PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

AQUÍ ESTÁN NUESTRAS CRÍTICAS E INFORMACIÓN GENERAL SOBRE CINE

martes, 27 de septiembre de 2016

PREMIOS CÓNDOR DE PLATA NOMINADOS 2016

Mejor Película de Ficción
El clan de Pablo Trapero
El Patrón, Radiografía de un crimen de Sebastián Schindel
Eva no duerme de Pablo Agüero
La Patota de Santiago Mitre
Mi amiga del Parque de Ana Katz
Mejor Director
Pablo Agüero por Eva no duerme
Ana Katz por Mi amiga del parque
Santiago Mitre por La Patota
Pablo Trapero por El clan
Sebastián Schindel por El Patrón, radiografía de un crimen

Mejor Ópera Prima
Ciencias naturales, de Matías Lucchesi
Cómo funcionan casi todas las cosas, de Fernando Salem
Entre Ríos, todo lo que no dijimos, de Nelson Schmunk
El incendio, de Juan Schitman
Pistas para volver a casa, de Jazmín Stuart
La Salada, de Juan Martín Hsú

Mejor Película DocumentalDamiana Kryygi, de Alejandro Fernández Mouján
La calle de los pianistas, de Mariano Nante
La sombra, de Javier Olivera
Merello x Carreras, de Victoria Carreras
Ney, nosotros, ellos y yo, de Nicolás Avruj

Mejor Audiovisual para Plataformas Digitales
Cromo, de Lucía Puenzo, Nicolás Puenzo y Pablo Fendrik
Daemoniun: Soldado de Inframundo, de Pablo Parés
Fantasmas de la ruta, de José Celestino Campusano
Historia de un clan, de Luis Ortega
La casa, de Diego Lerman

Mejor Actriz
Dolores Fonzi por La Patota
Pilar Gamboa, por El incendio
Verónica Llinás por La mujer de los perros
Érica Rivas por Pistas para volver a casa
Julieta Zylberberg por Mi amiga del parque

Mejor Actor
Lautaro Delgado por Los del suelo
Guillermo Francella por El clan
Joaquín Furriel por El Patrón, radiografía de un crimen
Esteban Lamothe por El 5 de Talleres
Martín Slipak por Cómo ganar enemigos

Mejor Actriz de Reparto
Maricel Álvarez por Mi amiga del parque
Sofía Brito por Eva no duerme
Ana Katz por Mi amiga del parque
Mónica Lairana por El Patrón, radiografía de un crimen
Susana Varela por Kryptonita

Mejor Actor de Reparto
Diego Cremonesi por Kryptonita
Lautaro Delgado por Kryptonita
Daniel Fanego por Eva no duerme
Miguel Ángel Solá por Pasaje de vida
Luis Ziembrozky por El Patrón, radiografía de un crimen

Revelación Femenina
Paola Barrientos por Ciencias Naturales
Paula Hertzog por Ciencias naturales
Laura López Moyano por La Patota
Eugenia Suárez por Abzurdah
Malena Villa por Mariposa

Revelación Masculina
Juan Barberini por El incendio
Marco Antonio Caponi por Pasaje de vida
Julián Infantino por Mariposa
Peter Lanzani por El clan
Limbert Ticona por La Salada
Mejor Guion original
Pablo Agüero por Eva no duerme
Marco Berger por Mariposa
Ana Katz e Inés Bortagaray por Mi amiga del parque
Matías Lucchesi & Gonzalo Salaya por Ciencias Naturales
Fernando Salem & Esteban Garelli por Cómo funcionan casi todas las cosas

Mejor Guion adaptado
Abzurdah, de Alejandro Montiel, Daniela Goggi & Alberto Rojas Apel sobre la novela homónima de Cielo Latini
El Patrón, Radigrafía de un crimen, de Sebastián Schindel, Nicolás Batlle & Javier Olivera basado en un libro de Elías Neuman
Kryptonita, de Nicanor Loreti & Camilo De Cabo basado en la novela homónima de Leonardo Oyola
La Patota, de Santiago Mitre & Mariano Llinás sobre el guion de Eduardo Borrás
Los del suelo, de Juan Baldana sobre la novela “Monte madre”, de Jorge Miceli
Mejor FotografíaJulián Apezteguia por El clan
Gustavo Biazzi por La Patota
Iván Gierasinchuk por Eva no duerme
Marcelo Iaccarino por El Patrón, Radiografía de un crimen
Fernando Lockett por La vida de alguien

