PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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miércoles, 25 de diciembre de 2013

ULTIMOVIAJEALAS VEGAS, LA CHISPA DE LA VIDA Y PEQUEÑAS DIFERENCIAS, ENTRE LOS ÚLTIMOS ESTRENOS DE CINE DEL 2013



JUEVES 26 DE DICIEMBRE DEL 2013.-
En principio, hay seis estrenos para esta semana. El film “Ritual sangriento”, de Jim Mickle, está basado en la película mexicana “Somos los que hay”, del 2010, sobre antropofabia. Y este título tiene que ver con el inglés “We are that we are”, traducido como “Ritual sangriento”. Es una buena película de horror, in crescendo, que nos mete en el mundo de los Parker, quienes deberán sortear la muerte de la madre y seguir el férreo camino que traza el padre. Un cuento sobre canibalismo que, sin embargo, trasciende lo estrictamente “gore” para analizar sutilmente las consecuencias de un matriarcado. Solo para fanáticos del género.
LAS DOS  PELÍCULAS RECOMENDADAS
ÚLTIMO VIAJE A LAS VEGAS
De Jon Turtelbaub, con Morgan Freeman, Robert de Niro, Michael Douglas, Kevin Kline, Mary Steenburgen, entre otros. Música de Mark Mothersbaugh. Duración: 105 minutos.
MUY BUENA. VIEJOS MUCHACHOS DISFRUTAN DE LAS VEGAS
Gran expectativa generan cuatro actores ganadores del Oscar como Morgan Freeman, Robert de Niro, Michael Douglas  y Kevin Kline. En casos tan especiales, el guión queda en segundo término pues todo se espera de estos “supermuchachos”. Y así es la comedia: transcurre a través de ellos, sumándose Mary Steenburgen en Las Vegas. Muchos años atrás formaron la pandilla de los “Cuatro de Flatbush” (Brooklyn) y ahora, con muchos años más, deciden asistir al casamiento del soltero del grupo (Douglas) con una jovencita en la ciudad de Las Vegas. Pareja despareja, una ciudad que fuera la “Sin City” (ciudad del pecado) pero ya no está Frank Sinatra junto a sus “boys”, los famosos integrantes de la “Rat Pack”, ahora manda el Cirque Du Soleil en el Strip. Todo cambió y, en esa ciudad de diversión, también se pone a prueba la amistada de los viejos muchachos.
Se sienten cautivados por una cantante, Mary Steenburgen, los cautiva con su estilo de jazz, ostentando su figura añosa con enorme dignidad y belleza serena. Se suma al cuarteto de “canosos”, que jamás cae en lo cursi y sí saca a relucir la calidad de la buena comedia y hasta emociona. Un desafío para el realizador Jon Turbelbaub, tan veterano como los protagonistas.
Los cuatro actores y la cantante hacen gala de la fama y el prestigio de sus carreras, jamás desentonan, jamás algo fuera de tono o alguna desmedida actitud. Es realmente un logro este film que tiene un guión justo, sobrio, que le permite lucirse a cada protagonista. Sin duda, una de esas comedias que ayudan a valorar la amistad como un bien que no se desgasta con el tiempo. Y un elenco que nos atrapa desde el vamos y moviliza el corazón.
Carlos Pierre
LA CHISPA DE LA VIDA
Guión y dirección de Alex de la Iglesia. Con Salma Hayek, José Mota, Blanca Portillo, Juan Luis Galiardo, entre otros. Música de Joan Valent. Duración: 98 minutos.
BUENA. TRAGICOMEDIA EXTREMA SOBRE LOS VALORES DE LA FAMILIA Y EL AMOR MARITAL
Alex de la Iglesia no se aparte de su estilo, amargo y satírico, con ese singular sentimiento trágico de la vida, bandera que enarbolara el gran Miguel de Unamuno. En este caso, un publicista, Roberto (José Mota), está desocupado, “parado”, aunque haya sido el ideólogo de “la chispa de la vida” de Coca-Cola. Nadie tiene nada qué ofrecerle. Su esposa (Salma Hayek) lo alienta, lo asesora en la ropa que debe usar para las entrevistas laborales, es bella y vital. Y siempre recuerda el hotel donde pasaron la noche de bodas. Muy desanimado luego de una entrevista, Roberto sale a buscar el hotel y, en el lugar, encuentra una excavación arqueológica porque se hallaron restos de la época romana. Trastabilla, y cae incrustándosele una barra de hierro en el cuello. Sin embargo, no se muere y Roberto puede negociar con los medios televisivos su participación en programas mostrándose como está, malherido, atravesado en el piso por esa barra, pero vivo. Asistido por bomberos y servicios de emergencia, intenta ganar dinero de esa manera y así salvar a su familia. Si es que puede…
En esta trama tragicómica, Alex de la Iglesia se mueve muy bien, es su “vena”. Une lo patético a los buenos sentimientos, que se confunden con situaciones límites. Morigera la importancia de valores básicos como la familia, la esposa, la enfermedad. Los pone en la picota, los retuerce y nos invita a un festín de emociones encontradas que nos arrancan la risa a partir de la tristeza.
