PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 31 de octubre de 2013

"EL ARTE DE LA GUERRA", "DIXIT" Y "ESCAPE IMPOSIBLE", ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 31



JUEVES 31 DE OCTUBRE DEL 2013.-
Hay 10 estrenos en soporte fílmico este jueves en Buenos Aires. Cinco son nacionales. Empecemos por señalar que alguna que otra película no irá al circuito comercial como es el caso de “El loro y el cisne”, de Alejo Moguillansky, un documental sobre el ballet que es especialidad del realizador. “Olvídame”, de Aldo Paparella, con Antonella Costa y Gonzalo Valenzuela, nos mete en el mundo del suspenso y del horror. “María y el araña”, de María Victoria Menis (la directora de la deliciosa “El cielito”), fue estrenada en Canal 7 y ahora llega al cine. “Rush, pasión y gloria”, de Ron Howard, sobre Niki Lauda y James Hunt, es una película elemental en su concepción sobre dos “héroes” de F1. La encuentran en la esquina…
LA PELÍCULA DE LA SEMANA
EL ARTE DE LA GUERRA
De Won Kar-Wai. Con Ziyi Zhang, Tony Leung, Chiu Wai, entre otros. Música de Nathaniel Méchaly y Shigeru Umebaysashi.
Duración: 124 minutos.
EXCELENTE. MAESTRÍA DE WON KAR-WAI EN UN FILM SUBLIME
Won Kar-Wai es uno de los realizadores chinos (nacido en Shangai, criado en Hong Kong) profundamente admirado en nuestro país por su potente creación de climas y su tan especial narración. En este film (recordamos “El arte de amar”), rinde homenaje a Ip Man (Tony Leung), profesor de Wing Chun, conocido como Kung-Fu, a su vez mentor del recordado Bruce Lee.
“El arte…” está ambientada entre las décadas del 30 y del 50 en una China convulsionada, luego de la caída de la última dinastía imperial. Caos, división entre el norte y el sur, y la feroz invasión japonesa, caracterizaron esos tiempos iniciales del comunismo asiático.
Won Kar-Wai trabajó seis años en la preparación del film y tuvo tres de rodaje y post-producción. El elenco no voló por los aires sino que se aplicaron disciplinas de la cultura oriental tales como la concentración y el control mental para regular el accionar del cuerpo.
La puesta en escena del realizador chino es visualmente inigualable, plástica y conmovedora, incluyendo en esta apreciación la fotografía de Phillippe Le Sourd. Hay una paleta de contrastes que se engalana con la furiosa nieve en los cerezos en flor, por ejemplo. El deleite continúa con los combates en interiores, el juego multifacético de azorados espejos, y, en el exterior, el devenir azaroso de la sociedad china. Gran despliegue de escenas muy violentas cuando ocurre la invasión japonesa le permite a Won Kar-Wai desarrollar contrastes que, aún de origen trágico, resultan maravillosos para el espectador como, por ejemplo, la sangre roja sobre la nieve blanca (recordamos la inmortal metáfora de Shakespeare de “la rosa en la nieve”).
La banda sonora incluye solos de cello de uno de los compositores del film: Nathaniel Méchaly, maestro de los más reconocidos en el mundo de la música clásica y del cine por su virtuosismo y sus creativas melodías.
Más allá de contarnos la génesis de Bruce Lee, Won Kar-Wai nos ofrece un film de belleza sublime, conmovedor en sí mismo y atrapante.
Carlos Pierre
LA DECEPCIÓN DE LA SEMANA
CARRIE
De Kimberly Pierce. Con Chloe Grace Moretz, Julianne Moore, Judy Grer, Ansel Elgort, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 100 minutos.
REGULAR. MODESTA CONCEPCIÓN DE UN TRADICIONAL FILM DE TERROR
Brian de Palma conmocionó en 1976 con su “Carrie”, protagonizada por una muy juvenil Sissi Spacek. Apuntó entonces a desentrañar los abusos en las relaciones humanas en especial aquéllos contra una adolescente tímida que enfrenta su condición de mujer en medio de burlas de sus compañeras o bien  la enloquecida e hipócrita religiosidad de su madre. Abuso materno, abuso de poder en el secundario, crueldad. En el caso de Kimberly Peirce, la historia apunta al efectismo, es decir, a hacernos temblar por los efectos especiales utilizados, si bien son bastante modestos.
