personajes principales en este viaje de resignación con aristas tan inteligentes aparecen la madre de Becca, interpretada por una maravillosa Diane Weist, que ha sufrido un dolor similar. Aquí podríamos hablar de que hay destinos que se heredan. También está la excelente actriz de origen oriental Sandra Ho, a quien vemos en series renombradas de televisión así como fue una de las actrices de la celebrada “Entre Copas”. Hay un personaje clave para este laberinto o rabbit hole que enfrenta especialmente Becca, o sea Niciole Kidmann, y es el del joven que atropelló a su hijo.
El perdón, la venganza, la resignación, la posibilidad de la fe en otros caminos de felicidad, se unen para armar un argumento que asombra por su sagacidad, su intensidad y su realismo.
Se destaca la actuación de Nicoie Kidman en un rol profundo, que le mereció nominaciones a los Golden Globe y al Oscar. También Aaron Eckhart, a quien conocimos en “Gracias por fumar”, entre otros filmes. Ambos hacen absolutamente creíbles a estos padres en busca de redención al dolor. Iinsistimos, no hay melodrama. Es una de nuestras películas elegidas de la semana.
Carlos Pierre
NO ME QUITES A MI NOVIO
De Luke Greenfield. Con Kate Hudson, John Krasinski, Ginnifer Goodwin, entre otros. Duración: 103 minutos.
REGULAR
Este film está basado en la comedia dramática “Something Borrowed” (Algo prestado) y ese algo prestado es nada menos que el novio de una de las dos íntimas amigas que se conocen desde la infancia y mantienen una fuerte amistad a pesar de abismales diferencias. Una está por casarse, la otra es tímida, apocada.
Cuando “Darcy” va a festejar los 30 años de su amiga “Rachel”, aprovecha la ocasión para “birlarle” por un rato su novio. De allí en más el film transita por todos los equívocos que ya hemos visto hasta el hartazgo, celos mutuos, cuestiones fundamentales y conocidas como elegir al hombre de su vida como desea o renunciar a él .En el medio, la mejor amiga.
Se cae en el tono mediocre y convencional de peripecias amorosas vividas en fiestas, pubs, en la playa. Nada que no conozcamos.
El punto más débil del guión es la pasividad de la amiga engañada cuando descubre el desliz de su novio.  Hay alguna secuencia de explosión ante un caso de infidelidad tan grueso pero el director  rápidamente se empecina por “alisar” cualquier otro clímax, más que oportuno por la situación que muestra.
Es una comedia super ligera, para digerirla fácil. No está mal para distraerse pero, como película en sí, como producto cinematográfico, deja mucho que desear. Bien por Kate Hudson que tiene mucha cintura para estos films.
Carlos Pierre

EL AMOR DE ROBERT
de Nicholas Facker. Con Martin Landau y Ellen Burstyn.
MUY BUENA. LA FELICIDAD AL FINAL DE LA VIDA A PESAR DE LA DESMEMORIA
Esta película arranca lágrimas. Hay dos estupendas actuaciones, memorables, de Martín Landau, de 82 años y productor del film, y de Ellen Burstyn, de 77,  sobre la relación de un matrimonio de la cuarta edad. Uno de los dos sufre del mal de Alzheimer que aquí está tratado con tanta altura que reconforta y nos permite ver otra forma de encarar lo peor de la mejor manera hasta transformarlo en felicidad.
Las ensoñaciones, las pérdidas de memoria, están enmarcadas en una navidad que el protagonista vive como puede,
cree volver a enamorarse, pero será su mujer la que le permita transitar ese estrenado amor. Hay un clímax fuerte cuando a medicación  no llega a tiempo, pero también es verosímil que esto ocurra sin entrar en la tragedia o la densidad.
Mirar la cuarta etapa de la vida, la del final, con romanticismo, alguna reminiscencia a Bergman y su Cuando huye el día, por ejemplo, es un l ogro. Nos emocionó, nos hizo reflexionar y nos sacó sonrisas de felicidad. Todo es posible.
El film lo recomendamos para los abuelos, para los hijos con padres grandes.