Carlos Pierre
El resto de los films que se estrenan son de variada temática y calidad. El amigo lector elegirá!
PARAÍSO:  AMOR
De Ulrich Seidl. Con Margarete Tiese, Peter Kazungu, Inge Maux, entre otros. Duración: 120 minutos. Austria-Alemania-Francia.
MUY BUENA. MUJERES EN GUERRA
“Paraíso: Amor” es la primera parte de una trilogía creada por el director austriaco Ulrich Seidi y se basa en la búsqueda del amor de una mujer de unos 50 años, nacida en Austria, quien viaja de vacaciones a un restor ubicado en las playas de Kenya. La segunda película es “Paraíso Fe”, donde una mujer es misionera católica, y el tercer film es “Paraíso Esperanza”, donde otra mujer trabaja en un campamento nutricional para adolescentes. Tres mujeres protagonizan esta trilogía y tres puntos de vista diferentes para lograr la felicidad.
Entre incómoda y atrapante se desarrolla esta primera parte. Dejando de lado los prejuicios, tenemos que seguir a una señora regordeta y cincuentona que busca amor entre los nativos de Kenya, concretamente en sus playas. Los hombres del lugar, en realidad, solo buscan servirla sexualmente y, al mismo tiempo, lograr un negocio usual en las playas a través de un oficio carnal y desprejuiciado. En estas playas nadie habla de amor.
Ulrich Seidl trabaja sin música incidental, con una cámara que tiene regodeo en los largos encuentros amorosos de la dama en cuestión y el hombre elegido. Cada secuencia resulta inquietante para el espectador pero, al mismo tiempo, nos muestra la diferencia de clases: la señora rica y los amantes pobres, expuestos como “sex-toy” a fin de sobrevivir en el día a día con el dinero de la mujer a la que se le brinda sexo.
En realidad, el realizador muestra una realidad europea muy conocida, una actividad de “cicerones” que existe desde siempre y que, por la pobreza de gran parte del mundo, se acrecentó en Europa.  Por otro lado, bien podemos analizar la actitud de las sociedades “ricas” y su relación con países emergentes, desde el lugar que fuere.
Carlos Pierre
EL CÍRCULO INFINITO (CIRCLE)
Guión y Dirección de Zoltán Sóstai. Voces de Mike Kelly y Mark Griffith. Hungría. Música de Kinga Szabó. Duración : 78 minutos. Formato en 3D y 2D.
BUENA. COMPLEJA ANIMACIÓN BASADA EN VIDEOGAMES
Zoltán Sóstai llega al cine luego de trabajar en diferentes compañías de la industria de los videojuegos. Es manifiesta su admiración por Stanley Kubrick y su “2001, Odisea del espacio”, encontrándonos con secuencias que nos recuerdan a este film.
En esta ópera primera, el realizador húngaro trabajó con computación la historia de un astronauta (Jack) quien despierta en la terraza de un edificio y, desorientado, comienza a transitar en un laberinto del que no puede salir. Se mueve, corre en medio de círculos, no halla la salida. Un extraño hombre con máscara intenta guiarlo pero no queda claro si realmente cumple este objetivo o si bien lo desorienta más. Una niebla muy fuerte y misteriosa lo asusta e intenta escapar.
Como en los videojuegos, falla en diferentes escalones, llega al comienzo y está encerrado en un puzzle, en un laberinto. Es ciencia ficción computarizada, y, si no se es afecto a este tipo de juegos, es difícil encontrarse atrapado por la historia que, por otra parte, es breve.
En síntesis, es un video juego trasladado al largometraje, que viene compitiendo con éxito en festivales de ciencia ficción en Londres, Moscú y Arizona.
Carlos Pierre
VISIONES
De Juan de Francesco. Con Roxana Randón, Adrián Ero, Kevin Sztajn, Lara Crespo, entre otros. Música de Osvaldo Bordoni. Duración: 85 minutos.
BUENA. ADIVINACIONES QUE TERMINAN EN UN POLICIAL
Esta película esperó largos meses hasta su estreno. Presenta variados matices argumentales. Desde el inicial donde una mujer se hace pasar por gitana (Roxana Randón) y tiene como cómplice a un vividor (Adrian Ero), quien seduce mujeres a las que luego lleva a su socia. Varios elementos se conjugan para que el film pase de lo convencional al thriller, sumándole extrañas visiones de la supuesta gitana. Estas visiones son  determinantes para intentar un cambio en un destino y salir. El quid es si lo logra y, en todo caso, cómo.
Sobresale el trabajo de Roxana Randón a quien no es frecuente verla en el cine nacional, secundada por el joven Adrián Ero. Estamos frente a un policial con buenas actuaciones.