El género tiene seguidores y, en especial, un público fiel como es el adolescente. No obstante, hay que marcar las falencias de la realización que, en principio, golpea por el baño de sangre, literal, de Carrie White.
“Carrie White” está protagonizada por Chloé Grace Moretz a quien este rol no le cae bien. Cierta afectación en sus gestos nos sacan del clima denso propuesto. Julianne Moore, gran actriz, está reducida a una estereotipada madre que ha concebido a su hija como una enfermedad terminal y solo encuentra paz en una devoción religiosa enfermiza. Sus gritos nos aturden desde antes de comenzar los títulos, nos congelan en la butaca. Es un papel escaso para tamaña actriz, un personaje que le va “apretado”: considerar que Moore “ha gritado bien” es muy poco.
La resolución del film, conocida de antemano, luce tosca y hasta básica, con el aporte de la computación para que la telekinesis de Carrie sea efectiva y produzca la prevista masacre.
Hay un mérito: mantiene en vilo de principio a fin aunque el desarrollo de los personajes sea lineal, sin profundidad. Una cámara poco inquieta la de Kimberly Peirce, quien debutó con “Boys dont cry”. Entretiene pero no deja nada e incluye, sin atenuantes, crueldad animal. A Peirce le faltó “despeinarse”…
Elsa Bragato
UN CAMINO HACIA MÍ
Escrita y dirigida por Mat Faxon y Jim Rash (The Descendents). Con Steve Carell, Toni Collette, Liam James, entre otros. Música de Rob Simonsen. Duración: 103 minutos.
MUY BUENA. ALGO MÁS QUE UNA HISTORIA DE VERANO
Los reconocidos realizadores de “The descendants” (Oscar al mejor guión) debutan con “Un camino hacia mí” y actúan en el film también. Nos presentan una comedia aleccionadora, eficaz, con muy buenos diálogos y la presencia de la imbatible Toni Collette, una australiana capturada por Hollywood que no necesita de efectos especiales para demostrar su enorme capacidad actoral.
El guión sobre la adolescencia, este “adolecer” de tantas cosas en esa bella y difícil etapa de la vida, se encauza firmemente de la mano de Faxon y Rash. De a poco, y con los personajes que se requieren (el protagonista, el antagonista, el dador, etcétera) para el entramado dramático, nos relatan el camino nada fácil de Liam James, entre su madre y el pretendiente de ésta. Surge el antihéroe en el rol del empleado del parque de agua (Sam Rockwell) y el subtema amoroso con la empática Annasophia Robb).
Es una historia simpática, atractiva, donde la timidez de un joven adolescente está muy bien concebida (contracción de hombros del joven actor, por ejemplo) porque puede ser una debilidad inicial pero no determinante como para no construir un camino de vida.
Las escenas son fluidas, con muy buenos diálogos, conformándose una comedia disfrutable, amable, sobre la adolescencia, las relaciones familiares, los nuevos amigos, el nacimiento de un romance. Deliciosa película.
Carlos Pierre
EL DOCUMENTAL DE LA SEMANA
                DIXIT
Guión y dirección de Alcides Chisa y Carlos Eduardo Martínez. Música de Sergio Iglesias. Imágenes de archivo: María Flores. Duración: 134 minutos.
MUY BUENO. TESTIMONIO IRREFUTABLE SOBRE LOS CENTROS DE TORTURA
Enorme valor testimonial, sustentado en material de archivo que fuese rescatado de los informativos televisivos durante la última dictadura militar, entre los años 1976 y 1983, ofrece “Dixit”. Este recorrido documental, tristemente esclarecedor sobre la “vida” infrahumana en los centros clandestinos de detención, nos habla sobre más de 500 centros reconocidos no solo en la ciudad de Buenos Aires sino también en la provincia, en Cordoba, Tucumán y Neuquén. Chiesa y Martínez señalan que, en un comienzo, el material en VHS fue decepcionante dado que mostraba un “país ideal” donde no había ni conflictos ni protestas. En 2003, cuando se anularon las leyes de impunidad contra los dictadores, se abrió las puertas a una dolorosa realidad, trágica: la de los centros de detención, lugares de secuestro y tortura.
