PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 31 de enero de 2013

TRES PELÍCULAS NOMINADAS A LOS OSCAR ESTE JUEVES 31 DE ENERO


JUEVES 31 DE ENERO DEL 2013.-
DIANGO SIN CADENAS
De Quentin Tarantino. Con Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo Di Caprio, Samuel L. Jackson, Kerry Washington, entre otros. Música de Luis Bacalov, Ennio Morricone. Duración: 165 minutos.
EXCELENTE.  LA ESCLAVITUD Y LA PERVERSIÓN HUMANA A LO TARANTINO. NOTABLES ACTUACIONES
“Djando sin cadenas” es el sueño cumplido de Quentin Tarantino quien deseaba filmar un “western spaghetti” desde hace más de una década, siendo un estudioso del género. El personaje principal, Django, es un clásico de este tipo de westerns que, en los 60, tuvieron grandes cultores en Italia como Sergio Leone y un gran compositor como creador de las bandas sonoras: Ennio Morricone. Tarantino ha sido fiel al estilo de los “W. Spathetti” y al compositor, retomando el tema que, en 1966, hiciera el argentino Luis Bacalov, y agregando uno especial que Morricone compuso para el film: “Ancora qui”, cantado por Elisa Toffoli.
De todas maneras, Ennio Morricone forma parte de los equipos de Quentin Tarantino como la serie de “Kill Bill”, entre otras películas.
En los “western spaghetti” el eje narrativo tiene dos puntales: la venta de esclavos y los cazarecompensas. No hay cruces de géneros sino un western hecho y derecho, tal como lo explicó el propio Tarantino. La historia se ubica en 1858, cuando un grupo de esclavos son trasladados a través de Texas por los hermanos Speck. Se topan con un extraño personaje, el dentista King Schultz (C. Waltz), un alemán de manejo veloz de las armas, que busca a uno de los esclavos, Django (jamie Foxx, intenso en su personaje, excelente, con recursos muy medidos) proveniente de las plantaciones de los hermanos Brittle, buscados por la justicia. En medio de un tiroteo feroz y de explosiones sangrientas, el dentista libera a Django e inicia la “caza” de los Brittle. La mujer de Django también es esclava por lo que deben liberar a Broomhilda (Karry Washington).
Leonardo Di Caprio compone al feroz amo de Broomhilda, llamado Calvin Candie, para quien trabaja un notable Samuel L. Jackson en el papel de la mano derecha como “Stephen”, así como aparecen también el propio Tarantino y hasta Don Johnson( “Miami vice”, ex esposo de Melanie Griffith y de Barbra Streisand), Franco Nero (el Django de 1966 que dio origen, en alguna medida, a este film), Russ Tamblyn (el rubio de Amor sin barreras que lideraba la banda opuesta a los portorriqueños). Para los amantes del cine de todos los tiempos, en esta película hay rostros de inolvidables films y series de TV.
La narración transita por los carriles del western europeo, fuerte, brutal, y, en el caso de Tarantino, sangriento al por mayor (recordar “Pulp Fiction”). Hay un “in crescendo” con momentos hasta poéticos. Por ejemplo, la secuencia en los desiertos texanos donde Django le cuenta al dentista Schultz que su mujer se llama Broomhilda y que fue educada por amos alemanes, por lo que habla ese idioma. Este hecho emociona al cazarecompensas Schultz (gran Christoph Waltz) quien recuerda que Broomhilda es un personaje de la mitología germana. La densidad dramática está en el encuentro con el brutal blanco Calvin Candie (Di Caprio, inexplicablemente fuera de las nominaciones de los Oscars), su afición por la lucha a muerte de los “mandingos”, o negros esclavos obligados a sacarse los ojos como “diversión” de los blancos; entre los invitados a estas “fiestas privadas” está Franco Nero como “Amerigo Vessepi” y, entre los negros de la mansión de Candy aparece la bella Broomhilda, desvelo de Django y  del doctor Schultz.
Las secuencias sobresalientes son cinco: el relato de Django a Shultz sobre Broomhilda, la lucha de los mandingos, la cena con el sangriento Calvin Candy, el despedazamiento de un esclavo por perros hambrientos, y la larga secuencia del final donde la sangre chorrea por las paredes literalmente.
Hay que destacar la atracción que ejerce el relato de Quentin Tarantino en el espectador, con sobresaltos de tiroteos y muertes brutales.  Impresionante. Y la calidad de las actuaciones de los protagonistas en los que se incluye a Di Caprio en un papel muy diferente a los que ha realizado y a un irreconocible Samuel J. Lackson. La música está hábilmente editada para que se escuche tanto la tradicional de Luis Bacalov como la flamante de Ennio Morricone.
Otro detalle importante: en muy pocos westerns, en general, se trató el tema de la esclavitud de los negros y en muy pocos también se analizó la actitud de los propios negros libertos respecto de sus hermanos de raza (destacamos “El color púrpura”, de S. Spielberg). Tarantino nos muestra la brutalidad hacia los esclavos negros como problemática social y, con pinceladas, la actitud de negros y blancos ante ella.
No es un western más. Es un western con una crítica social sobre la discriminación muy importante, y,  si miramos entrelíneas a nuestras sociedades, subsiste. La realización es lisa y llanamente impecable.
Elsa Bragato
LA NOCHE MÁS OSCURA
De Kathryn Bigelow. Con Jessica Chastain, Jason Clarke, Reda Kateb, James Gandolfini, Ricky Sekhon (Osama Ben Laden), entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración:  157 minutos.
BUENA.RELATO CON DESNIVELES SOBRE LA CAZA DE OBL
Se esperaba mucha más acción y menos torturas y burocracia. El film de Kathryn Bigelow está deliberadamente dividido en dos partes: una primera, de búsqueda de la información, y la segunda, muy breve en relación a la anterior, del asalto al fuerte donde vivía el lídear de AlQaeda en Pakistán. Se basa en el libro “No fue un día fácil” (No easy day) escrito por un oficial retirado del grupo de tropas especiales, Matt Bissonnette, de 36 años, quien participó en el operativo.
Nosotros encontramos tres partes narrativas: la primera es la inicial, con dos minutos de negro absoluto en pantalla y el sonido de las voces de los pasajeros, tomadas de los contestadores, despidiéndose de sus familias durante los atentados del 11 de setiembre del 2001. La segunda parte, hilvanada con ésta, nos muestra las torturas a las que es sometido “Amman”(Reda Kateb), un hombre rico relacionado con Ben Laden, conocedor de los “couries” o mensajeros del líder. Y la tercera es el asalto, como indicamos antes, al fuerte con la sangrienta captura de Ben Laden.
De principio a fin está Maya, a cargo de la estupenda Jessica Chastain, en quien la realizadora sintetizó “el trabajo de varias mujeres de la CIA y una en especial, aún en actividad”. Es el primer trabajo y lleva 10 años analizando posibilidades de captura del líder terrorista. Su jefe está encarnado por James Gandolfini. Pero es ella quien lleva adelante la búsqueda, con la ayuda de otros agentes que hacen el “trabajo sucio” en enclaves de la CIA de paraderos desconocidos. Destacamos la labor de  Jason Clarke como el “segundo” de Maya. La división en capítulos ayuda a comprender mejor el texto que, aún estando centrada en el capturado Amman, tiene elipsis narrativas importantes porque el principal mensajero, aquél que lleva al terrorista, no está identificado debidamente para el espectador. Se salta abruptamente a la actividad de los satélites que capturan los movimientos del llamado “fuerte” terrorista, así como las conclusiones de los investigadores: “Solo hay un hombre que no sale del lugar y que pasea en sitios alejados de los muros por lo que no puede ser divisado desde afuera”.
Se pueden analizar varios subtemas: el uso de la tortura psicofísica en tiempos del presidente Obama, cuando quien la apoyó fue el ex presidente Bush jr y Obama señaló que no se torturaba más; el papel de la mujer como investigadora en situaciones límites, y la verdad histórica, si realmente la captura del líder de AlQaeda fue tal como se muestra en el film, dado que existen otras descripciones del hecho más espeluznantes. En todo caso, el film tiene un gran costado feminista: una mujer centra los esfuerzos del servicio secreto más importante del mundo, la CIA, con sus redes en todo el mundo. Esto… también es para pensar.
Señalamos algunos detalles técnicos: hubo 120 papeles con diálogos, fue rodado en 3 continentes, con 112 sets, incluida una réplica de la fortaleza del líder terrorista, construida en Jordania, cerca del Mar Muerto. Además se utilizaron locaciones en la India como “doble” de Pakistán, recibiendo el elenco hostigamiento de grupos ultraderechistas hindúes. También apuntamos que el asalto al fuerte ocurrió el 1 de mayo y se dio a conocer el 2 de mayo del 2011. El gran trabajo técnico está en el sonido: nada nos anuncia lo que viene, nada nos pone los pelos de punta con antelación, nada concluye con música incidental lo que se está viendo o por ver.
En síntesis, nos pareció un film al que le faltó fuerza, que se desdibujó, que terminó siendo un largo relato de la burocracia de la CIA dejando en último término el asalto y caza de OBL, con un esquema narrativo muy circunscripto a la “verdad oficial”, sin desarrollo de los personajes que intervinieron. Y con mensajes sobre la tortura y la venganza que son temas éticos a analizar por cada uno de nosotros.
Finalmente, el único personaje bien perfilado es el de Maya. El resto se pierde en el camino.
Elsa Bragato
GRABA
Guión y dirección: Sergio Mazza. Con Belén Blanco, Antoine Raux, entre otros. Música de Sergio Mazza e Ignacio Santoro. Duración: 88 minutos.
REGULAR. OPRESIVA REALIDAD DE UNA ARGENTINA EN PARÍS EN UN RELATO “A MEDIAS”
Un clima asfixiante, un París gris y atormentado, es el que recibe a una inmigrante argentina. Arrastra el peso de un embarazo interrumpido en Buenos Aires, acaso lleva “grabadas” en su alma la pérdida de un hijo y la ruptura con su novio. Ante la rígida negación de la ciudadanía francesa y del permiso de trabajo, la protagonista accede, sin dinero ni fuerzas, a los requerimientos sexuales del dueño de la pensión quien, a su vez, tiene problemas personales.
Es un film que nos desconcertó: ausencia casi total de diálogos, suplantados por las largas caminatas en medio de la bruma nocturna parisina, a orillas del Sena, con escenas explícitas de sexo. El peso del pasado y la realidad aplastante. Apenas balbuceos en español y francés con la actriz Belén Blanco y el periodista francés Antoine Raux devenido en actor. Nuestra modesta opinión es que, aún en narraciones audiovisuales con pocos diálogos o nulos, debe haber cierto correlato más explícito de secuencias y el título del film también debe comprenderse rápidamente. No es el caso.
Carlos Pierre
EL FRUTO
De Miguel Baratta y Patricio Pomares. Elenco del pueblo de Carlos Keen, camino Luján-Pergamino. Música de Ernesto Picerno y Patricio Pomares. Duración: 65 minutos.
MUY BUENA. BELLO RETRATO DE UN SINGULAR PUEBLO BONAERENSE
Es realmente singular esta película que tiene a Juan como eje, un sesentón que busca a una curandera para una afección y tiene solo una forma de pago: un pequeño árbol.  La fotografía encarada por los realizadores y Cecilia Bruck es simplemente estupenda. Sólida, con encuadres perfectos, nos muestra la vida en un pueblo de campo. Allí hay sencillez pura y genuina.
Nos pareció una gran película como cine-arte. Incluso se ha cumplido con el rubro música a través de la banda sonora original de Ernesto Picerno y Patricio Pomares. El trabajo con gente lugareña no pudo ser mejor, captados por una cámara infrecuente en el cine nacional, que buscó gestos, detalles, para meternos en un mundo vigente, opuesto al de la gran ciudad, pero más real que este último.
Una pequeña joya de la fotografía como base de un relato audiovisual
Elsa Bragato