Mejor Montaje
Marco Berger por Mariposa
Delfina Castagnino, Laeandro Aste & Joanna Collier por La Patota
Andrés Ciambotti y Sebastián Schindel por El Patrón, radiografía de un crimen
Nicanor Loreti &Francisco Freixá por Kryptonita
Pablo Trapero y Alejandro Carrillo Penovi por El clan

Mejor Dirección de arte
Daniel Gimelberg por El desierto
Augusto Latorraca por El Patrón, radiografía de un crimen
Sebastián Orgambide por El clan
Lucila Presa por Pasaje de vida
Mariela Rípodas por Eva no duerme

Mejor Diseño de Vestuario
Valentina Bari por Eva no duerme
Julieta Bertoni por Pasaje de vida
Laura Cacherosky por Kryptonita
Julio Suárez por El clan
Camila Videla Peña por El prisionero irlandés
Mejor Maquillaje y Caracterización
Karina Camporino por El Patrón, radiografía de un crimen
Araceli Faraci por El clan
Rebeca Martínez por Kryptonita
Verónica Sabatini y Norberto Poli por Eva no duerme

Mejor Música Original
Juan Blas Caballero por Abzurdah
La Foca por La vida de alguien
Lucas Kohan por El Patrón, radiografía de un crimen
Valentín Portron por Eva no duerme
Pablo Sala por Pájaros negros

Mejor Sonido
Emiliano Biaiñ por Eva no duerme
Federico Esquerro, Santiago Fumagalli & Edson Secco por La Patota
Javier Farina, Fernando Vega & Hernán Gerard  por El Patrón, radiografía de un crimen
Sebastián González por Kryptonita
Leandro de Loredo & Vicente D'Elia por El clan

Mejor Cortometraje
Arroz y Fósforos de Javier Beltramino
Catalina y el sol de Anna Paula Honing
Cuchipanderos de Agostina Guala
El dorado de Ford de Juan Fernández Gebauer
En las nubes de Marcelo Mitnik
La variación de López de Pablo Parra

Mejor Película Iberoamérica
Cavalo Dinheiro de Pedro Costa (Portugal)
Gloria de Sebastián Lelio (Chile)
La memoria del agua de Matías Bize (Chile, España, Argentina)
Stockholm de Rodrigo Sorogoyen (España)
Truman de Cesc Gay (España-Argentina)

Mejor Película en Lengua Extranjera
Dos días y una noche de Jean Pierre y Luc Dardenne (Bélgica)
El otro lado del éxito de Olivier Assayas (Francia)
Joven y bella de Francois Ozon (Francia)
Mad Max: Furia en el camino de George Miller (Estados Unidos)
Mommy de Xavier Dolan (Canadá)