Carlos Pierre
PEQUEÑAS DIFERENCIAS
DE Carine Tardieu. Con Agnes Jaoui, Denis Poladydes, Isabelle Carre, Isabella Rossellini, entre otros. Basada en el libro “Du vent dans mes mollets” de Raphaele Moussafir.
MUY BUENA. PADRES E HIJOS, LA FAMILIA Y LAS TENTACIONES. BUEN MIX
Este film del año pasado, que recién llega a las pantallas, es una comedia familiar a la francesa que suele tener muchos puntos en común con la comedia italiana, aunque sin tantas explosiones temperamentales. Una pequeña, asfixiada por el cariño de sus padres, y en especial de su madre, inicia una amistad con una niña en la escuela, desprejuiciada, con una madre separada, y sin padre. Las ansias de vivir de Valerie empujan a Rachel a hacer travesuras que le devuelven la niñez, aunque ella no lo sepa. Al mismo tiempo, su papá, un hombre que pasó por los campos de concentración siendo muy pequeño, ama su hogar pero no encuentra eco en la esposa, ocupada y preocupada por Rachel, y en el hogar de la Valerie, donde Raquel juega todas las tardes, halla un motivo de vida: desde pintar para la joven madre separada su cocina, hasta ver una película en compañía.
Hay situaciones confusas para ambas mujeres que mantendrán varias charlas, pero no hay confusión para ese jefe de familia que sabe dónde está su hogar aunque no le sea muy placentero. La psicóloga de la pequeña Rachel, a cargo de Isabella Rossellini, advierte la problemática: no es timidez lo que padece Rachel, es opresión.
Dentro de un clima amigable, disfrutable para el espectador, Carine Tardieu nos va llevando del corazón hacia el centro de la historia. Todo tiene su explicación: desde esa presunta timidez de Rachel hasta las ansias de vivir de Valerie. Entre el dolor y la alegría, la esperanza de que todo se puede recomponer, transcurre una historia conmovedora, bien filmada, bien actuada, quizás pequeña pero que nos deja muchos temas para analizar: desde el comportamiento de la mujer que trabaja y la obsesión por la familia, los hijos como destinatarios de esas obsesiones, el marido como invitado a un festín familiar que soñó diferente, la madre soltera como tentación, la falta de alicientes en el entorno. Es decir, hay tela para cortar.
Es una historia de vida, tan real que nos toca en algún punto a todos. Un film impecable.
Elsa Bragato

jueves, 19 de diciembre de 2013

"EN EL CAMINO", "LA ESENCIA DEL AMOR", ENTRE LOS ESTRENOS DEL JUEVES



ESTRENOS DEL JUEVES 19 DE DICIEMBRE DEL 2013.
Hay seis estrenos que incluyen un documental nacional “Diario de Ana y Mía”, de Alejandra Martín sobre cuatro mujeres que comparten secretos por internet. En realidad analiza la bulimia y la anorexia y como las mujeres en cuestión ven y no ven el drama que tienen. Un documental diferente por su temática.
En el caso de “Policeman”, Nadav Lapid se lanza con esta ópera prima que ha tenido relevantes comentarios en Locarno, 2011, y en los festivales de cine de Israel. Un joven de la elite antiterrorista de Israel se enfrenta a situaciones familiares y profesionales que nos permiten ver el comportamiento interno de la sociedad israelí en la que Lapid vive.
LO MEJOR DE LA SEMANA
EN EL CAMINO
De Walter Salles. Con Garret Hedlund, Sam Riley, Tom Sturridge, Kristen Stewart, Kirsten Dunst, Viggo Mortensen, entre otros. Basado en la novela de Jack Kerouac, para del movimiento Generación Beat. Música de Gustavo Santaolalla. Duración: 124 minutos.
BUENA. RESCATE DE LA GENERACIÓN BEAT
Según del autor de la novela On the road, Jack Kerouac, padre de la Generación Beat de los 50 (libertad sexual, drogas, atropellos, rechazo al capitalismo americano, estudio de las filosofías orientales), sus actores deben estar locos por vivir, locos por salvarse, locos por todo al mismo tiempo. Y estallan con conductas diversas en la sociedad. En este caso, Salles toma a un aspirante a escritor de New York (Sam Riley) quien conoce a un ex convicto (Garret Hudlung), un ser encantador casado con una liberal y seductora joven (Kristen Stewart). Sedientos de libertad, con la bandera BEAT en alto, salen a las rutas de los Estados Unidos en busca del mundo y de ellos mismos.
En la novela, el aspirante a escritor es el mismo autor, Jack Kerouac que, vale decir, reunió a escritores de su generación con sus premisas. En el film, vemos un camino desbordado, sembrado de drogas, bebidas y sexo a piacere, y así se va armando una rara road movie por los Estados Unidos. A la pareja sedienta de libertad los acompaña el libro “Au cote de chez swann”, de Marcel Proust, el escritor del “tiempo”.