EL LADO LUMINOSO DE LA VIDA
De David O. Russell. Con Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, entre otros.  Sobre un libro de Matthew Quick. Música de Danny Elfman. Duración: 122 minutos.
MUY BUENA. COMEDIA LUMINOSA SOBRE LAS ALEGRÍAS Y TRISTEZAS DE LA VIDA
Merecidamente, El lado luminoso de la vida está entre las posibles ganadoras del premio Oscar al mejor film, así como varios de sus intérpretes están también nominados. Es difícil que una comedia gane un Oscar, una excepción fue “Buenos días, Vietnam”, pero no imposible.
David O. Russell nos cuenta la historia de una familia común, con su hijo, Pat (Cooper), que lo ha perdido todo por la infidelidad de su mujer, hecho a su vez que le provocó seria depresión y obligó a su internación. Encuentra a una vecina con su mismo problema personal y emocional, Tiffany (Lawrence), y se produce un encuentro luminoso de dos que se acaban de enamorar, que estallan en discusiones cotidianas, uniéndose al fervor deportivo del papá (un De Niro excepcional) y a la bondadosa mirada de Dolores, la madre de Pat (Jackie Weaver).
Pudo caerse en el drama excesivo por la “bipolaridad” de “Pat”, enfermedad emocional que aqueja también a la bella vecina “Tiffany”. Sin embargo, Russell nos mete en una comedia ágil, con grandes momentos actorales (De Niro-Cooper), con algún quiebre narrativo cuando surgen las apuestas de dinero del padre, secuencia un tanto extensa. Situaciones límites que convocan a la familia, a los amigos, y que nos invaden con la luminosidad del título (silver lining significa “ resquicio de horizonte”), que tiene empatía con nuestras vidas  porque resulta un retrato de muchos situaciones comunes a todos. Hoy se habla de bipolaridad pero bien podría decirse que la tristeza, las ganas de tirarlo todo por la ventana, de romper un jarrón, son accesos de ira –no convenientes- que cualquier persona tiene cuando el dolor o la frustración lo abaten.
El amor aquí está, una vez más, como redención de los dos jóvenes. La secuencia del baile es linda, alegre, y tiene un guiño hacia el pasado, tantas películas románticas donde los protagonistas bailaban (memorable la secuencia de William Holden con Kim Novak en “Picnic”, por ejemplo) confirmando su amor!, que resulta más que acertada la elección de Russell. No cae en excesos, no se extralimita. Hay ritmo, agilidad y brillantes actuaciones. Un regalo para el espíritu.
Carlos Pierre

