PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 20 de abril de 2017

DIEGO PERETTI, MARK WAHLBERG, DOCUMENTALES Y ANIMACIÓN, JUEVES 20 DE ABRIL DEL 2017



JUEVES 20 DE ABRIL DEL 2017.-
Menos películas que otros jueves, llegan siete estrenos a nuestros cines. Esto se debe al éxito de “Rápidos y furiosos VIII” y al de “La Bella y la Bestia”. Ambas han logrado, en escasos días, más de un millón de espectadores.
Entre los estrenos de este jueves está la película inglesa “La morgue”, de André Ovredal, que ubica el terror en un lugar poco común desde donde el miedo está de entrada. El cadáver de una joven llega hasta la funeraria donde un médico y su hijo, al que está iniciando en esta cuestión de “destripar” cadáveres, deben encontrar la razón de la muerte de la desconocida. En las morgues de las ciudades los muertos se quedan quietitos. Aquí, una morgue de ficción, el cadáver de la joven asusta ya desde la expresión de su rostro y generará un sinfín de sustos. Sin exageración, es un buen film para amantes del género.
“Chávez infinito” (XXXXX) es un documental sobre el ex presidente de Venezuela Hugo Chávez realizado por la directora argentina María Laura Vázquez, ganadora de varios premios. Conoció al comandante Chávez, a su hermano, a sus amistades, sintiéndose atraída por la avasalladora personalidad de quien fuera presidente de Venezuela. Con este documental, le rinde su personal homenaje.
“Anina” (XXXXX)es una animación realizada por Sebastián Santana en coproducción de Colombia y Uruguay, especialmente, en el 2013. Es la historia de una niña de diez años que se llama “Anina Yatay”, o sea sus nombres son palíndromos, se pueden leer de atrás para adelante y viceversa. Una pelea en el colegio la lleva a vivir una “oscura” penitencia. El dibujo es lineal, lográndose no un equilibro estético entre los colores y la animación que resultan más que agradables y atractivos para los niños y los adultos que los acompañan. Recorrió muchos festivales siendo aplaudida de pie por audiencias de adultos. Se trata de una historia blanca, un entretenimiento válido, simpático y querible.
“Lapsus” (XXXXX) es la ópera prima de Néstor Napolitano, quien también es el protagonista “Javier”, un hombre que tiene “lapsus” de memoria cayendo en extraños estados donde ve crímenes que, de alguna manera, se relacionan con él. La película tiene valor por el desarrollo del personaje principal. El resto tiene una factura muy modesta, aunque hay secuencias donde la fotografía evita la rutina narrativa. Tiene los pro y contra de toda ópera prima, sin pretensiones.
LA NOCHE QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE
Guion y dirección Inés París. Con Belén Rueda, Eduard Fernández, Diego Peretti, María Pujalte, Fele Martínez, Patricia Montero, entre otros. Música de Arnau Bataller. Duración: 93 minutos. España.
XXXXX- VODEVIL PARA PASAR EL RATO
De vasta experiencia como guionista y directora de cine y televisión, la española Inés París encontró el tema de esta comedia en una cena de Navidad. Cambió solamente la fecha del calendario, y dio rienda suelta a su imaginación para esta historia de vodevil con “puertas” risueñas, plagadas de enredos, humor negro y abundante ironía.
Solo son seis personajes en escena que incluye la presencia del actor argentino (así presentado) Diego Peretti. Estamos frente a un escenario estático, como si fuese un escenario, un teatro, que va oxigenándose a medida de que ocurren sucesos diversos, algunos gags muy logrados, otros no tanto. Lo positivo es que transcurre en una amplia mansión y eso da aire a la historia y al espectador. La estupenda Belén Rueda compone a una mujer – Isabel - que no quiere verse con años encima aunque los tenga y quiere volver a actuar. De perillas le viene la presencia de una directora amiga y la de un argentino que es actor. El elenco hace una buena performance aunque a uno le hubiese gustado un rol con más “pathos” para nuestro Peretti. Sin embargo, son estos seis intérpretes principales realmente magníficos los que llevan adelante la historia en la que se conjugan una desaforada lucha de sexos, infidelidades, y una situación que los desmadra.