Recién entonces, a lo largo y ancho del país, la gente, el habitante común, se animó a hablar sobre los horrores que practicaban los militares contra sus conciudadanos. Desgarradores imágenes surgieron a la luz, vejaciones de todo tipo, y ese material, ocultado a sabiendas, permitió las posteriores condenas.
Este documental es un aporte muy valioso para la memoria de los argentinos. Estamos frente a un testimonio irrefutable de esa oscura historia que provocó la dictadura militar de los 70. Se impone un vehemente “nunca más”. No deje de verlo.
Carlos Pierre
LOS HÉROES DE LA SEMANA
ESCAPE IMPOSIBLE
De Mikael Hafström. Con Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Jim Caviezel, Vinnie Jones, entre otros. Música de Alex Heffes. Duración: 115 minutos.
BUENA. ENTRETENIDO POLICIAL QUE REÚNE A DOS GRANDES DEL CINE DE ACCIÓN
Reunir a Stallone y Schwarzenegger es apostar a dos marcas registradas del cine de acción de los últimos 30 años. Juntos son más que dos ídolos de fuerte contextura y gran magnetismo. Es una pareja que se las trae y que se disfruta.
La película está ambientada en un presidio de máxima seguridad, de improbables escapes de los reclusos. Un experto en seguridad (Stallone) prueba sus teorías no convencionales en el diseño de cárceles. Tras ocho años de testear, viviendo en las cárceles y logrando un singular éxito en sus huídas, al hacerse pasar por terrorista es secuestrado y llevado a una cárcel muy especial llamada “la tumba”.
Su “alter ego”, otro preso con condiciones no comunes (Schwarzenegger), lo ayuda con su fuerza para escapar de un alguacil médico (Jim Caviezel) y de su mano derecha, un guardia superviolento (Vinnie Jones). Tarea difícil para los dos superhéroes el escape de esa cárcel ubicada en medio del mar.
Se producen dos facciones: la de los reos y la de los carceleros, en medio de sistemas de seguridad infalibles monitoreados por sistemas digitales de última generación.
Nuestros dos héroes, maduros y bien plantados en la escena, hacen gala de los poderes que les hemos conocido y logran sorprendernos y entusiasmarnos. Sin duda, la dirección de Mikael Hafström es inteligente y acertada, echando mano a una inagotable batería de efectos especiales.
Hay aciertos en el guión que generan suspenso, algunos gags conocidos pero rejuvenecidos por los efectos especiales actuales, y, si bien no hay un aporte al cine de acción, es un film muy entretenido y divertido de principio a fin, disfrutable.
Carlos Pierre
UN FILM PARA PENSAR
LA GUAYABA
De Maximiliano Guerra. Con Lorenzo Quinteros, Marilú Marini, Nadia Ayelén Giménez, Bárbara Peters, Raúl Calandra, entre otros. Música e interpretación: Raúl Barboza. Duración: 87 minutos.
BUENA. DRAMA VALIENTE Y VALIOSO SOBRE LA TRATA DE PERSONAS
La película de Maximiliano Guerra, con sus más y sus menos, nos mete de lleno en el doloroso y espinoso tema de la trata de personas. “Florencia” (Nadia Ayelén Giménez) es la personificación de tantas niñas engañadas y secuestradas para prostituirlas y vejarlas en todo sentido. Con sus 17 años y todo el candor de esa edad en una joven del interior del país, vive en las afueras de Puerto Iguazú, tiene una vida muy pobre pero digna junto a sus padres  y sus cuatro hermanos. Se entretiene jugando alrededor de un árbol de guayaba, fruto tropical.
La engaña una mujer que le promete trabajo, y la encierra en un mísero bar, donde es drogada y prostituida. Su verdugo es el dueño del bar (Lorenzo Quinteros). Una secuencia desgarradora nos muestra a la jovencita dibujando en su sucia habitación un cielo con muchas estrellas gracias a una birome que un cliente le regaló. Marilú Marini irrumpe en la vida de esta joven de manera insólita. Y es el “quid” del argumento.