jueves, 24 de enero de 2013

EL ÚLTIMO DESAFÍO Y TRES TIPOS DUROS, LO MEJOR DEL CINE DEL JUEVES 24 DE ENERO


JUEVES 24 DE ENERO DEL 2013.-
Hay cinco estrenos en soporte fílmico, de los que no comentaremos “Mi peor pesadilla”, film francés de Anne Fontaine.
EL ÚLTIMIO DESAFÍO (The last chance)
De Kim Jee-Woon- Con Arnold Schwarzenegger, Forest Whiteker, Johnny Knoxville, Eduardo Noriega, PeterStormare, Génesis Rodríguez, entre otros. Música de Mowg. Duración: 107 minutos.
BUENA. EX “TERMINATOR” A PURO TIRO EN BUEN ENTRETENIMIENTO
Después de una década de “Terminator 3”, pasando por la gobernación de California, Arnold Schwarzenegger regresó al set, maduro pero intacto, esta vez de la mano del experimentado director surcoreano Kim Jee-Woon, quien hace su debut en Hollywood.
A Schwarzenegger lo acompaña un elenco de gran talla como Forest Whitaker, Johnny Knosville, el aporte latino de Eduardo Noriega, el portorriqueño Luis Guzmán y una de las hijas del “Puma” Rodríguez, Génesis, nacida en Miami.
Kim Jee-Woon realiza un auspicioso trabajo a través de un vertiginoso y eficaz tratamiento de la comedia de superacción, con impactantes escenas en exteriores, como la huida del más famoso y buscado cerebro de la droga, escapándose de un convoy del FBI en un sofisticado Corvette. Balaceras a granel y un gran campo de maíz van completando las locaciones que sirven para generar un sinnúmero de secuencias trepidantes.
La cuestión se complica cuando este delincuente no repara que, en una ciudad fronteriza entre México y USA, tal como indica el título (The last stand), hay un luchador de primer nivel, el personaje de Arnold Schwarzenegger quien, al mejor estilo de la inolvidable “Armada Brancaleone”, le hará frente. Cuenta con pocos elementos: una ametralladora de la Segunda Guerra Mundial, un escudo al estilo medieval además de un grupo de “desentrenados” ayudantes y de un vehículo escolar (el clásico “bus amarillo”) para trasladarse. Elementos que Kim Jee-Woon utiliza para marcar la caricatura y la acción pura, las dos vertientes por las que transita este policial. Es entretenido, vibrante, de principio a fin, objetivo ampliamente cumplido por el film a través de pasos de comedia y de acción.
Carlos Pierre
TRES TIPOS DUROS
De Fisher Stevens. Con Al Pacino, Christopher Walken, Alan Arkin, entre otros. Música de Lyle Workman, con canciones de Jon Bon Jovi. Duración: 85 minutos.
BUENA. DUELO ACTORAL EN UNA DE ACCIÓN
Duelo actoral de tres figuras consagradas: Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin (un actor que se ha puesto de moda) en una comedia dramática que, entre diálogos agudos y situaciones límites, salpicada con escenas de sexo, droga, delito y lealtades de los personajes, entretiene y asombra por la calidad actoral.
Val es el personaje de Al Pacino, liberado de prisión luego de una condena de 28 años; Doc está encarnado por Christopher Walken y es quien lo va a buscar, albergándolo en su casa. La misión de Val es fatal. Al reunirse con un viejo compañero de andanzas, a cargo de Alan Arkin, comienzan a vivir desesperadas situaciones, cometiendo todo tipo de fechorías, sexo desbocado, robos como en los viejos tiempos, si bien mantienen los viejos códigos de la delincuencia.
La verborragia de uno y la parquedad del otro, a lo largo del film, Vad versus Doc, son un contrapunto imperdible donde cada frase, cada palabra, es una estocada a la razón y un abrazo al corazón.
El realizador Fisher Stevens creó un clima alucinado, nocturno, distante del trajinar diurno de una ciudad, dándole a los tres personajes la oportunidad de una aventura delincuencial. Los acosa una agónica espera que los lleva a cometer sus tropelías, burlando a los policías como en los viejos tiempos. Vendrá el amanecer con un dilema tremendo, una incógnita para el espectador, de alguna manera cómplice de estos personajes al margen de la ley.
Pacino y Walken corroboran sus respectivos magnetismos, sustentados en trayectorias de enorme peso artístico, y Alan Arkin se suma al dúo protagónico con la solvencia que se le conoce (recordemos su gran papel en “Argo”, de Ben Affleck, film que recomendamos). Las canciones de Jon Bon Jovi enriquecen la comedia dramática que escribió Noah Haidle con brillante ingenio.
Carlos Pierre
SOS, UNA FAMILIA EN APUROS
(PARENTAL GUIDANCE)
De Andy Flickman. Con Billy Crystal, Bette Midler, Marisa Tomei, Tom Everett Scott, entre otros. Música de Marc Shaiman. Duración: 103 minutos.
REGULAR. COMEDIA ESQUEMÁTICA CON “BOTOXEADOS” PROTAGONISTAS
Andy Flickman es un trabajor neto del siglo XXI, a cargo de un canal en Youtube. Si bien tiene varios films realizados, no se puede decir que sea un director avezado en la creatividad cinematográfica. La mejor prueba es esta película que, si bien no desagradable, como realización transita por todos los lugares comunes de las comedias entre abuelos, padres y nietos de los últimos 40 años. En los 70 podía parecernos una buena idea. En el siglo XXI, es más de lo mismo. Esto no quita que en algún momento uno se ría, se sonría, y hasta se piense que la propuesta tiene muchos puntos de contacto con la realidad. El problema está en el esquema narrativo.
Bette Midler y Billy Crystal son los abuelos “ninguneados” por su hija (Marisa Tomei), quien considera tener los secretos para educar a sus hijos sin la ayuda de nadie. Su marido hace un viaje por trabajo, ella le ha prometido estar con él, pero el tema son los niños y, a su pesar, se los deja a sus padres. O sea Crystal y Midler. Por supuesto, los abuelos tienen otra manera de ver las cosas y los nietos las aprenden con lo que se producen situaciones reideras archiconocidas. Sí es interesante el planteo social que hace el film: los hijos hiperindependientes que reniegan del contacto familiar para sus descendientes. Sin duda, una de las cuestiones ríspidas de la sociedad actual.
El film va a tener cierta repercusión porque sus protagonistas, aunque con caras hinchadas por el botox, son altamente carismáticos, buenos actores, y los roles los cumplen superando con creces el débil guión. Por ellos, podría ser buena, pero Andy Flickman tiene que superarse. Hacer películas de taquito ya no va más.
Elsa Bragato
HANSEL & GRETEL, CAZADORES DE BRUJAS, 3D
De Tommy Wirkola. Con Jeremy Renner, Gemma Arterton, Famke Janssen, Peter Stormare, Derek Mears, entre otros. Música de Atli Orvarsson. Duración: 88 minutos.
REGULAR, CUENTO INFANTIL DEVENIDO EN FILM SANGRIENTO
La idea no es mala: Hansel y Gretel, abandonados por sus padres en el bosque, y engordados por la bruja de la casa de chocolate y caramelo, luego de 15 años deciden transformarse en “cazadores” de brujas. La cuestión del film está en que es tan sangrienta y brutal que la calificación es para mayores de 16 años. Y eso que los chicos actuales tienen videojuegos muy violentos.
Tommy Wirkola es noruego y, en cierto modo, continúa la tendencia de los países nórdicos de realizaciones con niños que se transforman o en vampiros o en pequeños monstruitos. El cine oriental, por ejemplo, es brutal tanto con seres humanos como con animales. Los nórdicos, a su vez, tienen cierta afición por la truculencia en el cine, aunque hay excepciones notables e insuperables.
En este caso, Jeremy Renner y Gemma Arterton encarnan a los hermanos surgidos de la pluma de los Grimm, son abandonados en el bosque, pero hay un secreto, “quid” de la historia, que no revelaremos. “Cocinan” a la primera bruja cuando son niños y 15 años después son contratados por una aldea con casas estilo Tudor venidas a menos y ambientación medieval para matar a las brujas que están robando a niños. Se acerca la “luna de sangre” y allí les arrancan el corazón a los pequeños. Es el gran “aquelarre” de estos seres que son bellos cuando quieren y, de pronto, se transforman en zombies horripilantes. La principal bruja está encarnada por la bella Famke Janssen, y aparece la “bruja” buena, a cargo de Ingrid Bolso Berdal (angelical criatura), como para balancear la cuestión enamorando a Hansel.
Aquí no hay miguitas de pan sino una conjunción híbrida de personajes medievales y armas modernas: Hansel y Gretel tienen unas armas tremendas, que lanzan balas sin parar. Aparece un “troll”, monstruo característico de la mitología nórdica, un ogro estilo Shrek pero no verde sino marrón. Tiene corazón bueno si bien ayuda a las brujas. Está encarnado por Derek Mears, a quien han afeado de manera increíble. La ciudad elegida como locación es Braunschweig, en Alemania, si bien en el film se dice que es Ausburgo.
La lucha entre Hansel y Gretel con las brujas es a todo o nada: deben finiquitarlas aprovechando la reunión de la “luna de sangre” y liberar a los niños. Se producen corridas por los bosques, hechizos, y muertes horripilantes como el aplastamiento con un pie de la cabeza del enemigo, con “crak” incluido: queda un punto de sangre que explota en la pantalla. Cada vez que hay un enfrentamiento, hay que esperar lo “gore”, agarrarse a la butaca y esperar el chorro de sangre. Como es en 3D, el espectador “siente” que le llega.
El film es conciso, corto, no hay elipsis sino un deliberado montaje que une secuencias sin parar. Es para reír, es para tener algún revoltijo en el estómago, y es una tendencia al cine truculento que se afianza. Ya vimos a “Abraham Lincoln como cazador de vampiros”, entre otros films. Ahora nos toca Hansel y Gretel como salvadores de niños. El “quid”, el gran secreto, se revela antes de promediar el film, aunque es previsible. Para los amantes del cine “gore”.
Elsa Bragato