Solo la mano firme y experimentada de la realizadora Inés París logra su cometido, es decir,  hacer reír, producir enredos, encuentros no deseados, velados reproches. Comedia ligera, de entrecasa, tiene una excelente puesta en escena y una muy buena dirección actoral que le permitió ganar en el festival de Málaga 2016 y obtener el Premio Feroz del mismo año. Para pasar un buen rato.
Carlos Pierre
FRANTZ
Guión y dirección Francois Ozon. Con Paula Beer, Pierre Niney, Ernst Stötzner, Marie Gruber, Johann von Bülow, Anton von Lucke, Cyrielle Clair, Alice de Lencquesaing, entre otros. Música de Philippe Rombi; duración: 113 minutos. Francia-Alemania. Hablada en Alemán y Francés.
XXXXX- EL REMORDIMIENTO DE UN INOCENTE
“Frantz” es la remake de la película estadounidense “Broken Lullaby” de l932, dirigida por Ernst Lubitsch y protagonizada por Nancy Carroll y Lionel Barrimore. Francois Ozon etoma aquella historia de postguerra, de culpa y perdón, de remordimiento y amor, en una narración diferente cargada de sutilezas y enmarcada en un riguroso blanco y negro para añadir el color solo en secuencias muy puntuales.
Francois Ozon realiza una narración de enorme sutileza dramática, haciendo recaer el peso protagónico en Paula Beer y su personaje de “Anne”, la novia que lleva flores a la tumba de su prometido muerto en guerra (Frantz). Es también una versión libre que realiza Ozón del film de Lubitsch, a su vez basado en la obra teatral “L’homme que j’ai tué”, de Maurice Rostand (1932).
En principio, hay una soberbia recreación de la Alemania y Francia en 1919, luego del armisticio celebrado entre los dos países, y en el que Francia salió triunfadora de la sangrienta guerra de trincheras, luego de la batalla en El Marne.
Pascal Marti (obtuvo Premio a la Mejor Fotografía en los César 2017) es el fotógrafo que realiza una obra de excepción, conmovedora, utilizando las luces y sombras del blanco y negro, con breves  pincelazos de color como apuntamos antes. Amerita recordar que este mismo procedimiento lo utilizó Francis Ford Coppola en “La ley de la calle”, asombrando entonces al espectador.
En casi dos horas, sobrevuela un peso dramático donde, en medio de sentimientos encontrados, aparece un romanticismo agrio y dulzón. La recorrida por lugares típicos de Europa añaden secuencias muy atractivas pero, al mismo tiempo, con subliminales mensajes: zonas de Alemania, de Francia, el Museo del Louvre y el cuadro “El suicidio”, de Edouard Manet, además de una interpretación de “Scheherazade”, de Nicolás Rimsky-Korsakov, en la Ópera de París, detalles narrativos no azarosos que juegan en la historia de los protagonistas.
Para Francois Ozón, esta historia ya contada tuvo dos pivots que él extrajo con suspicacia: “Anne” como eje de la historia y el título original del primer film, “Broken Lullaby”, algo así como el quiebre, la ruptura, de la canción de cuna, ese arrullo melódico, en este caso, que resuena en el alma del soldado francés Adrien (Pierre Niney) ante la tumba del soldado alemán Franzt (Anton Von Lucke). Adrien está cargado de culpa, de remordimientos, porque, un enfrentamiento no buscado por ellos terminó en la muerte de uno de los dos jóvenes. La sinrazón de la guerra, el dolor de los que quedan, la sutileza de enamoramientos que complejizan el drama de los que quedan, son solo algunos temas que, a partir de corrazones quebrados Ozón narra, para ir descubriendo ese secreto que une a estos tres seres como vector irreductible de una historia que bien pudo ser otra.