Elsa Bragato



jueves, 16 de junio de 2011

LOS AGENTES DEL DESTINO, PRIEST VENGADOR, JUNTOS PARA SIEMPRE, LAS MARIMBAS DEL INFIERNO, CARLOS. UNA MISIÓN EN LA VIDA, LA DOBLE VIDA DE WALTER, ESTRENOS CINE JUEVES 16 JUNIO, BUENOS AIRES


JUEVES 17 DE JUNIO DEL 2011.
Hay 8 estrenos. No comentaremos “El túnel de los huesos”, con Raúl Taibo. Más que en otras oportunidades, esta semana tenemos que elegir entre los films que desarrollan historias de vida y los que se basan en los efectos especiales.
LOS AGENTES DEL DESTINO
De George Nolfi. Con Matt Damond, Emily Blunt, Anthony Mackei, Terence Stamp, entre otros. Música de Thomas Newman. Duración: 106 minutos.
REGULAR. ENREDOS ENTRE LA REALIDAD Y LOS MUNDOS VIRTUALES. THRILLER DE CIENCIA FICCIÓN
Matt  Damond parece condenado a huir  desde su personaje Bourne  de diferentes acechanzas. Antes fueron oscuros miembros de la CIA que insistían en lavarle el cerebro o matarlo. Ahora son humanoides, de alguna manera hay que definirlos, que están en otro plano pero se presentan ante nosotros como semejantes. Se dará cuenta de una manera extraña, en medio de una campaña política que lo llevaría como senador del estado de New York y que pierde. La aparición de una bailarina le complica el panorama porque se enamora.
La referencia más cercana está en nuestra televisión en Un año para recordar  (Telefé) y la relación que entre Carla Peterson y Gastón Pauls: si se unen, sus vidas serán sucesiones de frustraciones. Damond y Blunt , o sea “David Norris y Elise Sellas” , viven esta experiencia en Los agentes del Destino, una “oficina de ajustes del destino” tal como sería la traducción literal del inglés, Adjustement Bureau. Esta “oficina” y sus “agentes” se encargan de que cada uno de nosotros no se aparte del destino que se nos ha determinado.
El film está basado en un cuento de Philip K. Dick publicado en 1954. Y tiene aristas interesantes en su narración fílmica: la posibilidad de que nuestra realidad esté atravesada por mundos que no vemos porque habitan en otra dimensión y la posibilidad también de que en algún momento los mundos se conecten como le ocurre al protagonista del film. De allí a que estas aristas estén bien resueltas en la narración hay un buen trecho.
Decíamos al comienzo que Damond parece condenado a huir porque, efectivamente, intentará huir de estos caballeros de traje gris y sombreros de ala corta, bien de los 50, que lo saben todo. Habrá situaciones de mucha tensión porque ese “sombrerito” y un libro similar a un GPS con la vida de cada uno de nosotros intentarán impedir cualquier acción. Sin embargo, la sensibilidad de uno de ellos, un afroamericano (Mackie), será un factor desencadenante para que la historia no sea tal como la quieren estos agentes sino que se torne más humana.
Es decir, el amor tiene que triunfar de alguna manera. No sin rispideces, no sin un toque mágico que solo el cine puede dar como el de abrir puertas e ingresar a lugares que están pero a kilómetros de distancias, conformándose un laberinto que se ha visto en dibujos animados (Monster Inc.). Porque estamos frente a un thriller con suspenso y algunas tonterías en los diálogos. No deja de ser entretenido, aunque muy lejos de la saga de Bourne.  Como película, es regular. Como entretenimiento, es pasable.
Elsa Bragato
PRIEST, EL VENGADOR
De Scott Stewart. Con Paul Bettany, Karl Urban, entre otros. Música de  Christopher Young.
REGULAR. SACERDOTES VS VAMPIROS EN UN WESTERN POST-APOCALIPSIS. TRHILLER DE CIENCIA FICCIÓN
Esta película es ideal para los seguidores de la saga “Inframundo”. Para el resto del público, puede resultar una sumatoria de efectos de computación con correrías estilo “cowboys”. La crítica norteamericana ha sido contundente: Paul Bettany es un sacerdote que quiere impartir justicia al estilo John Wayne. En vez de caballos, hay motos de gran cilindrada. El paisaje es lunar, gris, y revela una Humanidad transformada en vasallos medievales que sufren los ataques de los vampiros. Compartimos en que Bettany es el “Wayne”  del siglo XXI en esta película.