jueves, 17 de enero de 2013

TESIS PARA UN HOMICIDIO Y FUERZA ANTIGÁNGSTER CON LA TORTUGA SAMMY JUEVES 17 ENERO


JUEVES 17 DE ENERO DEL 2013.
Hay cuatro estrenos en soporte fílmico. No comentarios “Tres” del alemán Tom Tykwer, porque no fue exhibida para la crítica en general, ni Sammy 2, el gran escape, film de animación en 3 D de origen belga.
FUERZA ANTIGÁNGSTER
De Ruben Fleischer. Basada en Tales from the Gangster Squad de Paul Lieberman. Con Sean Penn, Josh Brolin, Ryan Gosling, Emma Stone, Nick Nolte, entre otros. Música de Steve Jablonsky. Duración: 113 minutos.
REGULAR. PANDILLEROS DE MARCA MAYOR EN UNA GUERRILLA URBANA FEROZ
Este film de Rubén Fleischer viene precedido de algún problema que tuvo que ser solucionado: una escena de matanza en un lugar público debió eliminarse luego de aquélla que ocurrió en un cine de Colorado, Estados Unidos. Y se volvió a filmar otra secuencia para suplantarla. Este hecho nos indica, desde el vamos, que la sangre abunda a granel. Es cierto que el film nos mantiene entretenidos desde principio a fin, tantos tiros, muertos, gritos, nos tienen en suspenso como si viésemos una buena serie policial. Sin embargo, su mayor problema es, desde el punto de vista cinematográfico, la ausencia del espíritu de la época, de carnadura en los personajes. Todos actúan “como” el sargento, el jefe policial, el delincuente, y les falta algo más, el espíritu, el alma, de esos personajes. Por eso, el film entretiene pero no nos subyuga como realización. Problema de guión y de dirección actoral, más allá del gran elenco que ostenta, son sus talones de Aquiles. Lo demás, efectos especiales feroces, está a la altura de un film policial que cualquier otro elenco menos famoso pudo realizar.
Sean Penn como el gángster Michael Cohen, es más que correcto aunque el guión le presta pocos parlamentos de lucimiento, con excepción de la brutal escena inicial sobre la que alertamos. Allí se explaya y nos pone en autos de quién es. Un feroz asesino que traslada la prostitución y la droga del Este a California, donde empieza a reinar en 1949, en una California postguerra. Historia real llevada al cine…
Josh Brolin compone al sargento John O’ Mara a quien su jefe, a cargo de Nick Nolte (borbotones de gruñidos aguardentosos más que de palabras) le encarga la formación de este escuadrón antigangster que debe destruir a Michael Cohen y su perfecta organización. Lo acompañan un siempre eficaz Ryan Gosling y la belleza de Emma Stone, hermosa pero sin dotar a su personaje de algo más que provoque empatía en el espectador. Todos actúan mecánicamente bien.
Hay dos detalles que pudieron solucionarse y que hablan de cierto apuro de postproducción, conspirando contra el resultado final: en una secuencia, Emma Stone pide permiso para ir a fumar a la barra. En aquellos años, todos fumaban en cualquier lugar. En segundo lugar, se pasa por alto a Johnny Stompanato, el gángster que fue segundo de Michael Cohen, y amante de Lana Turner, matado a cuchillazos por la hija de ésta al ver cómo golpeaba a su madre. Se lo menciona como “Johnny Stompa”, y nada más. Llama la atención que no haya estado como segundo de Michael Cohen en el film, dado que sí lo fue en la vida real y el film se basa en hechos reales.
Hablamos de “baño de sangre” y es más que eso: desde destrozar a un enemigo al estilo Túpac Amaru, terrible secuencia completa!, hasta torturas varias y peleas descomunales, coreografiadas, espectaculares y estremecedoras al mismo tiempo. De esto se trata el film: nos horroriza la brutalidad humana, nos estremece la ferocidad humana. Así, sin alma, sin espíritu, matar “porque hay que matar” en una guerrilla urbana generada por pandilleros de marca mayor, desde el grupo de gángsters hasta el grupo estatal que los combate, transcurre el film.
Elsa Bragato

TESIS SOBRE UN HOMICIDIO
De Hernán Goldfrid. Con Ricardo Darín, Alberto Ammann, Calu Rivero, Arturo Puig, entre otros. Música de Sergio Moure. Duración: 107 minutos.
MUY BUENA.
Estamos frente a una muy buena realización nacional. Un mar de sospechas que nos mete de lleno en un tremendo juego de suspenso. Un abogado de larga trayectoria, separado y retirado de su profesión, dicta un seminario en la Facultad de Derecho, al que asiste el hijo de un diplomático español amigo, que encarna el cordobés Alberto Ammann (ganador del premio Goya en 2010 por “Celda 211”). El cadáver de una joven que aparece muy cerca de un estacionamiento obsesiona repentinamente a “Roberto Bermúdez” (Darín), maquinando una teoría inquietante sobre el hijo de su amigo. Calu Rivero protagoniza a la hermana de la asesinada. Viejas deudas amorosas, rencores profundos, podrían confluir… el “quid” del argumento.
Este thriller está basado en la novela de Diego Paszkowski, guionado por Patricio Vega, y tiene la consistencia de todo film apoyado en un texto literario. El duelo actoral entre Darín y Ammann es de altísimo nivel dramático, el profesor que quiere involucrar al joven alumno por viejos rencores con enorme soberbia pero también sabiduría y escepticismo, el alumno que manifiesta una brillante inteligencia y le hace frente, condimentos muy bien utilizados por la dirección actoral del film. Es importante destacar a Calu Rivero quien ha logrado notoriedad a raíz de la televisión, creciendo como actriz integral.
Cada personaje aporta un elemento que será fundamental para la trama gracias al manejo de cámaras de Hernán Goldfrid y su equipo, con primerísimos planos que son pistas que el espectador no puede desechar. Interesante, de notable factura técnica, “Tesis para un homicidio” es otra gran perfomance de Ricardo Darín y el elenco así como del realizador Hernán Goldfrid.
Le falta un remate contundente, preciso, pero quizás resida en estas vueltas de tuerca el gran atractivo de este policial nacional.
Carlos Pierre