jueves, 22 de septiembre de 2016

"LOS 7 MAGNÍFICOS", "LAS MARAVILLAS", "OLVÍDALOS Y VOLVERÁN POR MÁS", ESTRENOS DEL JUEVES 22 DE SETIEMBRE 2016



JUEVES 22 DE SETIEMBRE DEL 2016.-
Varios estrenos entre documentales nacionales y films extranjeros. “El padre” es un docuficción de la reconocida Mariana Arruti (“Trelew”) sobre su papá, reconstruyendo una historia a partir de lo que supo: que había fallecido en 1973. Los silencios familiares hicieron el resto. Con enorme valentía (porque el tema duele de por vida), encara a familiares y amigos y reconstruye esa historia que no vivió. El documental, como Arruti dice, fue el modo de encarar y destruir tanta oscuridad.”El muerto cuenta su historia”, de Fabián Forte, es una ficción protagonizada por Emilia Attias y Diego Gentile, una suerte de fábula con severa crítica al machismo y señalamiento a ciertas debilidades femeninas a través de un personaje que es adicto a las mujeres por lo que tendrá sus consecuencias, hay humor negro e ironía. Finalmente se estrena el film israelí “Querido papá”, de Yuvai Delshad, película que representó a Israel en los Oscars sobre una familia iraní que hereda un criadero de pavos. La severidad paterna, las ilusiones del hijo de 13 años de una vida distinta y escenas duras, además del extraño y bello idioma persa de los protagonistas, conforman una película de autor novedosa y atractiva.
EL HOMBRE QUE CONOCIA EL INFINITO
Guión y dirección Matt Brown. Con Dev Patel, Jeremy Irons, Devika Bhise, Toby Jones, Stephen Fry, entre otros. Departamento de música: Charles M. Barsamián. Duración: 108 minutos.
BUENA. BIOPIC DE UN PRODIGIO INDIO
Srinivasa Ramanujan (1887-1920) fue un matemático indio que hizo importantes contribuciones a su especialidad, viajando a Inglaterra para su teoría sobre los números, con una marcada impronta intuitiva y verdaderamente genial.
Llegó al reconocido Trinity College, en Cambridge, y, en el transcurso de cinco años, forjó un gran vínculo con su mentor, el brillante y excéntrico profesor G. H. Hardy, protagonizado por Jeremy Irons.
Ramanujan (encarnado por Dev Patel) tuvo que luchar contra los prejuicios académicos ingleses, siendo como era un súbdito indio, desconocido y de endeble figura. Al final de su corta vida fue reconocida su genialidad, y este autodidacta, que cambió para siempre las matemáticas, regresó a su país para morir de una tuberculosis terminal.
El realizador Matt Brown, basándose en la novela de Robert Kanigel, construyó un biopic convencional, conservadora pero no exenta de sentimentalismo mostrando las penurias del protagonista. Otro punto negativo de esta narración es el tema porque las matemáticas no son accesibles en su terminología a todos y pueden cansar al espectador. Sin embargo, hay que decir que la historia atrae, aunque las ecuaciones barran con la paciencia.
Es una película inglesa muy prolija, de medio tono que, no obstante, permite intuir las penurias íntimas del matemático indio, solo superadas por su férrea voluntad y convicción.
El ambiente académico de Cambridge alterna en la película con el de la India, donde la esposa de Ramanujan lo esperó durante cinco años. Esta alternancia de escenas hace más atractivo el film, mostrando dos mundos bien diferentes.
A la contribución científica del prodigio indio hay que agregarle un aporte a la comprensión de los agujeros negros, descubiertos después. Finalmente, este matemático que no soslayaba la intuición para abordar sus teorías, fue enteramente reconocido por el profesor G.H. Hardy.
El ida y vuelta del profesor y el genio venido de India, la brillantez de la ciencia de Cambridge, fueron bien explotados por la realización, en la que Dev Patel y Jeremy Irons lograron interpretaciones superlativas.
La tradición británica, basada en su poderoso dominio en la India y hoy países aledaños (aproximadamente desde 1850 hasta 1947), pudo más que la historia personal del matemático indio, por lo que quedaron sin mayor desarrollo algunos aspectos que hubiesen sido interesantes conocer y que pasaron muy velozmente.
Carlos Pierre
LAS MARAVILLAS
Guión y dirección de Alice Rohrwacher. Con María Alexandra Lungu, Mónica Bellucci, Sabine Timoteo, Agnese Graziani, Luis Huilca, Eva Morrow, entre otros. Música de Piero Crucitti. Duración: 110 minutos.
MUY BUENA. RENACE EL GRAN CINE ITALIANO