La pareja protagónica no está sola. Otros personajes aparecen en sus vidas, buscando al Gurú de las drogas, encarnado por Viggo Mortensen, y al luminoso poeta de la Generación Beat a cargo de Tom Sturridge. La película está plena de incordura, incomodando en algún lugar por tanto desatino buscado y provocado.
Desde la fotografía, desde el guión, vemos un juego de claroscuros, un mundo oscuro por los desbordes enfrentado a la luz de los ideales. Una suerte de resplandor que choca al final con el orden establecido, el que detestan, con sueños que se estrellan.
El film es fuerte y tenaz, el movimiento beat brotó con fuerza en el país del Norte y dejó huellas. Tengamos en cuenta que una segunda explosión se dio en los 60, la generación Hippy, que tuvo los mismos lemas, siendo Buenos Aires uno de los centros de esta nueva forma de intelectualidad basada en la filosofía oriental, el uso de drogas y la libertad sexual, como rechazo profundo al sistema económico imperante. Es un muy interesante rescate de ideales aunque éstos choquen con la sensibilidad del espectador en algunos casos. Tal vez le falta algo de coherencia. En sí, es un logro que Salles haya llevado al cine este ícono de la generación beat, con sus más y sus menos.
Carlos Pierre
SENTIMIENTOS 1: LA MÚSICA EN LA TERCERA EDAD
LA ESENCIA DEL AMOR
Guión y Dirección: Paul Andrew Williams. Con Terence Stamp, Vanessa Redgrave, Gemma Arteton, Christopher Eccleston, Orla Hill, entre otros. Música de Laura Rossi. Duración: 93 minutos.
BUENA. LA MÚSICA COMO GENERADORA DE PROYECTOS VITALES
Con gran parecido a “Rigoletto en apuros”, la opera prima del gran Dustin Hoffman, “La esencia del amor” o “Song for Marion” nos demuestra que la música, nuevamente, es un motivo de inspiración y vitalidad para la gente de la tercera edad. Hay varios detalles que hacen de este cuarto film del inglés Paul Andrew Williams un emotivo mensaje por la enjundia de estos abuelos devenidos en coristas, el atípico repertorio compuesto por canciones modernas, la sólida exposición de cada uno de los personajes a través de notables actores como Vanesa Redgrave, Terense Stamp, Christopher Eclleston y el encanto de la directora del coro, Gemma Arteton.
Cada uno de ellos van entrelazándose con sus alegrías y penas,  los abuelos cantan sin flaquezas para poder llegar al concurso de coros. La música nuevamente como generadora de proyectos de vida.
El nudo de este relato está centrado en un malhumorado jubilado que encarna Terence Stamp quien no entiende cómo su esposa Marion (Vanessa Redgrave) ingresó a un coro de jubilados. Pero la determinante función de la directora hace que, con paciencia e inquebrantable voluntad, la música sea el vector de sus vidas porque cura y alienta, probado esto por diversas razones y terapias. Basta recordar el poder de la música de Mozart y de Beethoven, utilizados en musicoterapia. Un film amable, sensible, que toca las fibras del espectador sin estridencias.
Carlos Pierre
SENTIMIENTOS 2: LAS PAREJAS Y SUS CONFLICTOS
Guión y dirección: Josh Boone. Con greg Kinnear, Jennifer Connelly, Lily Collins, Nat Wolff, entre otros. Música de Mike Mogis y Nate Walcott. Duración: 96 minutos.
BUENA. REFLEXIÓN SOBRE SOBRE EL AMOR Y LA DISCORDIA
El dolor de la separación, el afán de recomponer la unión, el efecto devastador en los hijos con consecuencias mordaces en la comprensión de la ruptura paterna, son los temas que surjen en este film del debutante director Josh Boone. Según informa, lo que se ve tiene que relación con su experiencia personal.
Tanto el título en inglés, “Stuck in love” (algo así como “pegado” al amor) así como “Writers”, el segundo título con el que se distribuye esta película, se ajustan a la historia que estamos viendo, un padre escritor y exitoso (Greg Kinnear) y sus hijos, también escritores (Lily Collins y Nat Wolff). Hay un tercer título, en esta búsqueda casi personal de Josh Boone por manifestar su intensa e íntima catarsis, es “Invierno en la playa”. La intelectualidad así como el amor y la realidad se dan la mano en secuencias efectivas pero no efectistas.
Volvemos a ver a una actriz como Jennifer Connelly, la actriz de “La casa de arena y niebla”, caracterizada por estos protagónicos donde el actor debe internalizar profundamente su personaje.
Todo sucede en un año, entre una víspera de Acción de Gracias y la siguiente, donde los personajes se debaten en esta trampa de amor en la que están atrapados, unos y otros con sus motivos, y siempre en el camino de la literatura. Es otro de los films amables de la semana, bien realizados, que a buena parte del público nuestro le gusta.