jueves, 10 de enero de 2013

TOM CRUISE, RICHARD GERE Y UN TIGRE DE BENGALA, PARA EL CINE DE ESTE JUEVES 10



ESTRENOS DEL JUEVES 10 DE ENERO DEL 2013.-
Hay cuatro estrenos en soporte fílmico. No comentamos la película colombiana “Porfirio”, sobre un discapacitado que enfrenta una difícil situación.
UN VIAJE EXTRAORDINARIO
De Ang Lee. Con Suraj Shama, Irrfan Khan, Ayush Tandon, Gantam Belur, Adil Hussain, Tabu, Rafe Spall, Gerard Depardieu, entre otros, Música de Mychael Danna. Duración: 130 minutos.
MUY BUENA. ANG LEE, MAESTRO DE PODEROSAS EMOCIONES
Ang Lee, consagrado director (Sense and sensibility, Brokeback Mountain, CrouchingTiger, Hidden Dragon), tomó el best seller “Life of Pi” de Yann Martel, escritor franco canadiense, de gran popularidad en el hemisferio norte, y realizó un film de una emoción poderosa. Fuerte, noble, que no nos dejará sin huellas en el corazón ni la mente luego de verlo.
La historia nos remite a Pondicherry, India, donde el joven Pi nació. Su nombre es Piscine Militor Patel, apodado “Pi”, motivo de burla (“pipí”) entre los compañeros de escuela. A sus 17 años, luego de criarse en el zoo de su papá, éste decide vender todo y, con la mayoría de sus animales, se embarca en Japón rumbo al Canadá, país de destino donde nació el escritor Martel. En realidad, la escena inicial del film es bucólica, con slowcam, de una magnificencia que solo el espíritu oriental de Ang Lee pudo lograr. Y luego esta Pi, ya adulto, contándole a un escritor británico (Rafe Spall), cuyo nombre de ficción se desconoce, por qué aprendió a creer en Dios luego de abrazar tres religiones: la hinduista, la cristiana y la musulmana.
El film es apacible hasta sus 40 minutos. Allí, ya en medio del océano, mientras su familia duerme y los animales están tranquilos en la bodega, donde está el tigre de Bengala Richard Parker - nombre humano cuyos motivos explica Pi-, se desata una feroz tormenta, lograda con efectos avasallantes para el espectador no solo por la aplicación del 3D sino por cómo se ha realizado esta tormenta de ficción que no parece ser tal. Pi pierde a su familia y queda en un bote salvavidas con el tigre Richard Parker, una cebra cuyas patas se han quebrado, una hiena feroz y un gorila hembra amigo. Y aquí hay que hamacarse, empezar a sobrevivir en alta mar con animales hambrientos, feroces, que le recuerdan a Pi la enseñanza paterna (brutal escena en los inicios de la película) de que los animales salvajes jamás dejan de serlo.
La belleza fotográfica no tiene fin: Ang Lee tiene maestría para mostrarnos, en medio de la fuerza de la naturaleza, paisajes marinos increíbles como las algas fosforescentes que iluminan las aguas, la ballena que salta en medio de esas luces verdosas, la placidez del mar en calma donde Lee hace gala de su espíritu fuerte y delicado a la vez al enfocar solo las aguas del océano donde se refleja el cielo en tonos pasteles, una maravilla visual.
La segunda tormenta nos corta la respiración. Es más brutal que la primera y Pi clama a Dios, como Jesús hizo en el Monte de los Olivos, una escena que nos estremece por su realización y la actuación de Irrfan Khan, quien representa a  Pi a los 17 años. El tigre de Bengala también tiene una actuación que nos resulta conmovedora en su fiereza. Solo tiene explicación por los efectos especiales utilizados.
La isla de las algas y de las plantas carnívoras, las suricatas, el hambre del tigre de Bengala, Pi debe pescar como puede, comer carne cruda cuando es vegetariano: la exigencia de mantener con vida a su feroz compañero de travesía le permite tener su mente ocupada y no morir.
La película, a pesar de escenas de supervivencia que hieren,  es muy conmovedora, de ésas que mueven las entrañas y dejan huellas en el espíritu. Tiene escenas  muy fuertes que, aún cuando están filmadas con precaución, no son fáciles de asimilar. Advertimos!
Resulta imposible permanecer tranquilo en la butaca o aburrirse, imposible. Ang Lee nos tiene preparada una puesta en escena, junto a sus técnicos, que se asemeja a la Sinfonía La Sorpresa de Haydn: algo nos va a sobresaltar aún en la placidez luego de la tormenta. Es una gran realización, tiene un gran mensaje, y hasta la búsqueda de Dios, tan inasible, parece tener respuesta, que es la idea fundamental del guión. Bien se puede afirmar que la fuerza de la vida es tal que no vale la pena oponerse a ella sino aceptarla para sobrevivir lo que podamos. Esta película es muy buena, ha desarrollado un concepto de magnificencia visual notable, dotando a semejante intento de una emoción conmovedora en cada “frame”. El texto literario cobra vida en la mente del lector. Llevar estas imágenes generadas por la lectura a una narración audiovisual solo es obra de un gran maestro y de un gran equipo técnico.
(NR: el océano no es real sino un gran estanque transformado en varios sets de filmación. El tigre no siempre fue filmado directamente sino que se utilizó computación; los animales que caen en el bote salvavidas también fueron generados por computación, a partir de figuras reales).
Elsa Bragato
MENTIRAS MORTALES (ARBITRAGE)
Guión y dirección de Nicholas Jarecki. Con Richard Gere, Susan Sarandom, Brit Marling, Tim Roth, Laetitia Casta, Nate Parker, entre otros. Música de Cliff Martínez. Duración: 107 minutos.
MUY BUENA. DRAMA QUE ENJUICIA SEVERAMENTE A LOS FINANCISTAS-BUITRES
Estamos en presencia de un thriller dramático sofisticado que cuestiona el sistema financiero de los Estados Unidos desde las entrañas del centro económico del planeta. Analiza el poder y la fragilidad del dinero en una clase social que basa su riqueza en la especulación y la renta financiera, con manejos ilegales frecuentes.
El guión pertenece al realizador, Nicholas Jarecki, quien supo plasmar lo que él vivió dado que su padre, Henry (polaco), es un psiquiatra y filántropo que conoce bien el mundo de los poderosos, siendo una personalidad reconocida ampliamente por sus contribuciones a la sociedad americana (la otra cara de algunos financistas…).