Hay suspenso en los minutos iniciales, un toque de “Rápidos y Furiosos” en la narración ya avanzada, los vampiros son muy feos y de aspecto fetal y cuentan con trenes mientras que el sacerdote por excelencia, con una cruz dibujada en la frente, encarnado por Paul Bettany, tiene motos de gran potencia. Hay estilo a lo Mad Max que solo ha sido una revelación en ese film y no en estas secuelas escenográficas. En definitiva, sectas que regentean el mundo que queda, post apocalíptico, muertos que son vampiros, sacerdotes que deben cumplir con una misión (aquí un pariente cercano al protagonista es raptado…) de justicia y otra personal.
Como película, continúa en la línea de Inframundo, o sea estamos frente a más d e lo mismo. Como entretenimiento, pensamos que es para los seguidores de “Inframundo”,  sin descartar el interés de otro tipo de espectador. Mucho ruido, muchas correrías, poca sustancia.
Elsa Bragato
CARLOS
De Olivier Assayas. Con Edgar Ramírez, Alexander Scheer, Ahmad Kaabour, entre otros. Montaje de Luc Barnier y Marion Monnier. Duración: 2 h 45 minutos (165 minutos)
BUENA.  INTERESANTE BIOPIC CON DUDOSA EDICIÓN
Cuando se sabe de antemano que una miniserie de cinco  horas y media es llevada a un film de poco menos de tres horas, se tiene un oculto reparo porque las ediciones no obran milagros.
Sin embargo, el film del director francés Olivier Assayas, presentado en el Festival de Cannes, no defrauda en la narración de la vida de este terrorista venezolano, Illich Ramírez Sánchez, apodado Carlos, que actuó en los 70 y los 80 dentro del terrorismo internacional, en el activismo propalestino hasta en el Ejército Rojo Japonés, incursionando en los últimos años de la Guerra Fría.
Carlos fue un terrorista, un mercenario oportunista contratado por los poderosos servicios secretos de Medio Oriente. Muy buscado en 1974, intentó asesinar a un hombre de negocios británico (el dueño de las tiendas Marks & Spencer), por ejemplo. En 1975 ingresó a la sede de la Organización de Países Exportadores de Petróleo en Viena y tomó más de 40 rehenes, asesinando a tres personas. Tuvo gran renombre y era dueño de una personalidad rayana en el divismo. Fue capturado en 1994 en Sudán, donde fue entregado a la policía francesa. Actualmente cumple su condena en Francia.
Encontrar un intérprete para Carlos no fue fácil para Assayaz. En Venezuela, país natal del terrorista, ubicó a Edgar Ramírez, nominado a los Golden Globe por su perfomance en este telefilm con formato de miniserie, actor con dominio de inglés, francés, árabe y castellano, idiomas que alterna en la carrera terrorista del personaje.
Es curioso observar las transformaciones físicas de Carlos a lo largo de su vida, al menos lo que se muestra en esta recortada miniserie, desde aumento de peso  hasta el cambio en el cabello y el agregado de bigotes. Tuvo el sobrenombre de “El chacal” dado que, al ser detenido, se le encontró el libro “El día del chacal” de Frederick Forsyth entre sus pertenencias. Durante veinte años Carlos sembró la locura del terrorismo en gran parte del mundo. Su vida fue tormentosa, tuvo dos mujeres, una hijita, que, por obra de la edición,a raíz del efecto devastador de una reducción del material en un 50%. aparecen en la narración de manera forzada. Otro tanto ocurre con su carrera terrorista así como muchas otras asociaciones ilícitas, secuencias que no aparecen
Nuestro modesto criterio es que Carlos debió ser emitida por televisión y no ingresar al circuito comercial cinematográfico dado que esto último obligó a un cercenamiento del material que es visible, notable, y que no pasa inadvertido para el espectador porque la historia salta, el guión pierde su eje en muchos momentos. No obstante, no deja de ser una “biopic” interesante. No es atractiva por lo que apuntamos.
Carlos Pierre
JUNTOS PARA SIEMPRE
De Pablo Solarz. Con Peto Menahem, Malena Solda, Mirta Busnelli, Luis Luque, Sergio Boris, Silvia Kutika, Marta Lubos, Valeria Lois. Música de Nicolás Diab. Duración: 90 minutos.