Carlos Pierre
EL HUMOR ESCATOLÓGICO DE LA SEMANA
EL ABUELO SINVERGÜENZA
De Jeff Tremaine, con Johnny Knoxville. Jackson Nicoll, Greg Harris, entre otros. Música de Sam Spiegel y Kool G Murder. Duración: 92 minutos.
REGULAR. UN MIX BASADO EN CÁMARAS OCULTAS Y ESCATOLOGÍA
JackAss surgió como una serie de MTV y luego tuvo varias películas que lo llevaron a la pantalla grande. Podemos entonces hablar de una saga donde el desparpajo deja lugar a la escatología, el lenguaje soez, la pizca de misoginia conveniente, además de eructos, excrementos y penes, con menciones entre ofensivas y divertidas de los genitales femeninos. Una mezcla para los que aman este tipo de diversiones y un “seguro” de taquilla.
En este film hay una historia: el actor Philip John Clapp (42 años), nacido en Knoxville, de Tennessee, encarna a un anciano de 86 años que acaba de quedar viudo y carga con el cuerpo de su esposa luego de protagonizar un escándalo en su velatorio. Por si fuera poco, su hija vuelve a la cárcel por drogadicta y debe quedarse a cargo de su nieto, un chiquito de 8 años de notable actuación llamado Jackson Nicoll, para llevárselo a su padre, un hombre consumidor de drogas y alejado de todo sentimiento paternal común y corriente.
Van de Nebraska a Carolina del Norte, el abuelo siente rechazo por el nieto, éste acepta sus escapadas a clubes nocturnos donde la risotada nos surge fácil al ver al anciano (increíble personificación de Johnny Knoxville) bailando con afroamericanos de cuerpos perfectos; la exhibición de los atributos de Knoxville son para reir o para llorar, el espectador elige.
La historia es lineal, pero es algo. Más no se puede pedir. Pero es poco cine y mucha televisión, demasiada cámara oculta, sin ganas de que no se note, y, a estas alturas narrativas de la industria, resulta muy pobre como producto final. Se van a reir en las primeras secuencias, algunos se taparán la cara en otras, y finalmente, llegan los créditos con “algo más”. Si le gusta este tipo de humor, quédese hasta que se apague la luz.
Elsa Bragato

jueves, 12 de diciembre de 2013

"EL HOBBIT LA DESOLACIÓN DE SMAUG", "ESCLAVO DE DIOS" Y "A LA DERIVA", LO MEJOR DEL JUEVES 12



 JUEVES 12 DE DICIEMBRE DEL 2013.-
HAY SEIS ESTRENOS, SOLO UNO INTERNACIONAL, MIENTRAS QUE DE LOS RESTANTES DOS SE EXHIBEN JUNTOS: HUELLAS Y BOXING CLUB. “HUELLAS” ES UN DOCUMENTAL DE MIGUEL COLOMBO SOBRE SU PROPIA FAMILIA QUE SE ESTRENA EN FORMA CONJUNTA CON “BOXING CLUB”, DE VÍCTOR CRUZ, DONDE SE DOCUMENTA EL BOXEO A TRAVÉS DE UN FANÁTICO DE ESE DEPORTE. “TANGO EN EL TASSO” ES UN DOCUMENTAL DE ACHO ESTOL QUE RELATA LA PARTICIPACION DE GRANDES DE LA MUSICA PORTEÑA EN ESE SITIO TRADICIONAL DE LA CIUDAD.
EL “TANQUE” DE LA SEMANA
EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG – 3D
De Peter Jackson. Con Ian McKellen, Martin Freeman, Orlando Bloom, Luke Evns, Stephen Fry, entre otros. Música de Howard Shore.  Duración: 161 minutos.
MUY BUENA. ACCIÓN, TENSIÓN Y BUEN GUIÓN EN LA SEGUNDA ENTREGA
Peter Jackson logró un gran film en esta segunda parte de “El hobbit”, que aún espera la tercera y última, basada en el libro introductorio de El señor de los anillos, lejos la mejor trilogía del cine. “Bilbo Bolsón” y los enanos continúan el largo viaje hacia la montaña para que el rey Thorin recupere las tierras de Erebor, en manos del dragón Smaug.
Hay fantásticos planos abiertos que nos muestran el paisaje que van recorriendo los diminutos seres, siguiendo órdenes del mago Gandalf, así como la recreación de un pueblo medieval como una singular Venecia, donde “El Bardo” los esconde y les da ayuda. Un viaje por un río torrentoso en barriles es otra secuencia casi idílica si bien aparecen elementos de “thriller”, muy bien logrados por la música incidental de Howard Shore y la fotografía de Andrew Lesnie.
El guión cuenta con la colaboración de Guillermo del Toro, uno de los directores más imaginativos que hemos conocido, y su mano se nota en la abundancia de secuencias con alto contenido mágíco y esa obstinación por pasajes subterráneos y la lucha con seres monstruosos como las arañas gigantes que atacan a los personajes, por ejemplo (en el “Laberinto del fauno” encontramos muchos puntos de contacto con esta segunda parte de “El hobbit”).