En este caso, la historia se centra en un adinerado magnate (Richard Gere) quien, en vísperas de su cumpleaños 60, asiste al sencillo agasajo familiar que su esposa (Susan Sarandom) y su hija y heredera le hacen (Brit Marling) para luego festejar con su amante, una marchante francesa que encarna Laetitia Casta. La idea del magnate es escapar a esta dualidad amorosa y, con la joven mujer, salen a la ruta por un solitario camino. Sobreviene un accidente brutal y el magnate consigue que el hijo de su chofer lo saque del lugar bajo la consigna de “olvidar” todo lo que vio (inevitablemente pensamos en el caso del fallecido Edward Kennedy junto a su secretaria y el accidente en el que ésta falleció, costándole la carrera presidencial al senador). Tim Roth es el implacable sabueso que lucha contra el imperio económico y sus manejos ilegales y ocultamientos hasta de muertes. El investigador es  conciente de que los poderosos salen siempre ilesos de sus fechorías.
Hay escenas muy notables como la charla de Richard Gere con su hija en la ficción, lejos de las fastuosas oficinas; o, en las primeras secuencias, la fastuosidad de un hogar que tiene una impresionante araña de techo cuyos cristales de roca parecen diamantes. Es de destacar la actuación de Richard Gere, que ha compuesto varios papeles interesantes como éste, lejos de sus personajes románticos, así como a la gran Susan Sarandom, en el papel de la mujer rica que deja pasar pero que ve más allá de lo que su marido cree.
Jarecki supo imprimir rigor cinematográfico con pocos diálogos y buen ritmo, con elipsis argumentales que obligan a mantener la atención. Más que ausencia de guión por elipsis, hay una deliberada narración que atrapa al espectador por el “timing” impuesto al montaje. Recursos fotográficos precisos, acotados, remarcan el tratamiento de thriller dramático del film. El cuestionamiento al círculo financiero de alto nivel es el gran mensaje de la película, por la que Richard Gere ha sido nominado al Globo de Oro como mejor actor. ¿Solo los ricos están exentos del peso de la ley?
Carlos Pierre
JACK REACHER
De Christopher McQuarrie. Con Tom Cruise, Robert Duvall, Rosamund Pike, Richard Jenkins, Joseph Sikora, Jai Courtnay, Werner Herzog, David Oyelowo, Alexia Fast, entre otros. Música de Joe Kraemer. Duración: 130 minutos.
MUY BUENA. POLICIAL DE NOTABLE REALIZACIÓN AÚN CON BACHES EN EL GUIÓN
Tom Cruise regresa, ya cincuentón, a la pantalla con un personaje que le queda a medida: el héroe, una suerte de “agente 007” con capacidad de dar golpes mortales, con su porte atlético (un torso muy trabajado y demasiado grande para su altura), y su impronta de vanidoso y seguro de sí mismo, con el personaje de Jack Reacher, un ex Army cuyo paradero se desconoce pero que suele aparecer cuando las papas queman. El guión está basado en uno de los libros de la saga “Jack Reacher” de Lee Child, “One shot, one kill”.
Se trata de una gran realización dentro del policial con sangre por doquier, palizas tremebundas, persecuciones notables, y personajes muy rescatables como el de Robert Duvall y el de Werner Herzog o el mismo Richard Jenkins. Si el film transcurre dentro de lo que uno ya ha visto en el género, tiene una técnica que resulta deslumbrante porque es un verdadero manual de cómo filmar. Veamos: desde que se apagan las luces en la sala, se escucha la potente banda musical de Joe Kraemer, que nos ubica junto a un francotirador, James Barr (Joseph Sikora). No hay diálogos sino tomas: primerísimo primer plano, primer plano, medio plano, plano largo, planos zenitales, para mostrarnos el lugar y el personaje desencadenante de la historia (el film se rodó en Pensilvania).
El trabajo de sonido que McQuarrie ha realizado con su equipo técnico es estupendo: durante los primeros 15 minutos del film están el espectador y el francotirador, no hay diálogos, solo sonido ambiente luego de la presentación de la banda sonora. Ésta desaparece cuando James Barr apunta con su arma una zona parquizada, listo para matar a ¿inocentes? Y el silencio y la imagen “hablan”: el espectador es metido en la mirilla, el francotirador titubea da en el blanco. Seis tiros, cinco muertes. Y he aquí el “quid”: los seis tiros…
En otras secuencias, McQuarrie echa mano de los motores de un automóvil: cuando Jack Reacher lo enciende, se escucha el sonido en primer plano, pero si el que lo ve está afuera del coche, el sonido tiene menos decibeles. Estos detalles hacen al cine, esto es cine, más allá del argumento policial, del héroe de guerra que puede contra el mundo con sus puños, su fuerza descomunal y sus tiros-shots certeros.
Una abogada joven, hija del fiscal (un siempre eficaz Richard Jenkins), a cargo de Rosamund Pike, defiende al francotirador que pide la presencia de Jack Reacher. De alguna manera, llegará el hombre de las guerras y se pondrá en acción. Hay una “corporación” interesada en una de las cinco muertes. El motivo no parece ser muy importante, sin embargo, es la pregunta que inquietará al espectador aún después del final.
Los 130 minutos no pesan. Es tanta la acción, son tantos los “submarginales” que surgen, las subhistorias unidas a las muertes, que el espectador queda atrapado en una maraña infernal de tiros y palizas. Llama la atención el capricho del gran Werner Herzog, quien estuvo en el verano en Brasil ofreciendo “master clases”, de ser uno de los malos de apariencia repugnante, “Zec”, un duro que sobrevivió en Siberia cortándose con la boca casi todos los dedos de las dos manos. Destacamos la actuación de Robert Duvall (82 años) como “Cash” quien arma una dupla antimafia con “Jack”-Tom Cruise en la última hora del film, diálogos y actuaciones jugosas para el recuerdo. Nos resultó un film impresionante por su técnica narrativa, a pesar del guión que es convencional y deja alguna pregunta zumbando. No obstante, hay un tratamiento cinematográfico fuera de lo común para un film que no es en 3D y solo cuenta con excelentes coreografías de peleas, plagadas de sangre y gritos de dolor. Si le gustan los policiales fuertes, ésta es su película, más allá de que se haga preguntas que tendrán, como respuesta, conjeturas por “problemitas de guión”.
Elsa Bragato

