PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 23 de noviembre de 2017

LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS, SUBURBICON, MAREA HUMANA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 23 DE NOVIEMBRE DEL 2017



JUEVES 23 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-
Once películas se estrenan este jueves, varias nacionales sin difusión. Veamos:
La noche más fría, de Cristian Tapia Marchiori, con Juan Palomino en el protagónico del linyera Carlos, fue rodada en Pergamino. Narra la historia de un linyera que fuera combatiente en la Guerra de Malvinas, quien trata de sobrevivir a la noche más fría del año. Está referido a este período posterior a la conflagración angloargentina en el que los veteranos de guerra no eran reconocidos por el Estado.
La fraternidad del desierto, documental de Iair Kon, sobre la congregación Hermanitos de Jesús que, en los 60, se había radicado especialmente en La Rioja. Fueron los antecesores de la Teología de la liberación y debatían si entrar en la lucha o abstenerse en épocas de dictaduras. La creación de la orden se debe a René Voillaume quien puso en práctica el legado socioreligioso de Charles Foucauld, místico que dio origen a la “espiritualidad del desierto”. Esta congregación trabajó entre 1959 y 1977 especialmente.
El mensaje de la luz, de Javier Garriga. Es una historia semifantástica y espiritual sobre un artista que no consigue suficiente dinero con su arte mientras su padre, también pintor, padece Alzheimer. En su balcón recupera plantas que encuentra y empieza a descubrir otros pequeños mundos reales. Esta búsqueda ocasional le permitirá salvarse en el mundo real.
Bad Cat, de Mehmet Kurtulus, animación de origen turco basada en un cómic. “Bad Cat” es el alter ego de “Garfield”. Lejos de “El Sultán” o “Mesdezir”, es un gato maleducado, sin sofisticación alguna. La animación no es apta para menores.
Desaparecido, de Luis Prieto, con Halle Berry.
“(…) Un viaje algo ridículo pero estimulante”, afirma el crítico Alonso Duralde, The Wrap.

SUBURBICON
De George Clooney, guion de Ethan Coen, Joel Coen, George Clooney y Grant Heslov. Con Matt Damon, Julianne Moore, Oscar Isaac, Glenn Fleshler, Noah Jupe, Michael D. Cohen, entre otros. Música de Alexandre Desplat, Duración: 105 minutos.
XXX-THRILLER SOBRE LA HIPOCRESIA SOCIAL
Fábula norteamericana sobre un idílico barrio ambientado en los años 50, alejado de las grandes ciudades, cuyos habitantes mantienen a rajatabla los usos y costumbres de la raza blanca. Disfrutan de sus creencias, y no desean interferencias. Hasta que un matrimonio afroamericano se va a vivir a una de las casas. Comienza entonces otra historia, paralela al thriller que se vivirá: el hostigamiento verbal y gestual, el “apartheid” al que es sometido, empalizadas que rodean a la pareja de color, violencia creciente hasta llegar a un incendio.
La historia pergeñada por los Coen en 1986 y retomada por George Clooney tiene el tono de amable comedia que deviene en una oscura trama, en thriller noir: el matrimonio encarnado por Matt Damon y Julianne Moore, un pequeño hijo y la cuñada del jefe del hogar, gente de buenos modales, es asaltada por dos delincuentes que comenzarán a extorsionar a la familia. El “suburbicon” inicial da paso a una realidad desconocida, es un cambio absoluto que hace virar la historia hacia el policial extremo con chantajes, venganzas y traiciones, males insospechados en este paraíso profundamente hipócrita y segregacionista.
Se destaca la fidelidad en el diseño de arte al estilo de los 50, la actuación soberbia de Matt Damon, alejado de la acción, así como Julianne Moore, que vuelve a sorprender una vez más por su versatilidad. La banda sonora está compuesta por el notable maestro Alexandre Desplat e interpretada por la impecable Filarmónica de Londres.
El sello de los Coen está asi como la mano de George Clooney. El resultado es un film pretensioso, pulcramente realizado con sorprendentes virajes narrativos y cierta división entre la historia central del asalto y sus consecuencias y el desprecio a la raza negra, tema reincidente en la sociedad norteamericana.
Carlos Pierre
MAREA HUMANA (HUMAN FLOW)
De Ai Weiwei. Documental, USA. Música de Karsten Fundal. Duración: 140 minutos.