El dragón es una gran creación de Jackson y Del Toro. Sí este animal mágico tiene demasiados parlamentos que aletargan un poco pero no durante todo el film sino en su parte final, a la que también han dotado de vibrantes desmoronamientos y castillos abandonados.
Mucha acción, mucha imaginación y un dragón que nos prepara para la tercera y última parte: “Soy la muerte”, afirma Smaug a quien mucha desolación no se le nota. Si vio la primera, densa y lenta, no se pierda ésta, con mucha acción y pasajes inolvidables.
Acotamos que en Los Angeles se ha construido un parque temático para promocionar el film y pensamos que esta parte del mundo debió tener algo similar por la cantidad de fans que sigue la literatura de J.R.R. Tolkien, tan admirado por Jorge Luis Borges.
Elsa Bragato
LA NOVEDAD SEMANAL
ESCLAVO DE DIOS
De Joel Novoa Schneider, con Vando Villamil y Mohammed Alkhaldi. Música de Emilio Kauderer. Duración: 90 años.
MUY BUENA. MIRADA ATRAPANTE SOBRE EL ATENTADO A LA AMIA
Este film de Joel Novoa Schneider, coproducción de Venezuela, Argentina, Uruguay y Estados Unidos, nos relata los acontecimientos previos al atentado a la AMIA en 1994, desde Oriente y desde esta ciudad, con el rastreo de un agente del Mossad.
Se trata de una buena película, bien lograda, con una buena fotografía, un buen planteo escenográfico (las persecuciones, algunos flashbacks) y dirección actoral, en el que, por primera vez, se intenta mostrar los tejes y manejes previos a la voladura de la mutual israelí en Buenos Aires. De por sí el tema es atrapante.
Uno de los intervinientes viene de Oriente y se afinca en Venezuela, donde forma su familia. Debe “esperar el día”. El otro, a cargo de Vando Villamil, es un agente del Mossad que está al tanto de que algo sucederá en Buenos Aires y sigue los pasos de lo que puede llegar a ser un atentado, tal como lo fue.
Nos parece un paso adelante en materia de propuestas cinematográficas sudamericanas, una investigación que ofrece la pantalla grande a través de un buen guión, diferente, que sorprende porque tiene todos los elementos del policial tradicional abocados ahora a un tema que sigue siendo una herida para los argentinos. Interesante, diferente, una película que logra su objetivo y nos muestra otra cara del fundamentalismo abordado con una mirada “off Hollywood”.
Elsa Bragato
LA ÓPERA PRIMA NACIONAL DE LA SEMANA
A LA DERIVA
De Fernando Pacheco. Con Juan Palomino, Daniel Valenzuela, Julián Stefan, Mariana Medina, entre otros. Música del Conjunto Los Núñez. Duración: 70 minutos.
BUENA. RELATO ELEMENTAL AUNQUE AUSPICIOSO
Esta ópera prima de Fernando Pacheco se desarrolla en la provincia de Misiones (este año un par de films se rodaron en dicha provincia) y nos relata el drama de un peón de aserradero que pierde su trabajo temporario. Comienza entonces un derrotero difícil para lograr algo de dinero.
Al contar con el apoyo provincial, el realizador Pacheco pudo explayarse en la exuberante geografía misionera, la selva con su verdor, la tierra colorada, y además las necesidades de la población nómade, que suele vivir en lo que llaman “colonias”, fuera de las ciudades.
En principio, la historia está encarada con realismo y, por momentos, se torna básica. Sin embargo, Pacheco le aporta condimentos de thriller cuando el protagonista debe participar del traslado de drogas desde Paraguay. El “dealer” nacional está encarnado por Juan Palomino. Hay aspectos del film que no nos conforman tales como la seguidilla de secuencias que no profundizan en el drama del trabajador sino que intentan ser cuadros realistas con fuerte tinte social. El propósito está y sobrevuela el film pero nada más. Se torna elemental y se deja de lado el sufrimiento del protagonista apenas paliados por lugares comunes como el sexo y la bebida. Lo social y el delito, entrelazados, nos dan un retrato elemental, rústico, de la vida de un trabajador nómade en Misiones. Estamos, y no lo olvidamos, frente a una ópera prima, por lo que estos planteos de Fernando Pacheco resultan interesantes, son auspiciosos, si bien uno espera siempre mucho más de un largometraje que llega a las salas comerciales.