viernes, 4 de enero de 2013

BALANCE DE CINE 2012



BALANCE DE CINE 2012.
Este año, desde el 1ro de enero al 20 de diciembre inclusive, tuvimos 137 films nacionales (40 películas más que en el 2011) y alrededor de 190 películas internacionales aproximadamente, o sea unas 10 menos que en el 2011.
TAQUILLA RÉCORD
. La era del hielo 4, con 4 millones y medio de entraas
. Madagascar 3, con 2.850.000
. Los vengadores, con 2.675.000
. Batman el caballero de la noche asciende, con 1.800.000
. Valiente, con 1.700.000
LOS 137 FILMS NACIONALES llevaron más de 4 millones de espectadores.
Volvieron a la pantalla porteña grandes autores: W. Herzog con La cueva de los sueños olvidados; los hermanos Dardenne con El chico de la bicicleta, Aki Kaurismaki con El puerto, Woody Allen con A Roma con amor, David Cronenberg con Cosmópolis, Oliver Stone con Salvajes, la argentina Jeanine Meerapfel con El amigo alemán así como Viggo Mortensen debutó en el cine nacional con “Todos tenemos un plan”. Destacamos la reaparición de Madonna como directora con “W.E”. si bien no concitó mayor interés. También mencionamos a Peter Jackson con el primer film de “El hobbit”. Sobre el final del año se vio “Fausto”, del ruso Alexander Sokurov, notable realización
Se completaron las películas de los Oscars con La invención de Hugo Cabret de Scorsese, El artista de Michel Hazanavicius, y Caballo de Guerra de Steven Spielberg.
Los mejores tanques fueron Batman el caballero de la noche regresa (Batman 3), final de la fantástica trilogía de Christopher Nolan; Blancanieves y el cazador de Rupert Sanders, que resultó una revelación en el género; Skyfall de Sam Méndes y el monumental documental El molino y la cruz del polaco Lech Majewski.
Entre las mejores películas extranjeras del año estuvieron: La invención de Hugo Cabret, El artista, Drive acción a máxima velocidad, El Puerto, Blancanieves y el cazador, El chico de la bicicleta, Batman 3, El molino y la cruz, Argo, Skyfall, Cosmópolis, Curvas de la vida, La separación, El extraño señor Horten, Diario de un seductor, Moonrise Kingdom, 50/50, Historias cruzadas, La chica del dragón tatuado, Secretos de Estado, El topo, Los juegos del hambre, El mal del sueño, Tenemos que hablar de Kevin, Essential Killing, El Puerto, Búsqueda implacable 2, Fausto, Looper, La ventaja de ser invisible, Qué voy a hacer con mi marido, entre otras.
La mejor película extranjera de género policial-político fue, sin duda, “Argo”, dirigida y protagonizada por Ben Affleck.
Destacamos dos grandes películas que no fueron tanques de efectos especiales sino de calidad: Moonrise de Wes Anderson y El exótico hotel Marigold de John Madden, ambas con notables elencos y novedosa narración.
El 2012 fue un año de varias reposiciones de grandes éxitos como “Titanic”, “Scarface”, “Casablanca”, “Starwar” y la nacional “Esperando la carroza”.
Se estrenaron muchos documentales nacionales, prácticamente un tercio de las películas argentinas del año: Chacú, Yatasto, El camino del vino, El otro fútbol, Maradona médico de la selva, La Caracas, El impenetrable, Vivan las antípodas, El círculo, Néstor Kirchner, Bichos criollos, Errantes, Rawson, De los barrios, Blackie, Moacir, Memoria para reincidentes, Tiempo muerto, Putos peronistas, Parapolicial negro, Tierra de los padres, Arrieros, Nicaragua… el sueño de una generación, Gricel, El silencio del puente, Cuentas del alma, Alumbrando la oscuridad, entre otras.
Destacamos Maradona médico la selva, La Caracas, El impenetrable, El círculo, Néstor Kirchner, Yatasto, El camino del vino, y Alumbrando en la oscuridad.
Entre los documentales extranjeros, destacamos Figuras de guerra, Sibila, Chimpancés y La cueva de los sueños olvidados, muy pocos en relación a otros años.
Entre las animaciones nacionales, se estrenaron Anima Buenos Aires, Selkirk el verdadero Robinson Crusoe, Soledad y Larguirucho, La máquina que hace estrellas, El sol y Piñón fijo.
Entre las animaciones extranjeras, vimos Las aventuras de Tintin, El Lórax, Madagascar 3, La era del hielo 4, Valiente, Hotel Transilvania, Paranorman, El origen de los guardianes y Frankenweenie, Los Muppets y Alvin y las ardillas. Las palmas se las llevó Hotel Transilvania.
Las películas argentinas tuvieron un destacado lugar por la apertura del INCAA a producciones federales y coproducciones: Norberto apenas tarde, Peter Capusotto y sus videos, Novias-Madrinas-15 años, Nosotras sin mamá, El pozo, El último Elvis, El campo, Elefante blanco, Abrir puertas y ventanas, Tres, Atraco, La despedida, Infancia clandestina, Masterplan, Días de pesca, El mal del sauce, Todos tenemos un plan, Dos más dos, La casa, Extraños en la noche, No te enamores de mí, La revolución es un sueño eterno, Una cita una fiesta y un gato negro, Las voces, Pompeya, Topos, La cola, El cielo elegido, Días de vinilo, El amigo alemán, Los salvajes, Schafhaus casa de ovejas, Cornelia frente al espejo, Las mujeres llegan tarde, El notificador, El sexo de las madres, Un amor de película, Dulce de leche, Una mujer sucede, Diablo, entre otras.
Destacamos de los nacionales los siguientes films: Elefante blanco, El último Elvis, Atraco, Norberto apenas tarde, Infancia clandestina, Dos más dos, Días de pesca, Días de vinilo, El mal del sauce, Todos tenemos un plan, Abrir puertas y ventanas, Una mujer sucede, El notificador, y El pozo.
Destacamos la reposición de grandes títulos: Titanic, Casablanca, La guerra de las galaxias, Scarface y la nacional Esperando la carroza.
Entre las mejores películas de efectos especiales extranjeras destacamos La invención de Hugo Cabret, de M. Scorsese; Caballo de Guerra, de Steven Spielberg, Batman 3 de C. Nolan, Los juegos del hambre de Gary Ross, Skyfall de Sam Mendes, Blancanieves y el cazador de Ruper Sanders.
En blanco y negro la película del año fue “El artista”, de Michel Hazanavicius.
A esta somera lista de películas extranjeras y nacionales debemos sumarle los diferentes festivales y muestras, desde el tradicional BAFICI hasta festivales de cine árabe, italiano, el festival de cine inusual, el Buenos Aires Rojo Sangre, entre muchos otros que no solo se ofrecieron en cines comerciales sino también en salas fuera del circuito comercial, siempre con gran afluencia de público. Sin olvidarnos del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, varias muestras en el interior como la de Pinamar e incluso el MARFICI.
CARLOS PIERRE

jueves, 3 de enero de 2013

LO IMPOSIBLE Y LA CABAÑA DEL TERROR, LOS MEJORES ESTRENOS JUEVES 3 ENERO


JUEVES 3 DE ENERO DEL 2013.
Hay seis estrenos en soporte fílmico. No comentamos el documental “Escuela Normal”, de Celina Murga, la primera fundada por Sarmiento, a la que concurrió. Destacamos que Celina Murga es una excelente realizadora nacional que cuenta, entre sus logros, con el film “Ana y los otros”. Tampoco comentamos “Ralph el demoledor”, dibujo animado.

CLOUDS ATLAS: LA RED INVISIBLE
De Tom Tykwer y Andy y Lana Wachowski. Con Tom Hanks, Halle Berry, Hugh Grant, Susan Sarandon, entre otros. Música de Tom Tykwer, Johnny Klimek, Reinhold Heil. Duración: 172 minutos.
REGULAR. MAPAMUNDI CINEMATOGRÁFICO, TRES MANOS EN UN PLATO HACEN… MAMOTRETO
El un film complejo que exige gran atención del espectador. Seis historias entrelazadas por un hilo sutil (hay que encontrarlo…)que se desarrollan en distintas épocas y lugares del mundo confirman que estamos frente a un “atlas “ o “mapamundi” cinematográfico. Ciertamente es interesante pero muy complejo y, al mismo tiempo, se queda a mitad de camino. En general, esta producción del año pasado es considerada como “muchas películas al precio de una sola entrada”. Y es así. No es la mejor película que uno haya visto pero, en verdad, es la más original en mucho tiempo y la que nos propone un fuerte ejercicio de atención e intelectual cuando no una pequeña dosis de aburrimiento.
Está basada en la novela homónima de David Mitchell, que fue suceso en el 2004, un escritor joven norteamericano quien tiene puntos de contacto con la literatura latinoamericana ya propuesta por Julio Cortázar en Rayuela. O sea el ir y venir en el tiempo de acuerdo a cómo se encare la lectura. En el film, el ir y venir en tiempos y espacios diferentes están determinados por los directores por lo que es el espectador quien debe realizar el esfuerzo de atender sin dar vuelta la página. Y así se ve a Tom Hanks o Halle Berry interpretar seis o siete personajes, desde uno del siglo XIX hasta otro postapocalíptico.
“Cloud atlas” significa “El atlas de la nube” ( o del alma), un título que tiene significado en inglés pero que, en castellano, hay que agregarle algún plus para su completa comprensión. Y ese plus es “La red invisible”. Falta el IVA: la desmesurada duración dada la mamotrética propuesta.Son seis historias entrelazadas: El diario del Pacífico de Adam Ewing -1849; Cartas desde zedelghem – 1936; Semivida- el misterio de Luisa Rey – 1973; El horrible calvario de Timothy Cavendish, 2012; Una oración de Sonmi- 2144, y “Sloosha’s crossin’ an’ everything after – 2321.
Hay aquí un planteo de un mundo con almas que pueden migrar. Aquello que hacemos o que sentimos afecta siempre. Algo queda, algo nos llega, algo dejamos. Un mismo actor cambia de época, de vestuario, de situación, de estilo de vida. ¿Es la misma alma? ¿Es la reencarnación? O acaso es posible unir a ese primer personaje con la huida a un planeta más pacífico que la Tierra?
Se distingue la mano de los distintos directores por la manera de narrar: los capítulos “Wachowski” nos remiten al pasado y al futuro, de impacto visual (no exagerado), mientras que los capítulos Tykwer son del presente, con una emoción fácilmente perceptible.
Es un film diferente que resulta denso, extenso, ambicioso por demás. Y si dos manos en un plato hacen garabato, tres hicieron este mamotreto con chispazos que no alcanzan para superar tamaña duración ni unir las seis historias.
N.R.: Tom Tykwer es director y compositor alemán. Como un film ligado a los capítulos de “Cloud Atlas” está “Heaven” (2002), con Cate Blanchett. Los hermanos Wachowski son los realizadores de la trilogía “Matrix”.
Elsa Bragato