XXXX- LA NECESIDAD DE SOBREVIVIR
El afamado artista chino Ai Weiwei (actualmente con una exposición en la Fundacion Proa de Buenos Aires) realizó una obra épica con este documental que le demandó recorrer no menos de 23 países con su equipo de filmación. Plástico contemporáneo, arquitecto, erudito, radicado en Berlín luego de enfrentar la cárcel por su oposición al gobierno de China, trae su sentido humanístico profundo en cada secuencia, retratando a más de 65 millones de personas obligadas a abandonar sus hogares para escapar al hambre y la muerte. Para Weiwei, hay dos pivots: el cambio climático y la guerra, fundamentos de este desmesurado desplazamiento poblacional.
Ai Weiwei aparece por momentos en medio de la gigantesca marea humana que camina hasta quedar exhausta o se recluye en hacinados y precarios campamentos bajo el frío y la lluvia. La cámara está presente en la sufriente África, en Israel y Palestina, en las aguas del Mediterráneo, y en la desesperada búsqueda de millones de seres humanos de un lugar donde recalar: Francia, Italia, Alemania, retenciones en las fronteras o infranqueables murallas de alambres con púas. Son sombras errantes que, aún en la crudeza de la extrema pobreza y del hambre, fueron filmadas con dignidad, desde drones, por ejemplo. Secuencias con tono paisajístico que hablan del artista Weiwei y su sensibilidad: mareas humanas en lugar de mareas oceánicas.
La piadosa mirada del realizador se infiere, se siente, a través de la narración que utiliza diferentes tomas, desde las cortas sobre algún juguete hasta las zenitales, donde las personas son solo puntos.
Más allá de estremecer, Weiwei construye un manifiesto político con una elocuente visión de las miserias humanas: esa marea humana se desplaza como un tour atormentado, una fatalidad irredenta, un clamor por la vida misma. Si bien es un documental extenso, la marea humana que se desplaza como nunca antes es una realidad ineludible.
                                                                    Carlos Pierre
LA VILLANA
Guion y dirección de Jung Byung-Gil. Con Kim Ok-Bin, Shin Ha-Kyun, Kim Seo-Hyung, entre otros. Música de Koo Ja-Wan. Duración: 143 minutos.   Corea del Sur.
XXXX-MÁS ACCIÓN QUE GUION
“La villana” hace honor a su título en castellano. Es un thriller de venganza, violento y sangriento, coreografiado con secuencias de extrema acción. Bien se podría decir que es una característica del cine surcoreano, aunque tiene obras de maravillosa poesía como “Camino a casa”, de Lee Jeong-hyang. Deja perplejo la portentosa metralla de armas de fuego y acero, además de tácticas marciales que transforman el guion en acción virulenta.
A esta acción desenfrenada, bien lograda y puntal indiscutido del film, se le contrapone un guion bastante transitado así como embarullado y, por momentos, incomprensible.
Nuestra heroína-villana (la estupenda Kim Ok-Bin) desde la más remota infancia ha sido entrenada para convertirse en una asesina impiadosa. La jefa del servicio de información de Corea del Sur la recluta, la tiene cautiva y le ofrece una oportunidad: diez años de su vida y luego la libertad. Al mismo tiempo, tiene la fachada de una actriz de teatro. Bajo la apariencia de una vida normal deberá desentrañar los secretos de su pasado, dos hombres distintos que la atormentan y confunden.
El guion es lo de menos, es un pretexto para realizar un film vertiginoso, que comienza con brutal acción y cámara subjetiva para darle más verosimilitud. A quienes les guste la acción porque sí, ésta es la película. No busquen razones porque no las encontrarán. Brilla Kim Ok-Bin en el papel de la villana, que le permite navegar por la acción y la violencia más contundentes.
                                                                       Carlos Pierre
SOY TU KARMA
De Who. Guion de Gustavo Cormillon. Con Willy Toledo, Ana María Orozco, Florencia Peña, Liz Solari, Boy Olmi, Silvia Pérez, Leonora Balcarce, Luisa Kuliok, Emilio Disi, Ariel Núñez, entre otros. Música,   Pablo Sala. Duración, 80 minutos.