Alice Rohrwacher, la joven y prestigiosa cineasta italiana, muestra en su segundo film (ganador de premios en 2014) un proceso de desmoronamiento social a través de la mirada de una adolescente, “Gelsomina” (María Alexandra Lungu), eje de la narración. Un aire insoslayable del icónico Federico Fellini se cuela en una familia de apicultores, el “padre” (Sam Louwyck) es el rector exigente de cuatro hijas y su esposa. Está convencido del gradual deterioro de la humanidad, por lo que decidió internarse en un descampado, una vieja casa, apartada de la urbanidad italiana, donde continúa con su labor de apicultor No obstante la decisión de vivir lejos de las ciudades, la vida familiar es invadida por la reinserción social de un delincuente alemán y la llegada de un programa de televisión, transformándose la rutinaria y rústica vida en una suerte de “reality rural”. La bella Mónica Bellucci es la conductora, una “maravilla” o un “hada madrina” que ofrece un premio en dinero.
Más felliniana que cualquier otro cineasta italiano, recogiendo la mirada ácida, crítica, del gran maestro sobre la televisión (“La televisión es el espejo donde se refleja la derrota de todo nuestro sistema cultural” afirmaba Fellini), Alice Rohrwacher surge como una de las grandes nuevas realizadores de Italia que aporta su mirada joven a una tradición conceptual que había sido dejada de lado. Desde el nombre de la heroína o eje de la historia, “Gelsomina”, un personaje fantástico que Federico Fellini creó en “La strada”. En esta película, será “Gelsomina” quien se inscriba en el “reality” en calidad de apicultora pero con una característica especial: lo hace vestida como sus ancestros, los etruscos, pobladores desaparecidos como nuestros mayas, cuya cultura ha sido la base del actual Lazio y su capital, Roma.
Alice Rohrwacher sorprende porque tiene una potente imaginación que no le impide enmarcarse en la huella feliniana, al no esquivar los aportes del gran maestro sino destacarlos, desde el nombre de la protagonista hasta la concepción de la televisión como arma de destrucción cultural. Dos escenas nos marcan de manera muy clara la cosmogonía personal de Fellini: el primer plano de “Gelsomina” de cuya boca sale una abeja que se pasea por su rostro, y la travesura de las jovencitas que derraman, en un descuido, la miel recogida, una gelatina dorada que se esparce, pegajosa, ante la furia paterna.
Esta segunda película de Alice Rohrwacher es natural, espontánea y salvaje, impregnada de magia y misterio, siguiendo la impronta de Federico Fellini y alcanzando una deslumbrante narración donde el pasado y el presente y las críticas sociales se reconocen con claridad. Un film diferente y para ver.
Carlos Pierre
CIGÜEÑAS
De Doug Sweetland y Nicholas Stoller, bajo guión de este último. Voces de Andy Samberg, Katie Crown, Jordan Peele, Kelsey Grammer, entre otros. Música de Jeff Danna y Mychael Danna. Duración: 89 minutos. Animación que presenta Warner Bros.
BUENA. CAOS NARRATIVO CON BUEN MENSAJE      
La historia de qué hacen hoy en día las cigüeñas surge como un relato simpático y positivo. Ya no reparten niños sino que se dedican a distribuir las mercaderías de una gran empresa. Entre las cigüeñas abocadas a esta nueva tarea hay una niña, la única humana, “Tulip”, que por diferentes motivos quedó en el lugar. Será la niña quien, sin querer accione la máquina de hacer bebés, coincidiendo con el pedido de un niño a sus padres. La aparición de otros personajes hace perder el rumbo de la historia o bien se vive un caos narrativo que no pierde simpatía ni interés. Confunde un poco, eso sí.
El mensaje es amable, dulce, partiendo de los dichos de las abuelas de que los bebés son traídos por las cigüeñas. Aquí no aparece la ciudad de París pero sí una fantástica máquina virtual que genera bebés de todas las razas.
Esta moraleja así como la felicidad de la pareja que recibe uno de los bebés y la reinserción de Tulip al mundo humano resultan agradables, a pesar de algunas señales negativas: el caótico vuelo de Storcks y Tulip con el bebé a bordo, la destrucción de la ex fábrica de bebés, las persecuciones, resultan exageradas pero, en verdad, la animación no pierde ritmo y resulta agradable.
Elsa Bragato
LOS SIETE MAGNÍFICOS
De Antoine Fuqua. Con Denzel Washington, Chris Pratt, Haley Bennett, Ethan Hawke, Peter Sarsgadd, Vincent D’Onofrio, entre otros. Basado en el film homónimo de 1960, de John Sturges. Música de James Horner (fallecido en el 2015). Duración: 130 minutos.
MUY BUENA. REGRESO DEL WESTERN