Aún con cierto convencionalismo, la historia resurge a cada instante porque cada personaje lleva su carga de dolor, de mentiras piadosas, la necesidad del perdón y la misericordia, en una denuncia implacable a los gobiernos que han hecho de la guerra, de la matanza de sus propios hijos, un bastión de poder, de sujeción, de piratería de vidas humanas, en actos salvajes e impiadosos.  El objetivo de Ozon está cumplido: aún con romanticismo y alguno que otro clishé, conmueve.
Carlos Pierre
DÍA DEL ATENTADO
Dirección y guión Peter Berg. Con Mark Wahlberg, Devin Bacon, John Goodman, J.K. Simmons, Michelle Monaghan, entre otros. Música de Trent Reznor y Atticus Ross. Duración: 130 minutos.
XXXXX- IMPACTANTE RECREACIÓN DEL ATENTADO EN BOSTON
Peter Berg, reconocido por su actividad documentalista así como por películas como “Deepwater Horizon” y “Lone Survivor”, rinde homenaje a las víctimas del atentado durante el Boston Marathon, ocurrido en abril del 2013. El centro de la conservadora ciudad, miles de personas se reunieron para el evento deportivo más célebre y antiguo de los Estados Unidos. Varios desafíos enfrentó el avezado director: desde el tributo a las víctimas, hasta la resolución de las secuencias de los terribles hechos de la manera más verosímil, y, en esto, evitar la caída en lo gore o aparatoso solo por buscar más taquilla. De allí que se valora su rigurosidad narrativa y bien documentada de este atentado terrorista que dejó 3 muertos y 260 brutalmente heridas y hasta mutiladas.
El film alterna escenas recreadas con las filmaciones reales de ese día que registraron las cámaras de seguridad impregnando el relato de tal contundencia que hace sentir el intenso drama vivido. La policía local y el FBI concurrieron en forma inmediata a buscar a los terroristas que fueron dos, residentes de esa ciudad, uno caucásico y el otro de origen árabe, con tres encubridores. Armaron bombas caseras y las ubicaron en el suelo por lo que la explosión causó aún más daño físico, brutal y sangriento. Un detalle, de los tantos que tuvo en cuenta Berg, es la sobreimpresión de la fecha y hora del luctuoso hecho por lo que el espectador puede saber que recién al quinto día de búsqueda las autoridades pudieron atrapar a los terroristas.
Mark Wahlberg compone a un policía nativo de Boston quien, como conocedor al dedillo de los rincones de la ciudad, es el eje del relato. Wahlberg es el actor “fetiche” de Berg, protagonista de varios de sus films más reconocidos. En este rol, debe acompañar a los agentes usando hasta el chaleco color limón para salvaguardar el lugar de los hechos.
El equipo que protagoniza al FBI está encabezado por Kevin Bacon, otro de los actores renombrados de Hollywood. Ambos equipos de investigadores, los locales y el federal, tienen a su alcance tecnología de punta y equipamientos sofisticados que permiten trabajar con rapidez y eficiencia. Las persecuciones, los enfrentamientos, tienen una coreografía precisa, que resulta vital, fuerte, enérgica, para la narración. La cacería de los terroristas está descripta de manera puntillosa, lográndose un clima de thriller intenso, sin que se pierda jamás el sentido de la recreación de un hecho dramático para la Humanidad, es decir, sin transformarlo en una parafernalia hollywoodense.
Por sobre toda la narración, está la reivindicación de la unión y el orgullo de los bostonianos por su ciudad, tan especial y diferente a muchas otras de los Estados Unidos, con sus centros universitarios y sus escuelas de música. El film atrapa porque los acontecimientos se suceden con vitalidad, las secuencias tienen perfección cinematográfica, logrados por una cámara segura y una rigurosa preproducción. No deje de verla.