Este film sirve para ilustrarnos cómo se “trabaja” secuestrando a jóvenes muy pobres en el Noroeste del país. Se estiman unas 27 millones de personas que son víctimas de la trata de personas con todo lo que significa: explotación laboral y sexual, trabajos de servidumbre de todo tipo. Las cifras son escalofriantes: hay, desde el 2008 hasta la fecha en nuestro país, 3500 víctimas por trata de personas.
Es una ficción valiente, valiosa, para saber cómo se opera en este delito y saber que existe el número 145 para hacer denuncias al respecto. No lo olvidemos.
Carlos Pierre

jueves, 24 de octubre de 2013

"LA INFIEL" Y "LOS ELEGIDOS", LO MEJORCITO DEL JUEVES 25 DE OCTUBRE



JUEVES  24 DE OCTUBRE DEL 2013.-
Siete estrenos de cine nos hacen pensar que hay mucho para mostrar (dos de los films son nacionales) pero es todo lo contrario. Hay que desbrozar la maraña para no perder ni dinero ni tiempo. Veamos:
l) TIEMPO DE CAZA, de Mark Steven Johnson. con Robert De Niro y John Travolta, nos cuenta la historia de un ex combatiente americano y su encuentro con un soldado serbio. Es una suerte de “Tom y Jerry” entre humanos, de torturas físicas mutuas espantosas, con poco diálogo y muchos gritos de espanto y dolor. Las actuaciones de sus protagonistas, los únicos en el film, son rutinarias. El odio y la comprensión entre un serbio y un americano. Pretensiosa y brutal. Regular.
2) LA TOMA, de Sandra Gugliotta. Apenas un poco más de 60 minutos que permiten que sea un largometraje. Un documental sobre la toma del secundario Nicolás Avellaneda en el 2010. Puede serle útil a los padres y alumnos de esa casa de estudios y, en general, para verse retratados en una pantalla grande, sus conflictos de clases, sus relaciones. No nos convence este estilo de documentales. No lo calificamos.
3) LOS ELEGIDOS, de Scott Stewart. Ciencia ficción al servicio de las abducciones alienígenas, esta vez atacan a los hijos de una joven pareja que se va a vivir a una casa. La historia es similar a otras tantas películas (la casa, la pareja joven, los hijos abducidos, los estudiosos de estos fenómenos). Más de lo mismo, pero… buena, mantiene en vilo.
4) KICK ASS 2, de Jeff Wadlow. Tiene violencia extrema entre adolescentes que quieren limpiar la ciudad de delincuencia, pero no se sabe quién es más delincuente. Los chicos, enmascarados, juegan a tirarse tiros en el pecho, a sacarse las manos de un hachazo o cuchillazo. No hay humor y la violencia porque sí desagrada y mucho. Yanquilandia de humor tosco y brutal. Mala.
LA DECEPCIÓN DE LA SEMANA
ADORO LA FAMA
De Sofía Coppola, con Israel Broussard y Katie Chang, Emma Watson, entre otros. Música de Brian Reitzell. Duración: 90 minutos.
REGULAR. CHICOS RICOS ABURRIDOS EN HOLLYWOOD
Sofía Coppola regresa a la pantalla con el bagaje de su apellido, su papá en la producción, y una buena línea narrativa que pierde fuerza rápidamente. Los hijos de los productores relacionados con el cine en Hollywood se sienten atraídos por la riqueza de las famosas como París Hilton y Linsay Lohan, entre otras. Y deciden, a instancias de una de las adolescentes de la secundaria, ir a sus mansiones y robarles. El guión está basado en hechos reales ocurridos en el 2009. Pronto se pierden las referencias fundamentales: las familias y la escuela donde se conocieron. Y solo se ven las salidas a los boliches, los robos aún bajo los “ojos” de cámaras de seguridad, y el fumar y aspirar todo tipo de drogas. Sofía Coppola, que conoce ese mundo adolescente como nadie, pierde el hilo conductor para dejarse ganar por estos placeres dañinos que filma con delectación, utilizando todos los planos posibles y hasta un virado a sepia interesante.