XXX-COMEDIA ENREDADA PERO EFICAZ
El realizador WHO es un afamado director de publicidad que desarrolló proyectos en Europa, América, África y Asia y, en éste, su primer largometraje, reunió una pléyade de actores basándose en un guion osado de Gustavo Cormillon. Si bien están presentes las inocencias de una ópera prima, bien se puede afirmar que Who sale indemne.
Darío (el español Willy Toledo) en el día de su compromiso con Melisa (Leonora Balcarce) se despierta al lado de una mujer que no conoce. Será una trampa, una broma, una estafa. Pero esta desconocida (Ana María Orozco) no será la única aparecida, habrá una monja con arrebatos sexuales (Liz Solari), un hombre con un lenguaje extraño (Ariel Núñez), otra aparecida (Florencia Peña), y hasta un aviador (Emilio Disi), entre otros. Llegarán sus futuros suegros (Boy Olmi y Silvia Pérez) con su prometida del aeropuerto, y Darío se desespera porque quiere alejar a estos seres que solo él ve. Así comienza un calvario plagado de sobresaltos que tienen como aditamento la mirada indiscreta de una vecina (Luisa Kuliok).
La idea es muy buena. Pero se enmaraña y no queda bien en claro qué persigue. Nos atrevemos a hablar, entonces, basándonos en el título, que el “karma” de Darío tiene una directa filiación con la filosofía presocrática (y la oriental). Hay una directa relación con el filósofo Empédocles de Agrigento quien afirmó: “Yo he sido en otro tiempo muchacho y muchacha, arbusto y un ave, y un pez mudo en el mar”.
La película de Cormillon es osada: plantea, de manera oculta y en tono de comedia, que la existencia no se reduce a una vida sino que presupone la existencia de otras vidas anteriores y futuras. Aún con vaivenes narrativos por causas del guion, Who promete mucho teniendo excelencia en el manejo de la cámara.
                                                                    Carlos Pierre
LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS
De Samuel Benchetrit. Con Isabelle Huppert, Gustave Keryern, Michael Pitt, Valeria Bruni Tedeschi, Jules Benchetrit, Tassadit Mandi. Guion de Samuel Banchetrit y Gabor Rassov. Música de Raphael. Fotografía de Pierre Aim. Duración: 100 minutos.
XXXX-CARICIAS QUE HACEN FALTA
Tres parejas, enamoramiento, amistad, tratadas con surrealismo y una mirada existencialista perspicaz, son los elementos que toma Samuel Benchetrit para regalar una comedia que mantiene equilibrio entre el melodrama y la realidad. Un vecino (Gustave Kervern), quejoso y tacaño se enamora de una enfermera; una alocada actriz (Isabelle Huppert) encuentra en un joven vecino (Jules Benchetrit) un aliciente para presentarse en un casting, y un astronauta norteamericano (Michael Pitt) cae desde el cosmos en el departamento de una anciana argelina (Tassadit Mandi) cuyo hijo está preso.
La desgracia de estos tres seres generan situaciones entre hilarantes y conmovedoras. A medida que avanza la narración, Benchetrit plantea la ironía que subyace en la vida cotidiana, aún en los hechos más comunes. Entre la poesía y el toque surrealista, se muestra la necesidad de afecto de los vecinos de un destartalado condominio, esos “corazones rotos” que no se muestran como tales y que, sin embargo, están clamando por una caricia al alma. Hay momentos sublimes como el encuentro final del vecino huraño que hará un tortuoso camino sin su silla de ruedas para llegar hasta la enfermera. O los diálogos entre inglés y francés del rubio astronauta con la argelina a quien la NASA le encomienda que lo cuide en situaciones insólitas así como el recitado de un texto teatral por Huppert ante la cámara de su joven vecino quien espera ser adoptado. Todo es real: existen astronautas, argelinas, presos, actrices en decadencia, hombres en sillas de ruedas y enfermeras que salen a fumar de madrugada. Está entonces la enorme capacidad de un director para ensamblar a estos seres humanos en una historia que, en alguna medida, representa los sentimientos de todos: la necesidad del afecto, de la caricia, de la palabra justa cuando el alma está quebrada y hay que seguir sonriendo. Lo patético como parte de la vida misma. Nada más cierto. Además Samuel Benchedrit rindió homenaje a su vida en un suburbio parisino donde pasó su infancia.