Carlos Pierre


jueves, 13 de abril de 2017

"EL PORVENIR", "UN JEFE EN PAÑALES", "RÁPIDOS Y FURIOSOS 8", ESTRENOS DE CINE JUEVES 13 DE ABRIL DEL 2017



JUEVES 13 DE ABRIL DEL 2017.-
Varios estrenos entre los que hay diversas propuestas nacionales: “Amor de ultratumba” es un film de terror de Ernesto Aguilar. Un joven se enamora de una bella muchacha descubriendo que tiene un altar con las fotos de sus ex. ¿Tendrá él el mismo fin= El amor puede más. Le sigue “Mi último fracaso”, documental de la joven coreana Cecilia Kang que presentó en el BAFICI 2016. En este caso, analiza su integración a una cultura muy diferente, la relación con sus nuevas amigas, y cómo tantas diferentes vivencias se van sumando en su espíritu y su mente. También está “Bienaventurados los mansos”, de Patricio Escobar, documental que informa sobre la relación entre la Iglesia Católica nacional y el Estado, basada en reglamentaciones surgidas durante la última dictadura militar. La francesa “Todo para ser felices” de Cyril Gelblat, nos ofrece una tierna y dura mirada sobre un joven recién separado que debe hacerse cargo de sus dos hijos pequeños. Nunca antes se había preocupado por esta relación padre-hijo, dejando al cuidado de su esposa el hogar y los críos. Sin ser la mejor película sobre un tema bastante transitado, resulta una comedia ágil, llevadera y costumbrista.
RÁPIDOS Y FURIOSOS 8
De F. Gary Gray. Con Vin Diesel, Dwayne Johnson, Jason Statham, Charlize Theron, Kurt Russell, Elsa Pataky, entre otros. Música de Brian Tyler. Fotografía de Stephen F. Windon. Duración: 136 minutos.
XXXXX- ENTRE EL CRIMEN Y EL BIEN
Y sí. Es imposible no repetir los clishés de las siete películas anteriores, las persecuciones, los tiros, la búsqueda de un sospechoso de todo mal y que Vin Diesel y “La Roca” Johnson, junto al más que efectivo Jason Statham, no demuestren que tienen músculos además de sentimientos.
La ausencia de Paul Walker desde la película número 7 transformó la vida de este grupo que, por momentos, tiene calma y vida normal y. en otros, desata su furia criminal. Entre el bien y el mal los muchachos demuestran que conocen bien el oficio y que tienen un entrenamiento muy eficiente a pesar de que muchos vienen “corriendo” y saltando desde hace varios años en sus películas.
En este caso, se agrega la bella Charlize Theron como esa mujer fatal que enamora a un tranquilo Vin Diesel, llevándolo por un camino nada deseable para el grupo. La calma se quiebra y tendremos una recorrida por New York, Cuba, el océano Artico, bellezas naturales diferentes, que aportan energía a una narración previsible. Theron está absolutamente desaprovechada mientras que Vin Diesel, ante la ausencia eterna ya de Paul Walker, cobra un protagonismo excesivo que desnivela la narración con escenas que pudieron dejarse de lado. Su traición a la familia es la causa de este desbarajuste de acciones y contraacciones.
En cuanto a efectos especiales, nada hay que decir. Están todos, y el film se transforma en un entretenimiento adrenalínico que no tiene más objetivo que el planteado. Ningún subtema que nos haga pensar, ni entretelones que nos hagan suspirar. Romance hay, como también la furia muscular de los máximos exponentes que protagonizan esta saga, dirigida por primera vez por F. Gary Gray, anunciándose ya tres películas más. Recién en el Rápido y Furioso 10 se terminará la historia que, en cada film, renace con un espíritu que no puede dejar de ser siempre el mismo. Pero espíritu tiene…
No hay mucho más para analizar, es una película para descargar las furias semanales comiendo pochoclos en una sala bien acondicionada. Divierte, no presume de intelectualidad alguna y se compromete menos con los postulados de los primeros cinco films. En esto está su mayor pecado.