Hay incongruencias que, suponemos, se debe a la manera de encarar la ficción: que una famosa deje bajo el tapete de entrada su llave luego del primer robo millonario, que las cámaras de seguridad no hagan reaccionar a la policía sino luego de mucho tiempo, que ninguna celebridad se haya quejado públicamente luego de ver invadida su casa la primera vez. Nada de esto sucede y hace no  creíble el guión aunque haya pasado más o menos así. No hay guardias, no hay nadie en las mansiones.
Se dejaron dos bloopers: la aparición de un brazo ¿de un técnico? en una escena y, en el marco de una puerta, sombras que no corresponden a los movimientos de las adolescentes. No se entiende tampoco la presencia del padre de las tres hermanas (entre las que está la ascendente Emma Watson, de la saga “Harry Potter”), un extra que no emite palabra en una charla de sobremesa. Ni la actitud de la madre que las alecciona en el dogma de una secta. Lamentable.
La justicia llega pero tarde. Por ahí se menciona a la cientología y uno se pregunta si es un reproche de Sofía Coppola hacia la secta religiosa. Hay seguridad en la filmación, oficio propio y familiar. Sin embargo, nos quedamos con “Perdidos en Tokio”…
Elsa Bragato
LA SORPRESA DE LA SEMANA
LA INFIEL
De Eitan Zur. Con Melanie Peres, Yossi Pollak, Suhell Haddad, entre otros. Música de Adrien Blaise. Duración: 102 minutos.
MUY BUENA. EL INTRINCADO LABERINTO DE LAS ALMAS HUMANAS
Thriller psicológico de poderoso contenido lírico, cuyo tema universal es la trágica relación de un hombre maduro con una joven a quien la dobla en edad. Y es un logrado desafío del realizador israelí Eitan Zur en esta ópera prima basada en la novela de Edna Mazya. El guión, poblado de sugestivos silencios, también pertenece a Mazya.
El título original es Hitpartzut X y es el resultado de la búsqueda de la autora en la astrofísica porque se refiere a una presencia cósmica como energía errante. Ésta, dispuesta a vagar eternamente como tantas otras energías, se encuentra con otra. Y se produce la feliz metáfora cinematográfica del encuentro entre el profesor de astrofísica en la ciudad de Haifa con su alumna joven y bella. Son dos energías erráticas que se chocan.
Eitan Zur analiza la convivencia de la pareja a partir de sus almas y de sus acciones, la infidelidad, la devoción ciega de uno de los dos hacia el otro, la culpa que carcome a uno silenciosamente, la irrenunciable y enfermiza actitud posesiva del otro. Lo notable de este film es que muestra sin estridencia, sin sobresaltos, las pasiones humanas, el laberinto intrincado de las almas. La narración visual también es de notable factura basada en planos justos de rostros y de una cámara que hurga más allá de los mismos. Le sumamos las actuaciones de Yossi Pollak como el esposo maduro que persigue, en silencio, a su joven y hermosa esposa, y también destacamos a Oma Porat como la madre del esposo engañado.
De allí que afirmamos que otro tándem de gran valor lo forman la fotografía de Shai Goldman y la música incidental de Adrien Blaise, que también incluye obras de Schubert, Brahms y Vivaldi.
Eitan Zur afirmó que había encarado este film con cierto pudor por el tema, alejado de la realidad compleja y bélica que rodea al Estado de Israel. Es una historia conmovedora.
Carlos Pierre

jueves, 17 de octubre de 2013

"CAPITÁN PHILLIPS" Y "CAÍTO", LO MEJOR DE ESTE JUEVES 15 DE OCTUBRE



JUEVES 17 DE OCTUBRE DEL 2013.-
Hay 9 estrenos de cine que incluyen cinco films y documentales nacionales. La semana pasada comentamos “La guerra del fracking” de Solanas, que se  pasó para este jueves sin previo aviso. No comentamos el estreno de “El problema con los muertos es que son impuntuales”, documental sobre los rituales a la hora de la muerte de los que participa Péculo, el empresario que creó los cementerios-parque privados en el país, como tampoco el film “Pies en la Tierra” de Mario Pedernera, sobre un hombre discapacitado de 33 años. Ni el pequeño film extranjero pero con suerte de ser estrenado en grandes salas titulado “La hermana”, de Ursula Meier, sobre la relación de dos hermanos.