LA CABAÑA DEL TERROR (The cabin in the Woods)
De Drew Goddard. Guión de Josh Whedon y Drew Goddard. Con Kristen Connolly, Chris Hemsworth, Fran Kranz, Anna Hutchison, Richard Jenkins, Bradley Whitford. Música de David Julyan. Duración: 95 minutos.

MUY BUENA. ENTRE EL TERROR Y LA SÁTIRA, UNA PELÍCULA CON BACKSTAGE INESPERADO

Cineastas de culto, guionistas afamados y consagrados, John Whedon (Los vengadores) y Drew Goddard (Lost) se unieron para rendirle homenaje al cine de terror pero, en verdad, poniéndolo patas para arriba. Crearon una historia que solo en el comienzo tiene la estructura común a cualquier film del género.
El título del film lo explica todo: una cabina tipo NASA de los ’70 y una cabaña de la época de la fiebre del oro en California. La cabina tiene controles dirigidos por dos eficaces actores: Richard Jenkins y Bradley Whitford, quienes convocan a cinco jóvenes a pasar unos días en una antigua cabaña en medio del bosque. Los jóvenes dan rienda suelta a su alegría y fogosidad. Pero desconocen que son una suerte de conejillos de la India, hasta que uno de ellos, drogadicto, vislumbra que allí hay alguna trampa. Que están obligados a encarnar personajes acosados por horripilantes criaturas sobrenaturales. La idea de los dos adultos es lograr lo peor de los jóvenes, matanzas, crueldad extrema.
Saliendo del argumento en sí, es una crítica despiadada y real a los realities televisivos y nos muestra de qué manera la casa de Gran Hermano que George Orwell creara en 1947 puede ser una realidad inconveniente de superpotencias para monitorear la vida de los pueblos.
También es, como lo hizo Örwell, una crítica a las sociedades que dominan con manos nazis: la diversión a costa del horror de los menos poderosos (las interminables guerras, las hambrunas en pueblos africanos, el hacinamiento en tantos pueblos sin condiciones mínimas de vida digna).
Ciertamente, es un film de terror que le rinde culto al género con humor despiadado e invita a mirar a los realizadores de televisión qué pueden producir con los formatos llamados “realities”, cada vez más deshumanizados y proclives a los bajos instintos que acicatean, desde discusiones violentas hasta discriminación. Nos pareció un film muy inteligente y mordaz.
Carlos Pierre

LO IMPOSIBLE
De Juan Antonio Bayona. Con Naomí Watts, Ewan McGregor, Geraldine Chaplin, Tom Holland, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 114 minutos.

BUENA. HISTORIA REAL SOBRE EL DOLOR DE SOBREVIVIR A LA TRAGEDIA

Juan Antonio Bayona encara una historia real donde el horror de la tragedia se encarna en sus personajes y la supervivencia se vive con culpa. El realizador de “El orfanato” recurre una vez más a su actriz fetiche, Geraldine Chaplin, si bien en un papel muy breve y travestida.
Una familia española integrada por los papás y tres pequeños hijos sobrevivieron al tsunami del 2004 en el Océano Indico, un día después de Navidad en una playa de Tailandia. Las brutales olas de 30 metros de altura dejaron el saldo de 5000 muertos, más de 2800 desaparecidos, creando 1480 huérfanos solo en ese país.
Ewan McGregor y Naomí Watts personifican al matrimonio español, la familia de los Álvarez Belon que lograron sobrevivir al tsunami, y lo hacen a través de conmovedoras actuaciones. Naomí Watts, en su personaje de María, queda muy mal herida, aunque unida providencialmente a su hijo Lucas en medio del desastre. Ewan McGregor es Henry, que queda aislado de sus dos pequeños hijos y de su esposa e hijo mayor. Es el hombre que lucha con desesperación porque no deja de creer en el reencuentro familiar, no duda.
Es notable lo que ha conseguido Bayona casi sin palabras al mostrarnos el sufrimiento de una manera palpable, el dolor heroico. El guión tiene ese mérito y lo tiene la narración de Bayona y su fotógrafo porque muestran a manera de documental la tragedia del tsunami. Geraldine Chaplin, como indicamos al comienzo, hace una esporádica aparición, representando a un anciano, marquetinero aporte al film, pero hay que tener en cuenta que es la actriz “fetiche”, como también dijimos, de Bayona.
Uno de los méritos del film es haberlo rodado en la castigada naturaleza del sudeste asiático para contarnos la odisea de una familia.
Vale indicar que el terror no es el eje de la historia sino el horror que sobreviene luego de la devastadora experiencia, la culpa de saberse un sobreviviente y el pánico que generan las imágenes que nunca se olvidarán.
Carlos Pierre

¡MALDITOS SEAN!
De Demián Pugna y Fabián Forte (guión y dirección). Con Carlos Larrañaga, Pablo Palavecino, Victoria Almeida, Demián Salomón, Chucho Fernández, entre otros. Música de Pablo Isolda y José Komesen. Duración: 120 minutos.

BUENA. EL ABSURDO EN CLAVE DE HUMOR NEGRO
Demián Pugna es director y guionista especializado en cine fantástico y de terror. En el 2007 realizó su primera película “The last gateaway”, con la que obtuvo numerosos premios. Junto con Fabián Forte, asistente de dirección, realizó a “cuatro manos” esta película de humor negro, de neto corte independiente.
Declaradamente provocador, sangriente, con fuerte filiación al cine de culta, nos cuenta tres historias en tres momentos distantes en el tiempo: en 1979, la policía se enfrenta con una misteriosa pareja en una casa derruida, en la que se intuye “el mal”: en 1999, una caja muy extraña servirá para curar a un asesino, mientras que, en 1989, un grupo de adivinas conocerá su inminente futuro de la manera más sangrienta. Son tres historias unidas por un siniestro personaje.
Sin mesura y sin ningún bache entre la locura, el terror, lo inexplicable y el “gore”, el film transita un fuerte tono anárquico, de humor negro deliberado, provocador y excitante.
La película flirtea con el absurdo, tiene la hechura característica del cine independiente, y es, en definitiva, una búsqueda inteligente del público abierto a estas propuestas.
Participó de varios festivales, destacándose el Buenos Aires Rojo Sangre y la XII Semana del Cine Fantástico de Estepona, obteniendo innumerables premios en otras muestras internacionales. Vale la pena.
Carlos Pierre