PD: hay varios films que tratan la vida en condominios, y hasta un comic español, “13, Rue del Percebe”, del español Francisco Ibánez, cuya primera edición fue en 1961. Algunos críticos internacionales han considerado que este film de Benchecrit está basado en el mismo.
Elsa Bragato
VICTORIA Y ABDUL
De Stephen Frears. Con Judi Dench, Ali Fazal, Eddie Izzard, ]Olivia Williams, Robin Soans, Johnathan Harden, Paul Higgins, Michael Gambon, entre otros. Fotografía de Danny Cohen, Música de Thomas Newman. Duración: 112 minutos.
XXX-LA MONARCA AMIGABLE
Nadie mejor que la enorme Judi Dench para encarnar a la Reina Victoria del Reino Unido en sus últimos 15 años de reinado. El estilo “british” era fundamental y Judi Dench encarna a la inglesa de más pura estirpe. En este caso, se relata la amistad de la anciana monarca (63 años al frente del Reino Unido) que tuvo con su siervo Abdul Karim, uno de los dos siervos que tomó de la entonces colonia británica India. Fueron llamados “los munshi”. Abdul fue la compañía de la reina en todos los momentos, protocolares o no. Años antes, luego de que quedara viuda, se le había adjudicado un romance con el siervo escocés John Brown. En este caso, Abdul fue un hijo más, el décimo, dado que Victoria tuvo 9 con su primo, Alberto de Sajonia, Coburgo y Gotha. Heredera del trono a los 18 años, al quedar viuda se recluyó durante mucho tiempo. Hubo rebeliones, idas y venidas políticas, varios intentos de asesinatos, hasta que se llegó al Jubileo de la reina quien ordenó traer dos indios musulmanes como siervos. Uno de ellos fue Abdul, muerto ya John Brown. Hasta el último día de vida de Victoria, Abdul estuvo a su lado. Luego se retiró a las tierras que la reina le había donado en su país viviendo de una pensión.
El retrato de época está logrado, pero el film histórico no sale de una medianía aunque la narración tenga pinceladas sutiles y, por momentos, subyugantes. El esplendor de una monarquía, la discreción y los rumores de palacios pintan perfectamente los últimos años de vida de una de las monarcas que más tiempo estuvo al frente de un reino, siendo la primera su tataranieta la Reina Isabel II. La historia es fascinante en sí misma, aunque haya quedado subordinada a las coordenadas de tiempo y espacio que el cine pudo dar. Para nostálgicos y para quienes admiren a la gran Judi Dench.
Elsa Bragato


jueves, 16 de noviembre de 2017

BEPO, THE SQUARE, LA LIGA DE LA JUSTICIA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 16 DE NOVIEMBRE DEL 2017



JUEVES 16 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-
Hay varios estrenos interesantes sin ser un montón (se esperan para la semana que viene).
Cauce, de Agustín Falco. Con Alberto Ajaka, Luis Machín, Juan Nemirovsky, Martín Slipak. Primer largometraje de Falco, reconocido docente y realizador de audiovisuales. Cuenta la vida de un padre de familia que pierde el trabajo en una ola de despidos y acepta el menos recomendable: la venta de drogas, un secreto que no puedo compartir con su familia.
Bienvenido a Alemania, de Simon Verhoeven. Con Senta Berger, Palina Rojinski, entre otros. El tema de los refugiados es el eje de esta historia. Una familia afincada en Munich recibe al nigeriano Diallo. A partir de este hecho, Verhoeven traza un retrato de la sociedad alemana y los conflictos que vive para aceptar a los “nuevos”, o sea la hipocresía de ser “buenos” por tratar de serlo. Recordemos que Alemania tiene muchísimos ciudadanos turcos por la proximidad de las fronteras, existiendo casamientos entre ambas nacionalidades, a pesar de los conflictos sociales generados y que no se han resuelto aún.
Eva, de Ricardo Von Muhlenbrock, documental sobre la preparación de la puesta en escena de la obra teatral homónima del escritor y periodista Vicente Zito Lema. Toma como “pivot” la figura de Eva Perón para demostrar que el rencor nos ha dañado irremediablemente. Se ofrece en el cine Gaumont y fue presentada en General Roca.