Uno de los géneros más requeridos en la década del 50 y 60 en el cine fue el “western” o bien “la de cowboys”, con grandes actuaciones y bandas sonoras. Luego vinieron los “Spaghetti western”, rodados en España e Italia. Los “blocksbusters” y la ciencia en ficción los desplazaron. De allí que la remake de uno de los más reconocidos films del género como “Los siete magníficos” es una buena decisión de Hollywood aunque no se ciña en forma estricta al original y utilice los efectos especiales propios del nuevo siglo. Y Antoine Fuqua continúa con la tónica de John Sturges quien, a su vez, se basó en la estupenda “Los siete samuráis” de Akira Kurosawa. La historia se basa en un pueblo asolado por el explotador de oro “Bartholomew Bogue” (Peter Starsgaad) quien mata a mansalva a los pobladores e incendia la iglesia. “Chilsom”, encarnado por un hierático Denzel Washington, llega al pueblo y no se anda con chiquitas: en el bar liquida a todos. Y, cuando la revuelta popular lo enfrenta, acepta ayudar al asolado pueblo y va reuniendo, en su largo caminar por las zonas montañosas más áridas, a sus siete pistoleros, hombres de revolver fácil y sin culpas.  En la película original, el pueblo estaba en México.
Antoine Fuqua regresa a una fórmula que le dio mucho crédito en “Día de entrenamiento” junto a sus actores fetiches: Denzel Washington y Ethan Hawke, éste como “Goodnight Robicheaux”. La figura femenina es una bella viuda, “Emma”, encarnada por Haley Bennett. La primera larga hora se atiene a preparativos de la gran lucha que deberán sostener con el sanguinario “Boque”, desde la incorporación de hombres fuertes hasta las prácticas de tiro de los pobladores.
Sin escenas románticas, el film transcurre dentro de un estilo duro, aún con la falta de un desarrollo profundo de algunos de los siete magníficos. El clima que genera Fuqua es intenso, ayudado por una banda sonora inconclusa del malogrado James Horner que apuntala las acciones sin una melodía específica: ésta solo se escuchará en los créditos del final y es la banda original de 1960 de Elmer Bernstein.
Además del “Chisolm” de Denzel Whashington hay personajes muy atractivos como el que encarna Chris Pratt, el mismo Ethan Hawke o bien el coreano Byung-Hun Lee. En los últimos 45 minutos, una parafernalia de tiros, muertes, y gritos, inundan la pantalla. Sin tregua, el sonido es atronador y las tomas son vertiginosas, difíciles y con un excelente postmontaje.
Aunque tenga algunos altibajos narrativos y mucha previsibilidad común al género, la película nos devuelve un western atrapante con todos los ingredientes bajo la mirada del siglo XXI, menos diálogos, más acción, y inversión en dólares en cámaras y extras. Vale la pena.
(NdR: Recordemos que el film original tuvo tanto éxito que se hicieron secuelas y hasta series de televisión).
Elsa Bragato
EL PEOR DÍA DE MI VIDA
De Daniel Alvaredo. Con Javier Lombardo, Mónica Scaparone, Constanza Maral, Irene Almus, Ximena Fassi. Música de Pablo Sala. Duración: 73 minutos.
BUENA. UN DÍA DE “MUFA”
Javier Lombardo vuelve a la pantalla grande con una película sencilla, una historia pequeña, que el realizador Daniel Alvaredo carga sobre el reconocido actor. De alguna manera, hay una reminiscencia a “Historias mínims” (2002) de Carlos Sorín: el protagonismo absoluto de Javier Lombardo y su enorme capacidad para monologar.
A su personaje, “Julio Cabrera”, nada le puede ir peor que el día de su cumpleaños 50. Se obstina en continuar con su carrera actoral, su mujer (Mónica Scaparone) lo abandona, tiene que retirar las cenizas de su hermano con quien no se veía, el automóvil se descompone en pleno cementerio, y descubre que algunos parientes, los pocos que le quedan, son falsos.
Hubo un pequeño presupuesto para la realización que no impidió que dos actrices de fuste como Constanza Maral y Mónica Scaparone estuviesen en el proyecto, aportando calidad y profesionalismo. Sus participaciones son muy buenas pero, sin duda, la responsabilidad está en Javier Lombardo que tiene espaldas para llevar adelante todas las escenas.
Alvaredo no logra crear el clima propuesto sino que es Javier Lombardo quien debe transmitir la desazón de una existencia que pierde todo en un día clave de su vida. La previsibilidad es el peor elemento de esta narración, que se une a una marcada carencia presupuestaria en la ambientación y en el casting en general, con excepción de Lombardo, Maral y Scaparone. No obstante, tiene cierto encanto.
Elsa Bragato