Carlos Pierre

jueves, 5 de diciembre de 2013

"KON TIKI", "ESTE ES EL FIN", LA ARGENTINA "LA BOLETA" Y "PARANOIA", LO MEJORCITO JUEVES 5




JUEVES 5 DE DICIEMBRE DEL 2013.-
Hay siete estrenos de los cuales dos son argentinos: “Una familia gay”, de Maximiliano Pelosi, un documental sobre las parejas homosexuales que deciden casarse y las que debieron esperar muchos años en virtud de la reciente ley nacional que así lo permite entre parejas de igual sexo. Y “La boleta”, la opera prima de Andrés Paternostro, con el protagónico de Damián de Santo, junto a Roly Serrano y Marcelo Mazzarello y Claudio Rissi, sobre la suerte de un hombre común que pierde todo y compra una “boleta” de lotería que le es robada. Y allí se inicia el film. Decimos que está bien filmada (Paternostro ha sido camarógrafo de Polka durante años) y muy bien actuada. Una comedia chiquita pero eficaz. Comedia a la argentina que suele tener buena aceptación del público. Simpática.
 “Machete Kills” es un film clase B demasiado extenso, con el feo de Danny Trejo en el rol central y presentaciones, a manera de cameos, de famosos como Antonio Banderas con bigotes, Carlos Estévez (el otro hijo de Martin Sheen), Charles Sheen, Mel Gibson, Lady Gaga, entre otros superfamosos. Explosiones de muertes y de gags ya conocidos y excesivos en tono irónico.
 “EL otro hijo” es un film de la cineasta francesa Lorraine Lévy, que encara el conflicto de Medio Oriente desde otro punto, uniendo lo social con lo político: por una equivocación, una madre palestina recibe como su hijo a un niño judío mientras que su propio hijo es dado en adopción a una familia judía. Se analiza la relación de ambos jóvenes, cuyas identidades entran en profundo conflicto. Es un buen film, interesante, que aporta una mirada social muy valiosa sobre Palestinos e Israelíes
EL “TANQUE” DE LA SEMANA
KON-TIKI
De Joachim Ronning y Espen Sandberg. Con Pal Sverre Valheim Hagen, Anders Baasmo Christiansen, entre otros. Música de Johan Söderqvist. Duración: 118 minutos. Noruega, 2012.
MUY BUENA. ATRAPANTE REMAKE DEL DOCUMENTAL DE 1947
El viaje que en 1947 hizo el explorador noruego Thor Heyerdahl cruzando el Pacífico en una balsa de troncos, unidos por sogas, a fin de demostrar que los nativos de Sudamérica fueron los primeros en arribar a la Polinesia, es una ficción histórica excelente, en la que la industria noruega invirtió 16 millones de dólares, un hecho único en el cine del país nórdico.
Es realmente un film atrapante, que cuenta con una fotografía de excepción: la espectacular escenografía natural del océano más grande del planeta con un plano zenital al enfocar la Vía Láctea en todo su esplendor.
Basado en el libro de Thor Heyerdahl y en el documental que realizó en blanco y negro entonces, cubriendo, desde el 28 de abril de 1947, los 101 días de navegación, se redescubre la soledad de los seis navegantes intrépidos en el Pacífico, tal vez como un parámetro de las incursiones vikingas a las costas de América del Norte, además de hacerle honor a la tradición marinera de Noruega. Destacamos que el film logró el Oscar en 1951, y en realidad fue un documental filmado en 16 y en 35 mm. Y compitió como mejor película extranjera en la última entrega de los Oscars.
Los navegantes recorrieron 8 mil km, acechados por tiburones y a merced de las poderosas corrientes marinas y los vientos que caracterizan al océano. Está filmado en Noruega, Malta, Tailandia, Bulgaria, Estados Unidos (New York), Suecia y se habla en sueco, inglés, noruego y francés.
Estamos frente a un film de aventuras que rescata un hecho real, histórico, que conmovió en aquellos años 40 y 50 y que no deja de estremecer hoy por la valentía de los navegantes. A esto le añadimos la tecnología actual que aporta secuencias fascinantes. Una pequeña joya en “remakes” que vale la pena ver.
Carlos Pierre
EL ESPIONAJE INFORMÁTICO DE LA SEMANA
PARANOIA
De Robert Luketic. Con Liam Hemsworth, Harrison Ford, Gary Oldman, Amber Heard, entre otros. Música del DJ Junkie XL. Duración: 106 minutos.
BUENA. LA INFORMÁTICA Y LA PRIVACIDAD EN EL TAPETE
El espionaje tecnológico está de toma, luego de Wikileaks y los demás denunciantes, hoy asilados en diferentes países. Y, con ellos, los servicios de inteligencia de los Estados Unidos quedaron al desnudo. “Paranoia” se basa, justamente, en dos magnates de la tecnología, considerados los más poderosos del mundo, personajes a cargo de Gary Olman (Nicolás Wyatt) y de Harrison Ford (Jack Goddard, una personificación que lo muestra calvo y con notable envejecimiento). Un joven sediento de poder, que encarna Liam Hemsworth (Adam Cassidy) se introduce en la oficina de uno de los magnates como “ariete” enviado por el otro personaje, Ford.Goddard. “Troyar” es el término más utilizado, en obvia alusión al “caballo de Troya” griego y al empleo del término en los temibles virus que infectan las computadoras. Esos “regalos” inesperados que destruyen información, como ocurrió con el hecho histórico aunque en otro contexto.