MUY BUENA. EFICAZ GUIÓN CON EXCELENTE ELENCO EN BUEN RELATO COMPLEJO, DIVERTIDO Y ÁCIDO
Cuando se conjugan un buen guión y un excelente elenco estamos frente a un buen film. En este caso, se trata del director Pablo Solarz, de gran reputación como guionista de Historias Mínimas, El Frasco, Un Novio para mi Mujer, entre otras películas nacionales, coordinando además varios “workshops” de guión en la actualidad.
El guión de Juntos para Siempre es sólido y hace punta en la vida de un guionista (vaya casualidad!) robotizado al punto de alejarse de sus afectos, en este caso su esposa, quien le exige cambios de actitud y una mayor atención. Finalmente, decide abandonarlo luego de contarle a su marido que tuvo un “affaire”. Pero nada inmuta al personaje de Peto Menahem, a quien hemos visto en excelentes roles televisivos, que continúa con su obsesión de terminar con su guión. Curiosamente, el personaje que crea en la ficción es su “alter ego”, el que cobrará vida a través de Luis Luque. También resultan muy buenos los trabajos de Malena Solda como la esposa, de Florencia Peña como la nueva compañera, de Mirta Busnelli como la excéntrica madre del obcecado guionista.
Resulta muy atractiva la interacción de la vida real del protagonista con los personajes de su propio guión, una tarea que el realizador Pablo Solarz lleva con mano segura y fluidez narrativa a través de un desarrollo en el que transitan la comedia y el drama con tonos ácidos, oscuros, que mantienen el interés en el espectador. A decir verdad, hay que decir que no estamos acostumbrados en nuestro cine a guiones de esta envergadura, complejidad y buena resolución audiovisual. Es un promisorio film de Pablo Solarz, conocedor como pocos, por lo visto, de la columna vertebral de un film: el guión cinematográfico. Y es una de las mejores películas de esta semana.
Carlos Pierre
UNA MISIÓN EN LA VIDA
De Eran RIklis.  Basado en la novela “A woman in Jerusalem”. Música de Cyril Morin. Duración 103 minutos.
MUY BUENA. REALIDAD QUE MOVILIZA LOS SENTIMIENTOS. ENTRE EL DRAMA Y LA COMEDIA “NOIR”
Resulta muy interesante, dentro del amplio arco de films de esta semana, esta película israelí de Eran RIklis, el mismo de Lemmon Tree, entre otros films vistos en la Argentina. No muchos pero suficientes como para encarar The Human Resources Manager, título en inglés de Una misión en la Vida, con buen espíritu de espectador. En este caso, Riklis apunta al gerente de Recursos Humanos de una panadería, la más afamada de Jerusalén, en cuyo plantel falta una de las empleadas y no se dan cuenta. Acusados de falta de sensibilidad, el gerente es enviado por la dueña a ubicar a la empleada.
El viaje que inicia este hombre pasa desde el drama personal, tratado con objetividad, hasta el drama de una empleada cuyos orígenes están lejos de la ciudad y lo llevan a otros países y otras culturas. De pronto, el tono dramático, aunque sin caer en el trazo grueso, se disuelve y se transforma en una comedia negra. Cementerios, morgues, un ataúd, un cónsul, y, cuanto menos, como séquito, un pesado periodista, forman una comitiva que acompaña al gerente en su búsqueda. No hay un país determinado por lo que el film es considerado “apolítico”, si bien fue rodado en gran parte en Rumania.
Es muy interesante ver la transformación interior de este gerente, acostumbrado a controlar la mayor producción quien, de pronto, busca a un ser humano, enfrenta emociones y comienza un viaje interior mucho más atrapante que el que realiza. Ahora debe controlar lo inasible, el dolor, las preguntas sin respuestas. Nos gustó mucho porque estamos frente a una historia de vida y no a un relato plagado de efectos especiales. Es la otra buena película de la semana (junto con la argentina Juntos para Siempre).
Elsa Bragato
LA DOBLE VIDA DE WALTER (THE BEAVER, EL CASTOR)
De Jodie Foster. Con Mel Gibson, Jodie Foster, Jennifer Lawrence, Cherry Jones, Sam Breslin, entre otros. Música de Marcelo Zarvos.