Elsa Bragato
UN JEFE EN PAÑALES
De Tom McGrath. Música de Hans Zimmer y Steve Mazzaro. Animación en 3-D. Duración: 97 minutos. DreamWorks Animation Films.
XXXXX-UN BEBÉ MUY COMPLICADO
En verdad, “Un jefe en pañales” tiene una buena idea pero se mete en berenjenales que hace dudar si esta animación es realmente para los niños o bien puede estar dirigida a un público preadolescente.
Un bebé que nace en la “Baby Corp” se muestra diferente a los demás y es enviado a la gerencia de esta “corporación virtual” a la que se accede chupando fuertemente un chupete, desde donde es enviado a una familia que sueña con otro hijo. En ese hogar vive Tim, de 7 años, que no puede creer no ser ya el centro del amor de sus padres. Vestido de traje y corbata, este bebé tiene voz de hombre y organiza reuniones con otros bebés de padres amigos de la familia donde se instaló para impedir que surja un nuevo perrito en Las Vegas dado que estos animalitos están desplazando a los bebés en el amor de los padres.
La complejidad narrativa surge a la hora cuando los personajes deben viajar a Las Vegas. De la pelea entre dos hermanos por conquistar el amor de los padres pasamos a un policial exagerado y hasta cruel: el jefe del evento encierra a los padres de Tim con voluntad de matarlos. Demasiado para los chicos! Así como resulta dificultoso comprender que ese anciano empresario fue alguna vez un bebé de la “baby corp”. Aquí el mensaje es nefasto: ojo con los ancianos.
Es decir, la animación tiene muchos condimentos a favor: al comienzo es un buen relato de cómo los padres deben demostrar su afecto por igual a los hijos que tienen, y cómo los hermanos deben tratar de superar los celos que un nuevo integrante familiar les produce. Luego pasamos a un policial vertiginoso que cae en situaciones demasiado complejas. Es “hasta ahí” recomendable, aunque la realización sea excelente. La música de Hans Zimmer es sencillamente una obra maestra de orquestación mientras quel a canción “Lo que el mundo necesita es amor” fue escrita hace 50 años por el compositor Burt Bacharach y, entre una de sus difusoras, estuvo Dionne Worwick.
Elsa Bragato
EL PORVENIR
Dirección y guion de Mia Hansen-Love. Con Isabelle Huppert, André Marcon, Roman Kolinka, Edith Scob, Sarah Le Picard, entre otros. Duración 102 minutos. Coproducciòn de Francia-Alemania. Hablado en francés, alemán e inglés.
XXXXX- BUSCANDO LA VIDA PROPIA
El quinto film de la realizadora francesa Mia Hansen-Love tiene ese fuerte acento galo que hace gala de diálogos abundantes, precisos e intelectuales. En este caso, enriquece el texto con citas de Pascal, Rousseaux, Schopenhauer, entre otros filósofos, literatos y políticos. No es ocioso sino que responde a la profesión del matrimonio protagonista: son profesores de filosofía.
La inmensa actriz Isabelle Huppert protagoniza a Nathalie, en un rol diferente a los que hemos visto en los últimos tiempos. Carga con el peso de todo el film, componiendo a una esposa que enfrenta la adversidad de quedarse sola y nunca supo qué era la libertad de la elección cotidiana. Para eso estaba su marido, Henz (André Marcon), quien la abandona por una joven sin mayores vueltas. En el medio, están los dos hijos.
El film plantea con gran adultez la conmoción interior de Nathalie, que enfrenta un mundo desconocido: es ella ahora quien decide qué debe hacer, cómo enfrentar diferentes adversidades profesionales y personales. Incluso el cuidado de su madre. En la mitad de su vida surge la zozobra, con el paliativo de un joven alumno que pondera su actividad profesional. No hay romances sino esa suerte de dulce compensación que da la vida ante el amargor de circunstancias inesperadas. Esta Huppert está muy lejos de “Elle”, de reciente estreno, donde interpretó a una inescrupulosa mujer. Nathalie es un desafío actoral para la gran actriz. Contenida, sufrida, sin explosiones melodramáticas, el desmoronamiento interior le da fuerzas para reconstruir la vida cuando no hay otra chance que ésa. Y ese joven alumno, Fabien, le tiende la mano salvadora incluyéndola en una comunidad donde Nathalie aprenderá a convivir consigo misma. Sin estridencias, arma su propio camino de vida, enriquecida por la llegada de nietos y de una paz interior.