Hace escasos días veíamos “El quinto poder” donde el ex socio de Assage, creador de Wikileaks, desnudaba el mundo de la empresa que difundió los informes secretos de los Estados Unidos logrados a base de espionaje a gobiernos de todo el mundo. Y si fue inquietante conocer cómo las decisiones gubernamentales eran espiadas con fines “non sanctos”, también resulta perturbadora esta película donde se intenta probar que es una utopía creer que tenemos intimidad, privacidad.
En la vibrante New York se “cocinan” estos espionajes cuyo alcance los habitantes de la Tierra aún desconocemos. La tecnología norteamericana, una vez más, resulta apabullante y deja al espectador un tanto desvalido porque en esta parte del mundo es prácticamente imposible que exista semejante tecnificación (teniendo en cuenta que la mayoría de expedientes de todo tipo aún se asientan en expedientes de cartón y papel, por ejemplo). Si bien hay secuencias que producen “dejá vu”, las vimos o no antes?, el film atrapa por la propuesta y porque tiene dos grandes actores como puntales de esta rivalidad en la que alguien puede perder no solo información digitalizada sino también la vida.
El australiano Robert Luketic realiza una película, por momentos, vibrante e intensa, y genera vértigo para quien le interese el tema. Nos muestra hasta dónde puede llegar la ambición y el regodeo por el poder y, en este sentido, es un alerta para las sociedades del mundo. La utilización de la informática, en sí un bien enorme para la humanidad, pero… es una de las armas más temibles.
Carlos Pierre
EL DELIRIO DE LA SEMANA
ESTE ES EL FIN
De Seth Rogen y Evan Goldberg. Con Seth Rogen, Jay Barruchel, James Franco, Jonah Hill, Danny McBride, Jason Segel, Michael Cera, Emma Watson, Channing Tatum, Rihanna, entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 107 minutos.
MUY BUENA. CUANDO LOS ACTORES SE DIVIERTEN
Que los actores de Hollywood se rian de sí mismos y parodien a diferentes géneros es casi una novedad porque aquí lo hacen con sus nombres reales. Seth Rogen logra, junto a Evan Goldberg, su opera prima luego de cumplir con protagónicos donde develó sus cualidades actorales aún cuando no es un “babyface”. Espera a un amigo en el aeropuerto de LA, y se dan una panzada de drogas de todo tipo, bien expuestas, alcohol y videojuegos y, por si fuera poco, es Seth, así, con su nombre y apellido reales, quien invita a Jay Barruchel a la casa del superfamoso James Franco, que él mismo diseñó. Una fiesta de aquéllas. De pronto, la ciudad se transforma en un caos, se abre la tierra, se traga a famosos y no tanto, y seis hombres, entre ellos Seth, Barruchel y Franco, quedan atrapados en esa mansión. El problema sobreviene: qué hay de comida y para cuánto tiempo porque la ciudad es un verdadero infierno y la casa está rodeada de gigantescos hoyos que van hasta el mismísimo magma del planeta.
La parodia a los films de aliens, religiosos con exorcismos incluidos, da pie a secuencias hilarantes, algunas con escatología abundante, y un instinto homosexual que ronda pero no se concreta. Mujeres a la vista ya no hay. Un monstruoso ser se apodera, y uno puede imaginarse cómo, de uno de los actores, por lo que será un enemigo más pero en la casa, un poseído al que hay que exorcizar armando cruces con utensillos de cocina. Los haces de luz que surgen del cielo “coptan” a los que son buenos y se arrepienten, mientras que los malos quedan a merced del resto de la sociedad, hambrienta, y ya sabemos que terminarán como “plato favorito”, así, en vivo y en directo y sin cocción.
Si bien al principio creemos ver una chiquilinada de Hollywood, el delirio del guión, que nos recuerda a la primera “Qué pasó en Las Vegas”?, va atrapando por los disparates sin cortapisas que vemos como a Channing Tatum convertido en perro faldero que se entrega sexualmente para no perder la vida o la parodia de El exorcismo y algún dejo de “El bebé de Rosemary”, entre otros films que los mismos actores van mencionando. También hablan, con desenfado, sobre los propios narcisismos sabiendo que los pueden utilizar como un arma para mentir “actuando” y llegar al cielo. Los monstruos están presentes, pero sin exceso, y nos recuerdan a los tanques alienígenas que hemos visto. Es decir, un compendio hilarante y delirante del mundo de Hollywood en manos de excelentes actores que no tienen vergüenza en mostrarse con todas sus debilidades, y eso que las hay de todo tipo. Si no sos muy cinéfilo, puede ser que te quedés afuera de algunas situaciones pero, en definitiva, el delirio te  hará reir.
Elsa Bragato