LAS DOS PELÍCULAS DE LA SEMANA
CAPITÁN PHILLIPS
De Paul Greengrass. Con Tom Hanks, Barkhd Abdi, Catherine Keener, entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 134 minutos.
MUY BUENA. VIBRANTE DRAMA DE ACCIÓN SOBRE UN HECHO REAL
Paul Greengrass fue realizador de Ultimatum Bourne y de United 93, el mejor film sobre el ataque a las Torres Gemelas. Es notable su capacidad para filmar acción de manera verídica, conmoviendo al espectador. Con el libro “A captain duty”, del capitán Richard Phillips, logró otra espectacular película de acción que, aunque dura 134 minutos (incluidos los créditos), da la impresión de tener muchos menos, tal es la acción sinfín desarrollada con las cámaras y el nervio de Greengrass.
Tom Hanks, ganador de dos Oscars, admirado en Hollywood y todo el mundo, vuelve al centro de la acción con un film donde puede demostrar, especialmente en las secuencias finales, su capacidad. Los hechos posteriores al rescate ponen a Hanks en una situación actoral que solo le conocimos en Philadelphia.
El film cuenta la captura del barco Maersk Alabama en el 2009 por cuatro somalíes con metralletas. Es un buque cargado de alimentos para las zonas pobres de Africa, incluyendo Somalia. Pero debe cruzar la Cuenca Somalí, plagada de piratas, y solo por la actitud severa, serena, del capitán Richard Phillips, no hay más muertos que los que se muestran. Un hecho real, conmovedor, bien contado, con un clima de tensión logrado por las cámaras y el planteo de filmación de Greengrass y la música incidental de Jackman, a manera de reloj de bomba a punto de estallar.
En principio, da para pensar el despliegue naval de los Estados Unidos frente al rapto de uno de sus hombres, uno solo que amerita la llegada de un portaviones, dos buques de guerra, y un sofisticadísimo sistema de armas con capacidad de proyectar en una pantalla sus objetivos. Ya no es la luz infrarroja de los 80 sino la transmisión en imágenes y grabación al mismo tiempo de los “targets” a los que apuntan. Todo este arsenal debe luchar contra la porfiada actitud de los cuatro somalíes dispuestos a matar al capitán Richard Phillips. Exageración real frente a una mínima amenaza a la seguridad de un estadounidense.
Más allá de cualquier pensamiento que se pueda tener al respecto, o del estupor que causa el hecho de que los datos de cada ciudadano del mundo estén cargados en computadoras que no son las de nuestros países, estamos en presencia de un film de intensa acción, de principio a fin, sin descanso para el espectador, con secuencias impactantes a cada instante.
Marcamos algunos momentos cruciales: el abordaje de los somalíes al carguero norteamericano (en medio de potentes chorros de agua que salen del buque para hundir los gomones pirata) con una escalerita que parece de alambre retorcido; la captura del rehén, el bote salvavidas, la desesperación del capitán Phillips al arrojarse al océano (escena de algo impacto emocional), el intercambio de “capitanes”. En este caso, asombra la ingenuidad de uno de los captores, a cargo del ahora actor somalí estadounidense de 26 años llamado en la vida real Barkhad Abdi, que ceden al engaño del “hombre blanco”. Sin dejar de lado el “Scan-eagle” que es como para sentirnos espiados siempre.
Todo es nervio, acción sinfín, un Tom Hanks que no convence al comienzo pero que va ganando en calidad actoral cada segundo que pasa hasta la culminación del film (notable interpretación), dramatismo que no cesa, y una de esas películas vibrantes y conmovedoras. Dos opuestos: el veterano Tom Hanks en gran papel y el novel somalí Barkhad Abdi como el contrahéroe, ambos capaces de mantener en vilo a la audiencia y de cargar en sus espaldas con la columna vertebral del relato. No se la pierdan.