“BEPO”
De Marcelo Gálvez. Con Edgardo Desimone, Luciano Gugliemino, entre otros. Música de Juan Falú. Duración: 72 minutos.
XXXXX-EL “CROTO” MÁS FAMOSO
Con excelente manejo narrativo, Marcelo Gálvez nos relata la vida de Bepo, basado en el libro “Bepo, vida secreta de un linyera”, de Hugo Nario, hombre prominente de la ciudad de Tandil (croto es un argentinismo. Proviene del apellido “Crotto”, reconocido Radical, quien permitió que los linyeras subieran a los trenes de carga para trasladarse). Los paisajes son los mejores telones de fondo para este hombre, llamado “José Américo Ghezzi” quien, en 1935, recorría el país como podía. La década es importante: aunque fuese por reflejar la realidad escrita por Nario, tiene que ver con nuestra historia y la inmigración, los rechazos de los gauchos a los gringos, y la vida sin futuro, sin trabajo ni techo. Viviendo de la caridad y durmiendo bajo las estrellas.
La actuación de Luciano Gugliemino conmueve por su impasible mirada hacia algún lugar, y retrata fielmente el sentimiento de los sin techo: la nada como forma de vida por segregación o por elección.  En esa década, tener trabajo y un lugar donde pasar la noche era la principal búsqueda. Las diferencias sociales estaban muy marcadas, algo que no desapareció y que sobreviven a los sistemas dictatoriales y democráticos. Por aquel entonces, la llegada de los europeos con ideas políticas revolucionarias –el anarquismo- conmovió a la sociedad argentina, especialmente a la masa trabajadora. Los crotos fueron tan comunes como ahora: no había leyes que ampararan al trabajador (“I compagni”, de Monicelli, si bien enfoca los comienzos del siglo XX, es un buen ejemplo).
Los personajes que se le cruzan en su andar a Bepo son circunstanciales, como el paso de él mismo por cada lugar. Filmada en 12 locaciones de la provincia de Buenos Aires, Marcelo Gálvez logra una historia diferente, atractiva, precisa, y obliga a pensar en el sufrimiento no dicho de los sin techo, los de entonces y los de actuales. “Bepo” dice mucho más que lo que nos muestra y habla.
Elsa Bragato
A LA GUERRA POR AMOR
Guión, protagónico y dirección de Pierfrancesco Diliberto (PIF). Con Pif, Miriam Leone, Andrea Di Stefano, Maximo Bologna, entre otros. Música de Santi Pulvirenti. Duración: 99 minutos.
XXXXX- TRAGICOMEDIA A LO “TANO”
El amor de Arturo, que vive en New York, por Flora supera los límites de lo razonable. Ambos se aman pero no pueden casarse. Un pacto del futuro suegro complica con la mafia el amor de la pareja. Arturo decide enrolarse para viajar a Sicilia y solucionar el conflicto. La historia se ubica en 1943, plena segunda guerra mundial. Pierfrancesco Diliberto, o PIF, escribió el guion, lo dirigió y protagonizó en este film donde ensaya un humor a lo Lando Buzzanca (buen amigo de la Argentina) con el pintoresquismo de la simpatía italiana.
Es una tierna historia de amor que mezcla a la mafia y al desembarco de las tropas norteamericanas en Sicilia. Una alianza secreta de la mafia que, en USA, lideraba “Lucky” Luciano, con el gobierno de los Estados Unidos mantuvo a raya a los habitantes y los mafiosos que aún subsistían luego de la razzia organizada por Mussolini. Tienen gran valor el diseño de arte y de producción en general por la reconstrucción histórica, que choca con la comicidad de PIF, insulta y fuera de “tempo”. Es que la caricatura resulta forzada frente a la tragedia de la guerra como fuerte telón de fondo. Hay secuencias loables pero PIF no logra la altura de un Roberto Begnini.
Entre los momentos insólitos está el “desembarco” de Arturo desde un helicóptero en la isla italiana. Entonces lo normal fueron los paracaidistas y recién sobre el final de la guerra los alemanes usaron algunos. El amor, el pedido de mano de Flora y hasta la inclusión de un informe sobre la mafia en Sicilia son elementos interesantes que, si bien están, no logran que el film supere cierta mediocridad. Exageraciones y caos, con tinte “tano”.