MUY BUENA. INTERESANTE PROPUESTA SOBRE EL PÁNICO Y LAS RELACIONES FAMILIARES
Jodie Foster le tiró un cable a su amigo Mel Gibson al convocarlo como protagonista de este nuevo film que la actriz dirigió y coprotagonizó como la esposa del empresario con pánico. Sabida es la declinación del astro australiano como gran figura por su racismo religioso y su alcoholismo que lo ha llevado hasta la cárcel, amén de sus divorcios y peleas conyugales.
En este caso, Foster tomó la vida de un marido depresivo que es un buen empresario pero padece de fobias, de pánico, que lo llevan a intentar suicidios casi caricaturescos.
Un día “Walter” encuentra un títere que representa a un castor, de allí el título en inglés, al que adopta como un integrante de su vida, o mejor dicho de su mano izquierda. Con este agregado a su cuerpo, puesto que no se desprenderá más del títere, siente que puede enfrentar situaciones antes imposibles para él y que su vida vuelve a ser positiva. Encuentra su propia terapia de salvación. Por supuesto, sus dos hijos toman actitudes diversas, el menor acepta esta simbiosis del padre con el títere, el mayor lo rechaza, lo ve ridículo. Este títere le permitirá crecer al empresario como tal al idear una especie de juguete de madera que será un éxito comercial.
La idea no está mal y Mel Gibson se consagra con una gran interpretación. En los Estados Unidos el rechazo al actor por su vida errática significó un fiasco en las boleterías. Para muchos críticos, el film no merece una mayor consideración. Sin embargo, pensamos que hay elementos muy valiosos sobre la psicología de la persona que sufre de pánico y depresión, una lleva a la otra y viceversa, y que no hay nada ridículo sino una historia que puede tener empatía con muchas situaciones que se puedan vivir. El pánico no siempre se manifiesta abiertamente. De allí que le asignamos importancia al eje argumental propuesto por Jodie Foster.
El film es pequeño si nos atenemos a la anécdota que se propone desarrollar. Pero es desafiante, original, nada simplista y aporta elementos interesantes. Gibson es creíble y, como dijimos, se destaca ampliamente con sus dotes actorales, fuera de espionajes, secuestros o bien films históricos. Jodie Foster lo secunda muy bien. Hay un excelente trabajo de Anton Yelchin como el hijo adolescente que reniega de su padre. Y la música de Marcelo Zarvos tiene, en el comienzo, una impronta tanguera a lo Astor Piazzolla que no nos desagradó sino todo lo contrario.
Una comedia dramática bien estructurada, bien narrada, con un Mel Gibson que nos da una actuación que lo reubica como un gran actor. Pasa rápidamente del gag quasi cómico a la depresión, del ridículo al éxito, transitando todos los estados de ánimo del personaje. No es poco.
Carlos Pierre
LAS MARIMBAS DEL INFIERNO
De Julio Hernández Cordón. Coproducción de Guatemala, Francia y México. Duración: 73 minutos.
REGULAR. CURIOSIDAD MUSICAL ENTRE LA MÚSICA SATÁNICA Y UN ARGOT INCOMPRENSIBLE
La marimba (instrumento parecibo al xilofón, que es su versión de metal) es de madera y es considerado el instrumento nacional de Guatemala. Según la historia de Julio Hernández Cordón, va siendo dejado de lado en Guatemala por otras tendencias musicales e interpretativas.
El indigente personaje que toca la marimba, en un último acto de supervivencia, se asocia a un pionero del heavy metal, un baterista que se desarrolló en el ambiente underground que, en Guatemala, es muy precario, según el film. El conjunto musical que resulta con el agregado de la marimba, en perfomances de “música satánica”, tiene un hacedor y es un chiquilín de los barrios marginales, delincuente, prototipo de la picaresca cuando mucho. Esta marimba en desuso cae en la agonía del infierno del conjunto de heavy metal con aspiraciones satánicas.
El eje de la trama resulta interesante pero, ni bien se plantea, se pierde en los escasos minutos que tiene la narración audiovisual, costando entender muchos diálogos por la jerga o argot que utilizan, propios de ciertos barrios guatemaltecos. La filmación además es deficiente en su factura, escasa de medios técnicos.  La película nos muestra una curiosidad musical y social pero todo se desvanece muy pronto.
Carlos Pierre