OLVÍDALOS Y VOLVERÁN POR MÁS
De Colectivo Documental Semillas, director Juan Pablo Lépore.. Música original de Leandro E. Pelegrino.  Documental. Duración 110 minutos.
EXCELENTE. SAQUEO ORGANIZADO DE LA MEGAMINERÍA
Con enorme valentía, el director Juan Pablo Lepore encara este documental que incluye filmaciones en Montreal y Québec,Canadá, hasta en San Juan, Catamarca, y las movilizaciones contra la megaminería y el neoliberalismo que se llevaron a cabo en la ciudad de Buenos Aires.
Fuera de toda etiqueta política, aunque con marcado sesgo social, Lepore enfrenta las acciones tomadas por los gobiernos anteriores al actual y las decisiones del presidente Mauricio Macri con la consiguiente degradación del valor de nuestra nación.
La Barrick Gold, cuyo contrato fuese tan cuestionado en el gobierno de la ex presidenta Cristina. F. de Kirchner, tiene hoy asegurada la “destrucción” de nuestras montañas y la contaminación de los ríos de San Juan, Mendoza, Catamarca, como acaba de suceder con el derrame tóxico en Valedero con el macrismo. Las multas supermillonarias no son ningún impedimento. La Barrick Gold, entre otras multinacionales, las pagan y continúan con su trabajo de destrucción a puro beneficio.
Lepore muestra las consecuencias de esta megaminería en Canadá, país que alquila el uranio enriquecido o pesado para las centrales nucleares de nuestro país (dato que nos fue dado en el CONICET) mientras extrae nuestro uranio sin retenciones, encontrando muchos minerales más en esa explotación que no declara, ni ella ni otras multinacionales similares que fueron habilitadas para este saqueo.
El envenenamiento de los ríos de montaña aleja a los pobladores de las zonas, los obliga a reconstruir casas, a relocalizarse, daña la ganadería y los cultivos que se nutren de las aguas limpias, ahora contaminadas con cianuro. Cuando esto no es posible, las multinacionales pueden generar revoluciones y asesinatos de líderes. Hay varios films en los que esto se muestra como “anécdota” (“Money monster”, “Syriana”, entre otros).
Y Lepore va más allá dándonos una explicación, a partir de sus entrevistados (docentes y universitarios franceses, canadienses y argentinos: Javier Rodríguez Pardo, Jenny Luján, Horacio Machado Aráos, entre otros) sobre la relación que evidentemente existe entre el “tarifazo” y la megaminería: estas superempresas requieren mucha energía por lo que somos nosotros quienes se la subsidiamos a costa de padecer cortes de luz, falta de gas, y putrefacción del agua potable.
Vale la pena ver este documental, dejar de lado cualquier posición política y analizar lo más objetivamente posible la necesidad o no de este tipo de contratos entre los países en vías de desarrollo como el nuestro y los intereses del llamado “primer mundo”.
Elsa Bragato