Carlos Pierre
THE SQUARE
De Ruben Ostlund. Con Clars Bang, Elizabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, entre otros. Cinematografía de Fredik Wenzel. Duración: 151 minutos.
XXXXX- SER Y PARECER EN COMPLEJA TRAMA
Luego de “Fuerza mayor” (2014), Ruben Ostlund, director sueco, regresa con “The square”, ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2017. Si bien hay muchos planteos interesantes, no es una película compacta como la primera mencionada, aquel padre que, en el momento en que se produce un alud, abandona a su mujer y sus hijos a merced de la catástrofe para reaparecer después. En este caso, se basa en la vida de “Christian” quien es director de un museo de arte al que no le va muy bien y para colmo pierde su celular, disparador de una generosa historia sin “peinar”. No obstante este personaje envuelto en una profunda crisis existencial organiza una muestra de arte moderno, “The Square”, nucleo de las inquietudes de Ostlund. A decir verdad, “aprehender” el sentido de una obra de arte moderno no es fácil ni de dominio general. ¿Qué sentido tiene para nuestra vida ese tipo de comprensión? He aquí el quid de “The Square” que delinea ideas muy reveladoras que hacen a la vida social, a la hipocresía, a ser políticamente correctos, a parecer lo que no somos, pero que no hinca el diente. Es una narración eficiente, con una fotografía clásica, y un cúmulo de ideas buenas esbozadas. Quedan ahí. Las hijas de Christian serán quienes develen el verdadero significado que para Ostlund o bien “Christian” tiene la vida.
El supuesto “ataque” de Ostlund al Arte Contemporáneo o Moderno es tan solo una gran metáfora de la vida en las sociedades actuales. La propuesta del realizador es provocadora: las ideas golpean, acicatean y, en definitiva, hacen pensar en nuestras realidades y cómo somos funcionales a manierismos sociopolíticos y económicos aún sin querer.
Elsa Bragato
LA LIGA DE LA JUSTICIA
De Zack Snyder. Con Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill, Willem Dafore, Diane Lane, Amy Adams, entre otros. Fotografía de Fabian Wagner. Música de Danny Elfman. Duración: 121 minutos.
XXXXX- LIO EN EL PARNASO
A Zack Snyder se le volaron algunas hojas del guion porque en “La liga de la justicia”, basada en la reunión de los superhéroes de DC Comics/Warner, los personajes se presentan sin cohesión narrativa entre sí en un menjunje que aturde. El mal ahora se llama SteppenWolf (Ciaran Hinds), tiene un complejo edípico notable y esta secundado por unos horribles hombres-mosquitos que constituyen el ejército de Parademons. “Batman” (Ben Affleck) anuncia los días aciagos por venir y participa de un homenaje cuanto menos macabro a Superman (Henry Cavill) junto a los superhéroes que se reúnen para desenterrarlo. La lucha contra el Mal es el único sentido que tiene el guión porque las secuencias, si bien guardan un orden temporal, parecen agrupadas sin el mínimo sentido común.
Solo quienes siguen la historia de los superhéroes de DC Cómicas conocen a “SteppenWolf”: pertenece a los “NewGods” y su arma es el hacha. A decir verdad, fue creado por Jack Kirby en 1972… Los fanáticos preferían a Darkseid. Pero no pudo ser. Para el espectador común, el personaje malvado surge de la “nada” sin que haya conexión argumental que lo justifique con los meta-humanos, salvo la lucha del bien contra el mal, al que representa.
Componen este “parnaso” de superhéroes un hombre mitad humano y mitad computadora “Cyborg” (Ray Fisher), el moderno Neptuno llamado “Aquaman” (Jason Mamoa), la “Mujer Maravilla” (Gal Gador, quien hizo su primera aparición en la fallida Batman Vs. Superman) y hasta “Superman”!!!!!! Así como mencionamos el orden temporal, Zack Snyder se olvidó por completo del orden espacial. No se sabe dónde se pelea fuera de los límites de Ciudad Gótica, los lugares aparecen como por arte de magia. Y esto hay que decirlo: los actores no actúan. Masacote de efectos especiales, Zack Snider solo desarrolló un personaje con futuro: “Flash” y se olvidó del resto. Añadimos que con este film el director terminaba su trilogía para Warner: Hombre de acero, Batman vs Superman y La liga de la justicia. Pero habría más…
Elsa Bragato