Elsa Bragato
RIDDICK
De David Twohy. Con Vin Diesel, Jordi Mollá, Matt Nable, entre otros. Música de GrameRevell. Duración: 114 minutos o bien 128 minutos en versión extendida.
BUENA. UN HÉROE AGÓNICO EN UN RELATO SOMBRÍO
Riddick es la tercera parte de este antihéroe furyano que encarna Vin Diesel. Las anteriores fueron Pitch Black y Las Crónicas de Riddick. Nos muestran al protagonista abandonado a su suerte en un planeta yermo, a punto de desaparecer porque una tormenta en el horizonte amenaza con calcinarlo.
La primera secuencia introductoria es acertada: un enorme pájaro alienígena se lanza a mordisquear un brazo humano semienterrado en una superficie agrietada. Es el de Riddick que está vivo, cuando se lo cree muerto. Pero esa mano es suficiente para iniciar la acción del film.
La primera parte, además, del film, está muy delimitada y es silente, sin parlamentos, con el accionar desesperado del protagonista que lucha contra feroces coyotes alienígenas, adoptando uno como mascota. Lo rodea un paisaje árido y desolador, con connotaciones del oeste americano. Hay criaturas acuáticas, cangrejos que atacan, y que emergen del lodo. Riddick solo cuenta con su faro de emergencia que se puede ver desde otro planeta. La segunda parte se produce con el arribo de una raza de mercenarios que buscan recompensa por capturar a Riddick. Lamentablemente son hispanos y resulta bastante molesto que los “salvajes” y los “malvados” sean de esta parte del largo continente americano. La tercera parte se centra en el duelo de Riddick con otro personaje (lo tiene que descubrir el espectador…) que viene a cobrarse una deuda personal.
El film tiene flashbacks que son los únicos que nos remiten a los anteriores de la saga y las únicas referencias posibles para comprender que estamos ante el mismo héroe que da nombre a las crónicas. De ser un antihéroe ganador a este hombre dejado a su suerte hay un largo trecho y solo se comprende si se considera a la película como una transición entre las dos realizadas y las que ya están en marcha, dos más.
En cierta medida, hay decepción porque los antihéroes o héroes o protagonistas de sagas tienen características especiales que aquí no se ven si bien Riddick está en una situación que solo una fuerza personal poderosa puede superar. Es un film muy sombrío, un testeo de futuras aventuras, un Riddick que puede ser un perdedor sin más razones que las que permiten hacerlo renacer casi de sus propias cenizas. El ingenio esta vez ha escaseado o bien se ha contagiado del mundo estéril que presenta. Esperemos la próxima para ver si Riddick vuelve a ser quien era.
Carlos Pierre
LA TRAMPA DE LA SEMANA
APUESTA MÁXIMA
De Brad Furman. Con Justin Timberlake y Ben Affleck, producción de Leonardo Di Caprio entre otros, música de Christophe Beck. Duración: 91 minutos.
REGULAR. ABURRIDO RELATO SOBRE LAS APUESTAS
Sin más atractivos que los dos actores protagónicos, con bellos paisajes de Costa Rica, Apuesta Máxima (Runner Runner) es realmente un fiasco para el espectador. Cuenta el caso de Rickie, a cargo de Justin Timberlake, que apuesta al póker vía internet para poder pagar la universidad. Pero es descubierto y echado, además de haber perdido a manos de un timador los dólares que le quedaban. Decide investigar y viaja a Costa Rica donde conoce a uno de los líderes de las apuestas “online”, Ivan Block, que encarna un poco convincente Ben Affleck (mejor director que actor).
Vivir de las apuestas, del “gambling”, resulta más que tentador para Rickie que caerá en diversas trampas aunque deslumbra con su capacidad al temible Block. A pesar de que se muestra a los centroamericanos como violentos, a pesar de que se intenta dejar a esta parte del mundo como una zona de pecados de diversa índole, no hay emoción alguna, no hay momento en el que uno pueda identificarse con los personajes. Todo transcurre en un tono medio dentro de una historia previsible y ligeramente aleccionadora, siempre sobre las mismas bases: está mal apostar, hay que ser honestos. Sin nervio en la narración audiovisual, se siente que se perdió el tiempo al salir de la sala. No la recomendamos.