jueves, 15 de septiembre de 2016

"GILDA", "LE NOUVEAU", "EL INFILTRADO", ENTRE LOS ESTRENOS DEL JUEVES 15 DE SETIEMBRE del 2016



JUEVES 15 DE SETIEMBRE DEL 2016.-
Varios estrenos renuevan los cines del país. Entre ellos, la secuela de “The Blair Witch Project” que se estrenó hace 17 años bajo el título de “Blair Witch”, regresando a buscar a la hermana de uno de los jóvenes que desaparecieron entonces. Las colinas de Maryland esconden el secreto que dio origen a “la leyenda de la bruja Blair”, basada en una historia de 1785 en torno a la vida de la anciana Elly Kedwsard. Se añaden tres documentales nacionales que solo se pueden ver en el cine Gaumont: “La fidelidad”, de Eduardo Yedlin y Walter Tejblum, quienes colaboran en forma directa con la creación del Parque Nacional la Fidelidad, zona de biodiversidad única en el mundo ubicada en el Chaco argentino. También se puede ver “Fascinación”, documental de Alex Jablonskis sobre la vida de don Luis, maestro de música de 90 años que vive rodeado de recuerdos y objetos valiosos adquiridos a lo largo de su vida. Debe empezar a venderlos para poder sobrevivir, pero no se decide, Finalmente “Hotel de la amistad” de Pablo Doudchitzky es un interesante relato autobiográfico de su vida en China junto a su familia. En 1963, su padre levantó a toda la familia y de Montevideo parasron a vivir en Pekín. Pablo regresa con uno de sus hermanos luego de 50 años, relatando en off el aprendizaje del idioma chino, y la generación de la “revolución cultural” que le tocó vivir en las tierras orientales.
GILDA, NO ME ARREPIENTO DE ESTE AMOR
Guión y dirección de Lorena Muñoz. Coguionista Tamara Viñes. Con Natalia Oreiro, Lautaro Delgado, Javier Drolas, Roly Serrano, Susana Pampín, Daniel Melingo, Daniel Valenzuela, Angela Torres, entre otros. Dirección musical de Guillermo Beresnak. Duración: 118 minutos.
MUY BUENA. GRAN BIOPIC DE UN ÍCONO POPULAR
A 20 años de la muerte de Gilda, ocurrida en un gravísimo accidente en el kilómetro 129 de la Ruta Nacional 12, camino a Chajarí (Entre Ríos), la documentalista Lorena Muñoz logró que el hijo Fabricio Cagnin de la tan especial bailantera aceptara la propuesta de llevar la vida de su madre al cine. Recordemos que, en ese accidente, fallecieron “Gilda”, su madre, su hija y tres músicos y que el entonces pequeño Fabricio fuese rescatado por uno de los músicos sobrevivientes. La preproducción le damondó a Muñoz y a Oreiro (fue uno de sus sueños artísticos desde siempre) cinco años de investigación y trabajo junto a un grupo de colaboradores.
A pesar de no ser una tarea fácil, estuvo cargada de emoción y de fidelidad histórica, partiendo de los bellos 28 años de “Gilda”, cuando decidió abandonar su tarea de maestra jardinera para cantar, su gran pasión, ser alguien conocido por sus propias canciones. Fue una férrea lucha contra la oposición de su madre y de su esposo, incluyendo el rechazo de la gente de la bailante por esa mujercita que invadía un lugar muy masculino o bien de mujeres voluptuosas. Myriam Alejandra Bianchi, de clase media, nacida en Villa Devoto, se convirtió en “Gilda”. Era muy delgada, de patitas flacas, menuda y romántica. Y logró con su peculiar estilo abrirse un camino meteórico en cuatro años hasta convertirse en una voz popular y exitosa con sus canciones donde tanto nombraba al corazón.
Una multitud increíble de fans la aceptó, la idolatró. Tanto que hasta se le atribuyeron poderes de curación de los que nunca hizo gala, aceptando la actitud de sus seguidores con inmensa ternura. Fue una cantante diferente dentro de la bailanta y su mundo, una suerte de cantante pop con el ritmo del cuarteto porteño.
Hay que señalar la lograda ambientación de Lorena Muñoz y su equipo, prometedora ópera prima de la realizadora que tiene una gran carrera como documentalista (“Yo no sé que me han hecho tus ojos” sobre la cantante Ada Falcón, “Los próximos pasados”, “Sucesos intervenidos”). No solo retrata la actuación frente al público de “Gilda” sino también la maraña socioeconómica detrás del escenario, adonde se sumergió sin temblarle el pulso. Por supuesto, no se puede disociar del éxito preanunciado del film a la notable presencia de Natalia Oreiro, tanto actoral como vocal, al estudiar los mínimos gestos y fraseos de “Gilda”. Y el diseño de arte merece un párrafo aparte, comprometido con la recreación de las giras de “Gilda” y el ambiente de los 90-