La historia es fantásticamente humana, nos plantea la necesidad de la existencia propia sin muletos, la elección del día a día con o sin amor, la existencia de uno mismo sin subterfugios. El guion se encarga de que cada secuencia sea un escalón más hacia el objetivo de la protagonista, sin altibajos, con perseverancia. Estos sentimientos afloran en el distante rostro de Isabelle Huppert que, sin embargo, dota a su Nathalie de enorme fuerza interior. No en vano, la película y su actuación han sido premiadas en varios festivales del año pasado.
Carlos Pierre                                                                                                                                                                                                                                                                                               



EL FARO DE LAS ORCAS
De Gerardo Olivares. Con Joaquín Furriel, Maribel Verdú, Quinchu Rapalini, entre otros. Música de Pascal Gaigne. Duración: 110 minutos. Argentina-España.
XXXXX- LECCIÓN DE VIDA
El realizador Gerardo Olivares recorrió el mundo rodando documentales, antes de filmar ficciones exitosas. Entre los productores de esta película está Luis Puenzo quien, cuando preparaba el rodaje de “La puta y la ballena”, conoció a Roberto Bubas, guardafauna de Punta Norte. Así se enteró de la historia real de una mujer  que lo visitó con su hijo que sufría el síndrome de Asperger (autismo). El pequeño se sentía atraído por las orcas del Atlántico Sur, viendo documentales en la televisión. Su mamá pensó que, tal vez, era positivo traerlo hasta estas tierras para mejorar su situación y hasta encontrar el milagro de su sanación. Roberto Bubas, que convivió 10 años con las orcas, retrató el caso que le tocó en suerte vivir en el libro “Agustín corazón abierto”, que ya es una leyenda internacional.
 “El Faro de las Orcas” está inspirado en hechos ocurridos en Península Valdés, provincia de Chubut, y nadie mejor que el realizador Gerardo Olivares, vasto documentalista, para dirigir este film protagonizado por Joaquín Furriel como el guardafauna Beto, la española Maribel Verdú como la madre, y Quinchu Rapalini, el pequeño con autismo. Nunca mejor trío protagónico.
Joaquín Furriel ofrece otra fantástica actuación, opuesta a otros roles cinematográficos y televisivos, como ese guardafauna que cabalga a puro pelo su hermoso caballo blanco, y vive intensamente el caso de Agustín, ayudándolo con su experiencia con las orcas. De la misma manera hay que calificar a Maribel Verdú  y detenernos en Quinchu Rapalini, quien encarna a “Tristán”, realmente una joya de actuación más que prometedora. Emocionante performance.
Sin lugar a dudas, esta biopic es diferente, enmarcada en el paisaje panorámico de Chubut, el profundo horizonte del verde Atlántico y esas personas no humanas monumentales que son las orcas, a mitad de camino entre los delfines y las ballenas. Ennoblece al cine nacional tanto el tema como el respeto a la fauna de nuestro territorio, deja el mensaje de la curación posible, factible, con la ayuda de seres que no hablan pero que sienten, y remarca el respeto por el otro, pequeño o adulto, habitante del mar o de la tierra.  La empatía es inmediata: el espectador siente que la historia en sí, y esta narración que nos la cuenta, tocan el corazón de forma inmediata. Como frutilla del postre está la música incidental que interpretó la Orquesta Sinfónica de Bratislava, elegida por el director Olivares. Aciertos en el elenco, en la forma de encarar la fotografía, en la historia en sí. No se la pierda.
Carlos Pierre