Elsa Bragato
LA SORPRESA DE LA SEMANA
CAÍTO
De Guillermo Pfenning. Con Luis Caíto Pfening, Guillermo Pfenning, Marinha Villalobos, Romina Ricci, Juan Bautista Stagnaro, Bárbara Lombardo. Producción de Pablo Trapero. Duración: 70 minutos.
BUENA. CONMOVEDOR DOCU-FICCIÓN
El reconocido actor Guillermo Pfening, de larga trayectoria en cine con Pablo Trapero, Eliseo Subiela, Paula de Luque, Lucía Puenzo, entre otros, así como con una aquilatada carrera televisiva en Campeones, Valientes, Costumbres Argentinas, Doble Vida, y teatro en diversas oportunidades, se lanza como director de largometrajes. Parte de su cortometraje “Caíto” que logró el premio Georges Meliés en el 2004. Es sobre la vida de su hermano Luis Caíto, quien se moviliza en un cuatriciclo en la ciudad de Marcos Juárez, Córdoba, a raíz de una enfermedad.
Es un docuficción de Guillermo Pfening quien, con el apoyo de actores, cámaras y luces, pergeñó una historia de amor para su hermano cuando le manifestó su deseo de ser padre. Es documental porque nos muestra a Caíto en su vida diaria, con su kinesiólogo, su trajinar en la silla de ruedas por la ciudad, en boliches, con amigos. Siempre emprendedor, entusiasta, querible y querido por familiares y amigos. La ficción surge por la inserción de la historia de amor que Pfening organiza para su hermano, mostrando su enorme generosidad y amor por Caíto, que es un ejemplo de superación y de lucha por la vida.
Hay mucho amor en este film, se produce una rápida empatía con el espectador. Y nos deja una verdadera lección de fraternidad. Breve pero contundente, bien realizado.
Carlos Pierre
SOLO
De Marcelo Briem Stamm. Con Patricio Ramos y Mario Verón. Música de Francisco Bendomir - Tamara Moser. Tema "No vas a volver" compuesto e interpretado por Mike Zubi. Duración: 80 minutos.
MALA. ELEMENTALIDAD Y CELULARES PARA UN RELATO POBRÍSIMO
Si bien “Solo” tiene una buena fotografía inicial y el director utilizó bien los espacios escénicos, pronto se reduce a un encuentro casual claustrofóbico, previsible, y sin mayor encanto visual. Julio y Manuel son los personajes protagónicos, interpretados por Patricio Ramos y Mario Verón. Hay una tercera que no es discordante.
El primer plano inicial dio indicios de algo bien realizado. Pronto caemos en la trampa de que los diálogos serán elementales y que el celular es el gran protagonista de varias secuencias, artilugio que evita filmar lo que se nos “cuenta” y que, siempre, desluce cualquier narración audiovisual.
De a poco, los cuerpos de los dos jóvenes, que se invitan vía chat a una noche de placer, van dejándose ver, al principio con pudor, luego casi como en un film condicional. No hay profundidad en los personajes, todo se reduce a una venganza que no tiene sentido alguno, a largas escenas de besos, y a una incapacidad literaria supina para darle carnadura a personajes y diálogos.
Aunque el film haya sigo aclamado en el exterior, como se indica en la excelente gacetilla, nos parece muy pobre para retratar una relación homosexual, remanida por lo previsible, y poco respetuosa de la elección sexual de los personajes. Con mucho ingenio podemos suponer que es un alerta roja sobre lo que puede significar una cita a ciegas. No obstante, el doble juego de quién es el malo, quién es el que miente, si uno u otro, y la resolución de la trama, no aportan nada porque nada hay en el guión salvo el gusto, el placer, de mostrar a dos jóvenes desnudos besándose, intentando amarse y a uno de ellos que, repentinamente, inventa una venganza. Siendo nuestro país una nación de avanzada en su legislación sobre las parejas homosexuales, esta película no le hace honor. La elementalidad en su máximo exponente.
Elsa Bragato