La película tiene todos los condimentos del éxito preanunciado. Es la biopic de uno de los grandes íconos de la canción popular argentina, que solo tuvo un año de su vida para demostrar quién era: entre sus 33 y 34 años. Encantó a multitudes con su menuda figura, sus canciones y su cálida voz. Escondió el dolor de la separación y fue una madraza con sus hijos. Entre el escenario y su vida privada, Lorena Muñoz apunta a varios hechos personales que condicionaron a “Gilda”, pero no entra en el terreno oscuro: la muerte trágica de la cantante, con la que comienza el film, es suficiente golpe del destino para quien recién podía disfrutar de lo que empezaba a conseguir: la felicidad apenas rozó a “Gilda”. Es un tributo y no una “trituración” de un ídolo popular, con zonas grises y la claridad y la luz de la actuación de Natalia Oreiro y la firma cámara de Lorena Muñoz. Un suceso asegura, merecido y de calidad.
Carlos Pierre
LE NOUVEAU
Guión y dirección de Rudi Rosenberg. Con Rephael Ghrenassia, Joshua Raccah, Geraldine Martineau, Guillaume Could-Roussel, ente otros. Edición de Julie Lena. Duración: 81 minutos.
MUY BUENA. APRENDIENDO A VIVIR
“Le nouveau” llega a nuestras salas con un interesante background de elogios. Fue la película que logró el Premio del Público en el BAFICI 2016 y también fue premiada en San Sebastián.
Rudi Rosenberg es un flamante director de este largometraje donde se observa frescura, solidez narrativa y emoci´´on, ésa que contagian los chicos de una escuela primaria que, como pueden, buscan insertarse en la comunidad escolar haciéndole frente a esa peculiar maldad de algunos o sinceridad brutal. El nuevo es “Benoit”, que tiene 13 años (el pequeño Rephael Ghrenassia), y sus padres acaban de mudarse a Paris. Ingresa a la escuela y solo encuentra burlas, desprecio y discriminación. En las primeras secuencias aparece la mesa familiar, sus padres y su hermano menor, que lo instan a atraer a los demás chicos con dulces, o buscar un medio para demostrarles que él es un buen chico, tan bueno como el resto.
La narración ingresa directamente en la vida de “Benoit”, en sus muchas tribulaciones, pero sin caer en dramatismos. El niño va viviendo, asimilando y superando situaciones poco agradables sin quedarse en ellas. Una caja de bombones, la invitación a su casa de los tres peores compañeros, las burlas de las chicas y la aparición de una niña sueca muy bella, que no sabe apreciarlo, conforman un presente complicado. “Benoit” irá creciendo con estas idas y vueltas, dispondrá de su casa y logrará formar su propio grupo de amigos, también rechazados.
Lo curioso del film es que la familia de “Benoit” desaparece de escena, apenas alguna mención del protagonista, teniendo los docentes una nula acción ante los destratos que observan en casa. Los chicos están solos frente a sus propias rutas de vida, sin más contención que la charla inicial y los ejemplos familiares. Seguramente Rudi Rosenberg observó la actividad de los padres actuales, ausentes por razones laborales, los niños quedando librados a su suerte aunque con algunos consejos básicos, reflejando los muchos “Benoit” que existen hoy en día. El pequeño Rephael Ghrenassia muestra una sabiduría actoral muy llamativa que le augura un gran futuro, si es que toma el camino de la escena. Una bella historia de chicos, bien tratada, que nos llega al corazón y nos deja pensando.
Elsa Bragato
EL INFILTRADO
De Brad Furman. Con Bryan Cranston, Juliet Aubrey, John Leguizamo, Diane Krueger, entre otros. Música de Chris Haijian. Duración. 127 minutos.
BUENA. LA ACTUACIÓN POR SOBRE EL GUIÓN
Bryan Cranston ha sido el “Breaking bad” que se las ingeniaba para fabricar drogas, logrando un éxito internacional como protagonista y por la serie. En “El infiltrado”, Cranston se pone en la vereda de enfrente, basándose en la vida real del agente de la DEA Robert Mazur quien, en 2009, lanzó el libro sobre los cinco años que vivió infiltrado en Colombia para desbaratar el blanqueo de dinero proveniente del cartel de Pablo Escobar. Cranston se transforma entonces en “Bob Musella”, alias que eligió el propio Mazur para su tarea, tomando los datos de un hombre fallecido que había tenido una vida parecida a la suya: contador, bancario, hasta llegar a la DEA en su caso. Con el apoyo de los servicios de inteligencia de su país, se infiltró en Colombia de manera muy lenta pero certera.
Si bien la película de Brad Furman transita por lugares comunes, ya vistos y muy conocidos, mantiene la suficiente adrenalina para atrapar al espectador y dejarse llevar especialmente por el trabajo de Bryan Cranston, con su peculiar tono de voz. Se adueña del personaje de manera muy personal por lo que la historia propuesta se vive a través de “Bob Musella” y no de Cranston, tal la notable simbiosis alcanzada.
La novedad del relato no está. Es una historia que tiene aristas diferentes de otras de espionaje pero cuyo transcurrir no dista mucho de los tantos films sobre el tema conocidos. Lo más que atractivo es justamente la actuación del protagonista que supera con creces cierta medianía narrativa.
Elsa Bragato